Boulez en Lucerna

Todos hemos criticado alguna vez a Pierre Boulez. Yo, al menos, lo he hecho. Es un hombre que da la impresión de tener un ego monumental. Mientras la vanguardia experimental americana se volcaba en diluir los aspectos de control social que están presentes en el mundo musical, como ha hecho el ácrata John Cage, el muy cartesiano compositor francés se esforzaba en crear la música más compleja que jamás se hubiera hecho y en la que se reflejara su poderío como creador insuperable. También es conocida su aptitud para seducir a los políticos, como cuando consiguió del “gaullismo” la creación del IRCAM, (Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique). Y es que a los políticos le gustan las figuras notables, las figuras con repercusión y que no pasan desapercibidas, porque eso mismo es lo que quieren ellos para sí. Por otro lado, después de una vida centrada en la creación de la música de la segunda mitad del siglo XX, encabezando el movimiento de la postguerra con la única colaboración, (al nivel estelar que le es propio), del recientemente desaparecido Stockhausen, no tuvo ningún escrúpulo en abandonar la composición para dedicarse a dirigir orquestas interpretando “el repertorio” si bien con cierta inclinación hacia sus maestros de entreguerras. Ya hemos dicho que suponemos que probablemente tendrá que sostener una mansión en la Costa Azul y que de otra manera, sin la dedicación a la música de éxito, o a lo que de éxito puede tener el mundo de la música seria, sería imposible financiar.

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Dicho todo esto, tenemos que reconocer que su dedicación a la música es inmensa y que su enorme personalidad ha cambiado el mundo musical del siglo XX por sí solo, tanto en el campo de la composición musical, en el de la gestión en el ámbito del IRCAM, con una gran incidencia en el nacimiento de las músicas espectrales y las últimas vanguardias europeas, como en el de la dirección de orquesta, tal como hoy se entiende el trabajo con la batuta. Pierre Boulez es, lo queramos o no, un personaje imprescindible a sus 85 años.

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Lo cuenta la crónica de El País con motivo de su actuación en el festival de Lucerna, festival que se ha convertido ya en la referencia del verano, por encima de Salzburgo o de los Proms del londinense Royal Albert Hall.

Africa de nuevo.

Magnífico artículo en El País, (que aparecerá en el Tentaciones de mañana), sobre la música en África. Este artículo sirve de introducción para quien no conozca el tema y quiera interesarse en ello. Para que se vea que esto no es cualquier cosa y que aquí hay más originalidad de la que hace gala el gastado pop occidental dejamos dos videos.

El primero es de konono Nº 1, los Congotronics. Se basan en la música del Likembé, un instrumento basado en el popular Mbira o Kalimba, que está formado por unas lengüetas de metal sujetas a un resonador. Yo me compré uno muy gracioso en la tienda de arte de la Fundación Tyssen, (si no recuerdo mal), que usaba como resonador una cáscara de coco seca. Hacen su música con aparatos de desecho, tanto en la electrónica como en la percusión. Estos músicos hacen de la necesidad virtud y crean una música nueva y excitante.
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Lo mismo que los Staff Benda Bilili, también del Congo, que son músicos de la calle que han sufrido los efectos de la poliomielitis y ahí están, haciendo un sonido de lo más original.

Brisas del verano.

A George Benson le dijo una vez Quincy Jones que si quería triunfar no tocara canciones tristes y, como de esto sabe un montón el que fuera productor de Michael Jackson que se hizo rico a su lado, pues siguió su consejo.

La música de Benson es el paradigma de la música negra comercial en EE.UU. Lo puede comprobar cualquiera que escuche las emisoras de radio de las bases americanas en Europa. Hay que reconocer que es un hortera de cuidado, con esos arreglos que hace, siempre con un fondo como de sintetizador haciendo cuerdas, (o con cuerdas de verdad), la sintonía de la felicidad que no desentonaría en el “Barco del amor” de aquella serie americana, cantando como un romántico para enamorar a jovencitas adolescentes…

El problema es que no conozco ningún guitarrista mejor que él. Hay discos enteros que están hechos de canciones casi sin partes instrumentales, pero hay veces, como aquí, en que se le puede oír tocando la guitarra de jazz como nadie, ni Pat Metheny, ni Mike Stern, ni John Scofield. Nadie la toca como George Benson.

Una pena.

George Benson ha estado en el Festival de Jazz de San Sebastián y cuentan las crónicas que durante un ratito tocó la guitarra maravillosamente.

Música para cuando el mundo se acabe.

Realmente la música que oiremos cuando el mundo se acabe ya está escrita. Se trata de la pieza 4’ 33’’ de John Cage. La pieza se ha interpretado en distintas versiones para varios instrumentos, trascribiendola del original que era para piano. Aquí hemos encontrado una versión para Ukelele y la traemos porque nos parece interesante, dadas las características de este instrumento. La interpretación hace una lectura de la partitura de John Cage que a nosotros nos parece muy precisa, tal vez algo exagerada en las dinámicas, pero siempre tratando de sacar a la luz todo el contenido musical que el autor nos quiso transmitir.

Que disfrutéis de su audición.

Salzburgo 2.010.

Como podrán comprobar los que nos siguen, las músicas que más nos interesan son las que se están haciendo ahora, tenemos interés en ver qué es lo que se está fraguando en todas las áreas de la creación musical.

Dice El País que el festival de Salzburgo, (verdadero escaparate de lo que se cuece en el mundo de la música “seria”), a consecuencia de la crisis, ha apostado este año por la creación en lugar de por los montajes costosos. Nos parece estupendo. El festival ha comenzado con una ópera de Wolfgang Rihm, aunque el propio autor dice que se trata de una fantasía operística. Él sabrá.

Posteriormente destaca este periódico el éxito de Ricardo Mutti en el “Orfeo y Eurídice” de Gluck.

” Al final de la función había alineados a la puerta un par de docenas de audis de lujo y se veían procesiones encabezadas por distintivos comerciales, con grupos de personas de lujosos vestuarios a la velocidad que permitían los supersónicos zapatos de tacón de ellas, encaminándose al ascensor de la montaña del Monchsberg para allá arriba, en el restaurante del Museo de Arte Moderno, participar en cenas con vistas. Obviamente todo el mundo se paraba en la calle para contemplar los cortejos.”

Con crisis y todo estas cosas no pueden faltar en la ciudad de Mozart. Pues muy bien. Nosotros nos quedamos con Rihm aunque manifestemos nuestra admiración por el compositor alemán y por el director napolitano.

COSAS DEL VERANO (II): Estoril.

Hay momentos en los que sentimos que estamos viviendo unas sensaciones inesperadas, extrañas, que no estamos dónde debiéramos, ya lo decía Sabina: absurdo, como un belga por soleares. De repente alguien lo nota y dice: os dais cuenta que situación más absurda. Así nos pasó a primeros de Julio.Habíamos ido al festival de jazz de Estoril, según comenté en su día en este mismo blog, aprovechando el frescor atlántico de la costa y la buena música que allí se preveía. El festival se celebraba en el Casino de Estoril. El sábado día 3, teníamos sesión doble: el quinteto de la saxofonista que se hace llamar Grace Kelly y el cuarteto del trompetista Wallace Roney. No era cosa de perdérselo, pero había un problema: la selección nacional de futbol jugaba contra Paraguay en cuartos de final. Solución: ver el partido en el casino antes de entrar al concierto, con el tiempo justo para cenar algo entre una cosa y otra.

Y allí estábamos los cuatro en el bar de ese casino hecho a imagen y semejanza de Las Vegas, sentados en unos sofás amplios con unas cervezas frente a unas pantallas enormes de TV, los únicos que estábamos pendientes de ese partido en todo el espacioso recinto. Nosotros que nunca nos habíamos juntado para ver un partido de nada, que nunca habíamos estado en un Casino, que no íbamos ni a los bingos. Luego vino una pareja y se sentó cerca, aunque no sabíamos si iban con España. ¿Y si son chilenos y prefieren ir con Paraguay? Pensé, siempre poniéndome en lo peor. La sala es una inmensidad llena de distintos espacios todos ellos abarrotados de gente a esa hora de la noche de un sábado. Ruletas, tragaperras, qué se yo. Todo el mundo estaba al juego salvo nosotros. Una enorme nave abierta llena de neones, metacrilatos, espejos, muchos espejos, aceros cromados, lámparas, muchas lámparas, y gente de todo tipo, de todas las edades, compartiendo solamente una cosa: su mayor o menor grado de ludopatía. Luego pitan un penalti contra España, Casillas lo para, al momento pitan otro contra Paraguay, lo mete Xabi Alonso, el árbitro lo anula, Xabi falla el segundo disparo, le hacen otro penalti, el árbitro no lo pita: una auténtica locura. Para entonces ya nos hemos hecho notar y la gente pregunta, por qué estos dan tantas voces. Estamos en Portugal y a nadie le interesa ver a la selección española que es la que ha derrotado a la suya. Finalmente el gol de Villa resuelve este desaguisado y estallamos de júbilo junto con la pareja de al lado, que no eran chilenos. “Son os españois”, dice la gente.

El camarero nos deja los últimos. Ha servido a todo el mundo y a nosotros nos tiene ahí esperando. Pronto empezará la actuación y nosotros soportando la parsimonia de los portugueses. Dice mi amigo: es que en Portugal tienen una hora menos.

Finalmente llegamos al teatro del Casino de Estoril y al poco sale Grace Kelly con su grupo. Son músicos jóvenes que hacen buena música. Sin embargo, el segundo concierto, el de Wallace Roney, me parece mucho más contundente en todos los sentidos. Ahora sí que suena con fuerza, con un sonido compacto, lleno de recursos. Roney es un seguidor de Miles Davis, eso ya los sabemos, pero no es un imitador. Siendo uno tan davisiano siente una gran alegría de escuchar esa música. Todo el grupo, además, me parece que está muy bien. El batería, en la línea de Tony Williams, el bajista contundente, el saxo del hermano de Wallace, a lo Coltrane. Todo fenomenal.

Cuando salimos del teatro y comento con mis acompañantes a ellos lo que les ha gustado ha sido el primer concierto, el de Grace Kelly.

¡Qué extraño es todo en este día!

Extraño, como un pato en el Manzanares.

Este video se grabó en Montreal tres o cuatro días antes del concierto de Estoril. ¿No es una música maravillosa?

Carta a mi hija sobre Enrique Morente.

El otro día me comentabas, María, el recital que dio Enrique Morente en el Auditorio de Badajoz. Me dijiste que la gente se cansó un poco de tanto arte y tanta “hondura”. Hablamos del tema y pasamos de una cosa a otra porque te ibas a marchar pronto y comentamos muchas cosas. Sin embargo, después he recordado lo que me contaste y he pensado en las causas de esa posible falta de conexión entre Morente y los públicos de masas. A partir de ello, he llegado a la conclusión de que estos conciertos multitudinarios de flamenco no son la forma apropiada de apreciar un arte íntimo como es éste. Es cómo los recitales de los tres tenores, algo que no tiene nada que ver con la ópera, un puro espectáculo.

Todavía hay autores que dicen que el flamenco dejó de ser lo que era cuando salió del entorno familiar en que se daba antiguamente y saltó al café concierto en el siglo XIX. Según estos, el flamenco era algo que se cantaba en sitios como la Plaza Alta de Badajoz. Imagínate, en estas noches de verano en que la gente no puede dormir y saca una silla a la calle. ¿Te das cuenta que el cantaor suele cantar sentado en una silla de anea? Es parte de la parafernalia flamenca. En esos corros alguien empezaría a dar palmas, (después de largas conversaciones sobre lo divino y lo humano), y algún gitano con el arte metido en los huesos terminaría cantando una soleá. Para entonces toda la plaza estaría en silencio y su cante lo escucharía hasta la luna, como en un poema de Lorca. El arte siempre es artificial, no es algo totalmente auténtico, ¿recuerdas cuando de pequeña te decíamos que la gente no se moría de verdad en las películas? El arte es siempre un artificio y lo sabemos, (pero aún así yo todavía lloro cuando se muere el bueno en las películas). Por lo tanto es normal que el flamenco salga de los lugares en los que se ha originado y se escuche en un teatro. No es tan adecuado como la Plaza Alta pero puede servir, pues si no, sólo lo escucharían los etnomusicólogos, que son esos locos que van con una grabadora recopilando las músicas populares o exóticas que se están perdiendo. Pero dentro de esa artificialidad hay que buscar algo que se acerque al estado original en que esa música se producía. Escuchar en el Auditorio a Vicente Amigo con un grupo de ocho o diez músicos, con los instrumentos amplificados y haciendo un flamenco muy moderno, con toques de jazz y pop, puede resultar espectacular y funciona. Sin embargo, para escuchar a Morente es mejor la intimidad de una peña flamenca o un pequeño teatro, donde uno no se distraiga y escuche con atención. Sólo así se puede disfrutar ese cante en toda su intensidad.

Muchos Besos

Ben Keith y Neil Young.

En El País nos enteramos de la muerte de Ben Keith y en el blog “Ruta Norteamericana” de Fernando Navarro encontramos este video de YouTube. Yo tampoco conocía su nombre pero Ben Keith era la mitad de Neil Young, la mitad de discos como Harvest. Keith era el acompañante al pedal steel de muchos de sus discos. Comenta el periodista que estuvo con él en el memorable concierto de Madrid de hace dos años.

 

Así que era parte de los sonidos de nuestra juventud sin que lo supiéramos.

Y para curarnos un poco de las malas noticias esta versión de Heart of Gold de 1971, antes de salir publicada en el disco Harvest. De cuando se hacían estas canciones con una guitarra acústica y una armónica. Armónica que por cierto le cuesta algún trabajo encontrar.

The Wish.

Hace tiempo que queremos poner en “todas las músicas” alguna entrada a un tema de The Wish. El problema es que, hasta ahora, lo que habíamos visto en YouTube no nos había gustado por la calidad de la grabación y aquí queremos mantener algún mínimo de calidad, al menos en ese terreno.

Aprovechando el saludo que nos ha hecho Adolfo Portillo, bajista del grupo, y ya que hemos encontrado un video de muy buena calidad, traemos por fin a este grupo que es uno de los mejores de Badajoz. Se trata de una grabación realizada en Cáceres con motivo de la entrega del premio PopEye al mejor grupo extremeño del 2009.

COSAS DEL VERANO (I). José el Francés.

En la sierra de Segovia, tratando de pasar la canícula entre el frescor de los pinares y el aire que por las noches baja de los montes de “la mujer muerta”, hemos visto un anuncio. Se trata de una fotocopia de mala calidad pegada en la parada del autobús. Según avisa, esa noche actuará en una terraza de verano de la localidad vecina José el Francés. La historia es de lo más truculenta. El cantaor ha pasado estos últimos años entre rejas acusado de tráfico de drogas y su carcelero, aficionado al flamenco y con el que ha trabado una buena amistad, es quien ha organizado, (si se puede utilizar aquí ese término), la gala de esta noche. Carcelero, carcelero

Carcelero , carcelero /porque no abres puertas y cerrojos / abre puertas y cerrojos / porque no quiero perderme,(bis) / por culpita de unos ojos / culpita de unos ojos. Que cantaba Manolo Caracol.

Llegamos al anochecer un grupo numeroso de amigos y nos sentamos en una mesa con la esperanza de que alguien se ocupe de nosotros. Esperanza vana. Enseguida llegamos a la conclusión de que aquello no tiene remedio. Algunos de los que nos negamos a terminar el día sin haber cenado nos ponemos manos a la obra y salimos en coche a buscar viandas, pues de otro modo sabemos que no podremos conciliar el sueño cuando todo esto acabe y nos retorzamos entre las sábanas en medio del gruñido de nuestras tripas vacías.

¿Será posible que en tan lamentable hospedería vaya a actuar el Francés? La pregunta parece tener respuesta negativa cuando encienden el “presunto” equipo de sonido. En realidad es un equipo de ruido. La cosa no tiene ninguna gracia. El más hábil de los amigos salta hacia el monitor tratando de conseguir que suene algo más que berridos electrónicos, pero su pretensión es imposible. La decepción está servida. Esto no parece tener arreglo. Sin embargo un artista es un artista y José el Francés toma una decisión valiente: cantará sin equipo de sonido, con su voz y su guitarra en un jardín con casi cien personas y una carretera próxima. Podrá pensarse que no será capaz de hacerse oír, pero no es así. El Francés es un cantaor hecho en la industria gitana y acostumbrado a hacer su música así, en una fiesta, con una guitarra y, si acaso, unas palmas. El cante gitano inunda la noche segoviana, me refiero al cante de verdad. Claro que, esto no es cante para satisfacer a los inquisidores de la ortodoxia. Aquí no hay martinetes ni seguiriyas ni medias granaínas, aquí lo que hay son bulerías, con alguna aproximación a la soleá y rítmicos tangos, mucho de Camarón e incluso canciones que no son flamencas, aunque su voz las haga aflamencar.

Con él está su mujer, Chonchi Heredia, musa que ha sido de de Paco de Lucía, Joaquín Cortés o Antonio Canales, Ketama, Raimundo Amador, Vicente Amigo o Jorge Pardo. Acompaña a su marido y canta alguna cosita también. El de Montpellier descansa para tomarse una copa. Cuenta chistes, habla de Paco de Lucía y de Camarón, se mezcla con el público, que a esas alturas ya le adora, y finalmente consigue que todos a una coreen al unísono aquello de “Ya no quiero tu querer”.

Vienes arrepentida / vienes pidiendo perdón / diciendo que me quieres / he sido tu primer amor / ya no quiero tus labios / porque otro los ha besado / y el amor que te tenía / con tristeza lo he olvidado

Fuera de mi / ya no quiero tu querer / de mi mente / te he borrado / ya no quiero / besar tus labios

 

Aquí está el Francés con la Niña. En el video no lo dice, pero ya veis que el guitarrista es, nada menos que, Vicente Amigo.

Charlie Parker y Dizzy Gillespie

Menos mal que está subtitulado.

Biblioteca: Historia del jazz moderno. Frank Tirro.

Tengo que reconocerlo: estoy enfrascado en una apasionante revisión historiográfica de la música más reciente. Cuanto más reciente mejor. Después del libro de Dibelius sobre la música culta desde la Segunda Guerra Mundial acabo de empezar la Historia del jazz moderno de Frank Tirro. Autor de una historia del jazz clásico, ahora ofrece esta segunda parte de esta historia por fascículos, (aunque sospecho que presentar así el trabajo es una maniobra de los editores). El libro en lo que llevo leído sorprende por una cosa: presenta la evolución de los autores comentados con ejemplos musicales. Por fin un libro que no es divulgación. La musicología ha llegado al jazz y Frank Tirro nos presenta un estudio de los estilos y las formas de hacer música llena de trascripciones de los solos, esquemas formales y análisis armónicos de las piezas, explicando de una manera muy clara la forma en la que Charlie Parker tomaba un tema popular y lo “deconstruía” según el nuevo estilo be-bop, así como analizando las piezas que fueron emblemáticas en la evolución del estilo. Para seguir el texto es muy recomendable hacerse con las grabaciones originales de las piezas que estudia. Parece interesante.

Biblioteca: Félix de Azúa, autobiografía sin vida.

 Se puede escribir un texto de casi doscientas páginas de prosa poética de la mejor y no ser capaz de ponerle un título al asunto. Así es el libro de Félix de Azúa: Autobiografía sin vida. Un título feo, poco descriptivo, inadecuado para lo que trata el libro. Él sabrá.

Personalmente conocí a Félix de Azúa en el blog de El boomeran(g), donde coloca los artículos que escribe en prensa para varios periódicos. Es doctor en Filosofía, poeta (uno de los nueve novísimos de Castellet junto con Gimferrer, Panero, Molina Foix), melómano, como este último, catedrático, periodista y narrador. Es uno de los impulsores, junto con Boadella, de Ciutadans de Catalunya, una plataforma cívica antiseparatista.

Me gustó porque iba a su aíre. Azúa, profesor de estética en la facultad de Arquitectura de Barcelona, escribió un famoso artículo sobre la música de Schoenberg y su recepción, (o no recepción, mejor dicho), que debatimos mucho cuando estudiaba musicología (a cierta distancia). Este artículo hay que imprimirlo y ponerlo en la cabecera de la cama para leerlo todos los días la levantarse. A partir de entonces empecé a leer sus artículos en el Boomeran(g).

Compré el libro pensando que se trataba de un ensayo sobre algún tema relativo a la historia del arte, y algo de eso tiene el libro, pero en realidad no sabría definirlo. Habla de lo que a él le ha gustado en lo referente a la plástica, los símbolos, los mensajes transmitidos por el arte. En ese sentido es en el único en el que podemos hablar de una autobiografía. Habla de la muerte del arte, del vacío. Pero lo hace utilizando un lenguaje poético. Sin embargo escribe en una prosa muy precisa. Así que no sé si es una narración, un ensayo, una obra lírica o qué.

Al final, establecida la muerte del arte y certificada su defunción, Azúa dice con Blas de Otero que lo que nos queda es la palabra. No la palabra analítica del experto, del teórico, sino la palabra viva que sale de la boca con un placer físico y que revienta en la mente al escucharla:

Si he perdido la vida, el tiempo, todo

lo que tiré, como un anillo, al agua,

si he perdido la voz en la maleza,

me queda la palabra.

(En el principio, Blas de Otero).

Poema Función Superestructural de Félix de Azúa
Literatura es la forma de historia
como si hacer poesía fuera la leyenda de una sola palabra
monasterios helados la tinta fue sacada con pólvora
desde el puente de mando o ante las ruinas
nadando para cruzar el río o unidos a naciones extrañas
meditativos -la aristocracia es la esencia de la literatura-
al borde del río y del sepulcro.
Una forma de historia muy sutil
no por eso menos unida a la guerra y los dioses
enamorada de lo imperecedero -soberbia, sí-
( oh Señor Dios de los ejércitos )
fragantes y coquetas cuando los nobles cortesanos
unían ambos polos largas colas y puños esmaltados
buenos tiempos para volver a Anfriso y Galatea.
La gran forma de historia Tod ist Freude madre
atlantes rubios antropófagos.
Al disfraz de método y sistema
medio ciegos mezclados hacia dentro hacia fuera
descubiertos en sucios barrios conocidos cuartos
detenidos junto a bacantes y corruptos senadores
subidos en el veloz camión hacia la cárcel
tan arrepentidos como inocentes. Literatura es la historia
letra de historia donde la lupa puede ver los sistemas
en frases que se muerden la cola
rastrear entre palabras victoriosos términos
capítulo final antes de abrir epílogos de la materia.

Meredith Monk

Meredith Monk es un ejemplo de dedicación interdisciplinar al arte en general: compositora, intérprete, directora, vocalista, directora de películas y coreógrafa. Ha estado relacionada con los entornos de la música contemporánea y otros, como el minimalista, siendo fichada para ECM por Manfred Eicher en 1981. También ha hecho música para películas de los hermanos Coen o de Godard. Está en todos “los fregados” y siempre experimentando con el sonido de la voz y sus posibilidades expresivas.

Personajes.

El personaje de Conlon Nancarrow es tan extravagante que parece inventado. Os prometo que es real, lo podéis ver en la Wikipedia. No obstante, para saber sobre su vida es mejor consultarlo en inglés, porque trae más información.


Además, tengo que reconocer que a veces me invento alguna cosa pero siempre es en el blog de “todas las cosas”. En éste de “todas las músicas” procuro poner sólo verdades como puños.

Conlon Nancarrow

Últimamente publico poco en este blog. No es porque tenga dejada la música, al contrario, lo que pasa es que llevo una temporada enfrascado en la lectura de la monografía de Ulrich Dibelius sobre “La música contemporánea a partir de 1945”. Lectura que voy alternando con la documentación y escucha de autores que no había oído o de los que había oído poco.

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En esta tarea de cuando en cuando se encuentra uno con compositores curiosos como CONLON NANCARROW. El caso de este compositor de Texarkana (Arkansas) es doblemente interesante, en primer lugar por su biografía y en segundo lugar por las consecuencias que ésta tuvo en su vida.

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Músico de jazz en sus inicios, decidió estudiar música en Cincinnati primero y en Boston después, donde fue alumno de maestros como Walter Piston, famoso en estos lares por su tratado sobre armonía, (edit. Labor). En Boston conoció a Arnold Schoenberg, que venía huyendo de los nazis y buscaba refugio en el Nuevo Mundo. Por aquel entonces Conlon Nancarrow se afilió al partido comunista. Eran tiempos en los que había que tomar partido por un bando o por el otro, (a menudo de forma radical), y muchos famosos músicos americanos lo hicieron por las ideas de izquierda, incluso asumiendo la ideología marxista. Nancarrow, como muchos otros, había visto en las carnes de Schoenberg y otros músicos europeos las consecuencias que podía traer el triunfo del fascismo en toda Europa y cuando conoció el golpe de estado de los militares contra la República Española decidió embarcarse y venir con la Brigada Lincoln a incorporarse a las Brigadas Internacionales que luchaban para detener el avance inminente del fascismo y a defender nuestra República. Estos brigadistas no hicieron más que poner freno al fascismo anticipándose a lo que al final tendría que hacer su país: unirse a los aliados para acabar con las agresiones del Eje. Sin embargo, en 1939 cuando volvió a EE.UU. después de abandonar España, vio como los “brigadistas” eran molestados por su Gobierno que les negaba el pasaporte y les sometía a continuos interrogatorios por su alistamiento con los comunistas. Debido a esta presión, decidió finalmente exiliarse en México. En el año 1981, con motivo de la vuelta a su país para el Festival Americano de la Nueva Música en San Francisco, solicita información sobre las condiciones para su regreso, ya que la ciudad de México, donde vive, soporta una contaminación elevadísima que le perjudica su enfisema pulmonar. Su gobierno le contesta diciendo que tiene que firmar una declaración en la que reconozca que su actuación se debió a que era joven e insensato, (young and foolish). Como quiera que se negara a firmar tal declaración, acabó sus días en Las Águilas (México D.F.), muriendo en 1997 a la edad de 84 años.

En México vivió bastante aislado del mundo musical con apenas unos pocos amigos músicos y sin contacto con la infraestructura necesaria para poder estrenar sus obras y encontrar músicos capaces de interpretarla.

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Hasta aquí su biografía, ahora veamos como influyeron todos estos acontecimientos en su música. Debido al aislamiento que encontró en México y a la falta de músicos y organizaciones capaces de estrenar sus composiciones, Nancarrow se vio en la imposibilidad de que su obra fuera escuchada. En el libro de Henry Cowell “New Musical Resources”, encontró la solución a su problema. Sugería Cowell la utilización de medios automáticos de la época, como la pianola o piano mecánico, capaces de reproducir ritmos complicados de difícil ejecución por la mano humana. Se compró un piano reproductor mecánico (piano roll), con el que realizó sus primeras obras que tenían mucho de los motivos del jazz primitivo de Art Tatum complicado con sofisticados esquemas métricos. Conoció también los pianos preparados de John Cage e hizo algún intento de hacer música con ellos, si bien se vio frenado por problemas prácticos a la hora de preparar los pianos.

En cualquier caso, su música para pianola le llevó a componer complicados cánones en los que la relación del tempo entre las partes podía ser del tipo de e:pi, en lugar de los habituales 2:1 o similares. También podía hacer sonar con este sistema rapidísimas series de semifusas a velocidades imposibles de ejecutar por la mano del hombre. Para Gyorgy Ligeti su música era: el mayor descubrimiento habido desde Webern y Ives… algo grande e importante para toda la Historia de la música. Su música es tan extrañamente original, tan lúdica, perfectamente construida, pero al mismo tiempo tan emocional… para mí es el mejor de los compositores vivos”.

Este es un documento que ofrece una presentación de Nancarrow por el músico mexicano Julio Estrada y una de sus piezas para pianola.

Estrella.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (II).

En su monografía sobre “la música contemporánea a partir de 1945”, Ulrich Dibelius, parte de la situación existente en Alemania y el mundo el día de la liberación, es decir, al finalizar la cruenta II Guerra Mundial, para señalar a continuación los orígenes culturales que se habían dado durante la primera mitad del Siglo XX y, después de desgranar los maestros y mediadores entre la generación anterior a la guerra y los primeros años de la posguerra y la joven generación que entonces surge, principalmente en Europa, hace mención a los centros en los que se desarrolló la nueva música en el periodo comprendido entre 1945 y 1965 y destaca entre éstos:

- Los cursos internacionales de verano de Darmstadt

- Las jornadas musicales de Donaueschingen.

- La Sociedad Internacional de Música Contemporánea.

- Los estudios de música electrónica de Colonia y Munich.

- Los conciertos del “Domaine Musical” de París.

- El conjunto instrumental “Die Reihe” de Viena.

- El estudio experimental Gravesano, cerca de Lugano, donde Hermann Scherchen instaló tres talleres electrónicos en su propia casa y propició encuentros de nueva música.

Con cierta pretensión exhaustiva y una clara estructura en su discurso, tras relacionar los distintos grupos de nueva música que se formaron en los países de Europa y en el resto del mundo, pasa a establecer los términos utilizados en la definición de esta música que más éxito tuvieron en su momento. La propia enumeración de estos términos nos da una idea aproximada de los problemas que inquietaban a los compositores del periodo.

Estos términos, que va desarrollando uno a uno son los siguientes:

- Acontecimiento sonoro, (Klangereignis)

- Aleatoriedad.

- Atonalidad.

- Cluster.

- Composición fonética, (Spachtkomposition).

- Espectro.

- Estadístico.

- Estructura.

- Formante.

- Melodía de timbres, (Klangfarbenmelodie).

- Música serial.

- Notación

- Notación gráfica.

- Nueva Música.

- El ordenador.

- Organización temporal.

- Parámetros.

- Prohibición de la periodicidad.

- Permeabilidad.

- Ruido.

- Serie.

- Teoría de la información (de la comunicación).

- Tono sinusoidal.

Posteriormente, la monografía sería continuada en ediciones posteriores con la referencia a los años que van de 1965 a 1985. Pero esa es ya otra historia.

Renee Rosnes

Hemos hablado de Renee Rosnes con motivo del próximo festival de Estoril. Se trata de una pianista que ha acompañado a J.J. Johnson y al recien desaparecido Freddie Hubbard, entre otros. Está casada con el batería Billy Drummond.

El tema que ponemos aquí da idea de la categoría musical de esta mujer.

De All about jazz

Renee Rosnes, (24 de marzo de 1962).

Pianista y compositora canadiense, Renee Rosnes ha tenido un magnífica carrera que le ha supuesto un significativo reconocimiento internacional. Inició sus estudios de piano clásico a la edad de tres años y se interesó por el jazz durante sus estudios de secundaria. Coincidiendo con su traslado desde Vancouver a Nueva York en 1986, estableció una rápida reputación motivada por su formidable talento. A finales de 1986 se unió al cuarteto del saxofonista Joe Henderson. En 1988, pasó un año en el quinteto de Wayne Shorter, y en 1989, el legendario trombonista JJ Johnson la invitó para incorporarse a su grupo como su pianista. Ms. Rosnes ha tocado también con el la Carnegie Hall Jazz Band con Jon Faddis, la Dizzy Gillespie All-Star Tribute Band, la orquesta de Gerald Wilson y la Big Band de la radio danesa. Habiendo realizado giras y grabaciones con muchos de los mayores maestros, su presencia es parte de la historia del jazz.

Desde 1990 Ms. Rosnes ha realizado una serie de nueve discos en el sello Bue Note que han sido muy alabados por la crítica, habiendo ganado los premios Juno y varios premios del Canadian National Jazz Awards. Además de dirigir sus propios grupos Ms Rosnes es también miembro del cuarteto de James Moody, toca a menudo con el vibrafonista Bobby Hutcherson, y es miembro fundador del San Francisco Jazz Collective: un octeto formado por estrellas que ha contado con artistas como Joshua Redman, Nicholas Payton y Joe Lovano.

Raynald Colom.

A uno le gusta tanto Miles Davis que no entiende como los jóvenes de ahora, en lugar de fijarse en ese pasado endeble que pretende ser exquisito y se queda en un jazz mórbido y fláccido, no escuchan más el Bitches Brew o el Sorcerer.

Entre los discos que nos recomendó emiles me está sorprendiendo, (en sucesivas audiciones), el de Raynald Colom. Este trompetista catalán y francés que estudió en el Berklee College con Wynton Marsallis hace una lectura de la tradición mucho más interesante que aquella a la que nos tiene acostumbrados su maestro.

Por otra parte su forma de fusionar el flamenco y el jazz es muy auténtica. Deja a cada músico que haga lo que sabe y todo encaja a la perfección. La versión de Sanctuary del Bitches Brew, con una instrumentación más sencilla que el original, está muy bien conseguida y el martinete final lo hubiera firmado el mismísimo Miles.