Meredith Monk

Meredith Monk es un ejemplo de dedicación interdisciplinar al arte en general: compositora, intérprete, directora, vocalista, directora de películas y coreógrafa. Ha estado relacionada con los entornos de la música contemporánea y otros, como el minimalista, siendo fichada para ECM por Manfred Eicher en 1981. También ha hecho música para películas de los hermanos Coen o de Godard. Está en todos “los fregados” y siempre experimentando con el sonido de la voz y sus posibilidades expresivas.

Personajes.

El personaje de Conlon Nancarrow es tan extravagante que parece inventado. Os prometo que es real, lo podéis ver en la Wikipedia. No obstante, para saber sobre su vida es mejor consultarlo en inglés, porque trae más información.


Además, tengo que reconocer que a veces me invento alguna cosa pero siempre es en el blog de “todas las cosas”. En éste de “todas las músicas” procuro poner sólo verdades como puños.

Conlon Nancarrow

Últimamente publico poco en este blog. No es porque tenga dejada la música, al contrario, lo que pasa es que llevo una temporada enfrascado en la lectura de la monografía de Ulrich Dibelius sobre “La música contemporánea a partir de 1945”. Lectura que voy alternando con la documentación y escucha de autores que no había oído o de los que había oído poco.

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En esta tarea de cuando en cuando se encuentra uno con compositores curiosos como CONLON NANCARROW. El caso de este compositor de Texarkana (Arkansas) es doblemente interesante, en primer lugar por su biografía y en segundo lugar por las consecuencias que ésta tuvo en su vida.

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Músico de jazz en sus inicios, decidió estudiar música en Cincinnati primero y en Boston después, donde fue alumno de maestros como Walter Piston, famoso en estos lares por su tratado sobre armonía, (edit. Labor). En Boston conoció a Arnold Schoenberg, que venía huyendo de los nazis y buscaba refugio en el Nuevo Mundo. Por aquel entonces Conlon Nancarrow se afilió al partido comunista. Eran tiempos en los que había que tomar partido por un bando o por el otro, (a menudo de forma radical), y muchos famosos músicos americanos lo hicieron por las ideas de izquierda, incluso asumiendo la ideología marxista. Nancarrow, como muchos otros, había visto en las carnes de Schoenberg y otros músicos europeos las consecuencias que podía traer el triunfo del fascismo en toda Europa y cuando conoció el golpe de estado de los militares contra la República Española decidió embarcarse y venir con la Brigada Lincoln a incorporarse a las Brigadas Internacionales que luchaban para detener el avance inminente del fascismo y a defender nuestra República. Estos brigadistas no hicieron más que poner freno al fascismo anticipándose a lo que al final tendría que hacer su país: unirse a los aliados para acabar con las agresiones del Eje. Sin embargo, en 1939 cuando volvió a EE.UU. después de abandonar España, vio como los “brigadistas” eran molestados por su Gobierno que les negaba el pasaporte y les sometía a continuos interrogatorios por su alistamiento con los comunistas. Debido a esta presión, decidió finalmente exiliarse en México. En el año 1981, con motivo de la vuelta a su país para el Festival Americano de la Nueva Música en San Francisco, solicita información sobre las condiciones para su regreso, ya que la ciudad de México, donde vive, soporta una contaminación elevadísima que le perjudica su enfisema pulmonar. Su gobierno le contesta diciendo que tiene que firmar una declaración en la que reconozca que su actuación se debió a que era joven e insensato, (young and foolish). Como quiera que se negara a firmar tal declaración, acabó sus días en Las Águilas (México D.F.), muriendo en 1997 a la edad de 84 años.

En México vivió bastante aislado del mundo musical con apenas unos pocos amigos músicos y sin contacto con la infraestructura necesaria para poder estrenar sus obras y encontrar músicos capaces de interpretarla.

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Hasta aquí su biografía, ahora veamos como influyeron todos estos acontecimientos en su música. Debido al aislamiento que encontró en México y a la falta de músicos y organizaciones capaces de estrenar sus composiciones, Nancarrow se vio en la imposibilidad de que su obra fuera escuchada. En el libro de Henry Cowell “New Musical Resources”, encontró la solución a su problema. Sugería Cowell la utilización de medios automáticos de la época, como la pianola o piano mecánico, capaces de reproducir ritmos complicados de difícil ejecución por la mano humana. Se compró un piano reproductor mecánico (piano roll), con el que realizó sus primeras obras que tenían mucho de los motivos del jazz primitivo de Art Tatum complicado con sofisticados esquemas métricos. Conoció también los pianos preparados de John Cage e hizo algún intento de hacer música con ellos, si bien se vio frenado por problemas prácticos a la hora de preparar los pianos.

En cualquier caso, su música para pianola le llevó a componer complicados cánones en los que la relación del tempo entre las partes podía ser del tipo de e:pi, en lugar de los habituales 2:1 o similares. También podía hacer sonar con este sistema rapidísimas series de semifusas a velocidades imposibles de ejecutar por la mano del hombre. Para Gyorgy Ligeti su música era: el mayor descubrimiento habido desde Webern y Ives… algo grande e importante para toda la Historia de la música. Su música es tan extrañamente original, tan lúdica, perfectamente construida, pero al mismo tiempo tan emocional… para mí es el mejor de los compositores vivos”.

Este es un documento que ofrece una presentación de Nancarrow por el músico mexicano Julio Estrada y una de sus piezas para pianola.

Estrella.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (II).

En su monografía sobre “la música contemporánea a partir de 1945”, Ulrich Dibelius, parte de la situación existente en Alemania y el mundo el día de la liberación, es decir, al finalizar la cruenta II Guerra Mundial, para señalar a continuación los orígenes culturales que se habían dado durante la primera mitad del Siglo XX y, después de desgranar los maestros y mediadores entre la generación anterior a la guerra y los primeros años de la posguerra y la joven generación que entonces surge, principalmente en Europa, hace mención a los centros en los que se desarrolló la nueva música en el periodo comprendido entre 1945 y 1965 y destaca entre éstos:

- Los cursos internacionales de verano de Darmstadt

- Las jornadas musicales de Donaueschingen.

- La Sociedad Internacional de Música Contemporánea.

- Los estudios de música electrónica de Colonia y Munich.

- Los conciertos del “Domaine Musical” de París.

- El conjunto instrumental “Die Reihe” de Viena.

- El estudio experimental Gravesano, cerca de Lugano, donde Hermann Scherchen instaló tres talleres electrónicos en su propia casa y propició encuentros de nueva música.

Con cierta pretensión exhaustiva y una clara estructura en su discurso, tras relacionar los distintos grupos de nueva música que se formaron en los países de Europa y en el resto del mundo, pasa a establecer los términos utilizados en la definición de esta música que más éxito tuvieron en su momento. La propia enumeración de estos términos nos da una idea aproximada de los problemas que inquietaban a los compositores del periodo.

Estos términos, que va desarrollando uno a uno son los siguientes:

- Acontecimiento sonoro, (Klangereignis)

- Aleatoriedad.

- Atonalidad.

- Cluster.

- Composición fonética, (Spachtkomposition).

- Espectro.

- Estadístico.

- Estructura.

- Formante.

- Melodía de timbres, (Klangfarbenmelodie).

- Música serial.

- Notación

- Notación gráfica.

- Nueva Música.

- El ordenador.

- Organización temporal.

- Parámetros.

- Prohibición de la periodicidad.

- Permeabilidad.

- Ruido.

- Serie.

- Teoría de la información (de la comunicación).

- Tono sinusoidal.

Posteriormente, la monografía sería continuada en ediciones posteriores con la referencia a los años que van de 1965 a 1985. Pero esa es ya otra historia.

Renee Rosnes

Hemos hablado de Renee Rosnes con motivo del próximo festival de Estoril. Se trata de una pianista que ha acompañado a J.J. Johnson y al recien desaparecido Freddie Hubbard, entre otros. Está casada con el batería Billy Drummond.

El tema que ponemos aquí da idea de la categoría musical de esta mujer.

De All about jazz

Renee Rosnes, (24 de marzo de 1962).

Pianista y compositora canadiense, Renee Rosnes ha tenido un magnífica carrera que le ha supuesto un significativo reconocimiento internacional. Inició sus estudios de piano clásico a la edad de tres años y se interesó por el jazz durante sus estudios de secundaria. Coincidiendo con su traslado desde Vancouver a Nueva York en 1986, estableció una rápida reputación motivada por su formidable talento. A finales de 1986 se unió al cuarteto del saxofonista Joe Henderson. En 1988, pasó un año en el quinteto de Wayne Shorter, y en 1989, el legendario trombonista JJ Johnson la invitó para incorporarse a su grupo como su pianista. Ms. Rosnes ha tocado también con el la Carnegie Hall Jazz Band con Jon Faddis, la Dizzy Gillespie All-Star Tribute Band, la orquesta de Gerald Wilson y la Big Band de la radio danesa. Habiendo realizado giras y grabaciones con muchos de los mayores maestros, su presencia es parte de la historia del jazz.

Desde 1990 Ms. Rosnes ha realizado una serie de nueve discos en el sello Bue Note que han sido muy alabados por la crítica, habiendo ganado los premios Juno y varios premios del Canadian National Jazz Awards. Además de dirigir sus propios grupos Ms Rosnes es también miembro del cuarteto de James Moody, toca a menudo con el vibrafonista Bobby Hutcherson, y es miembro fundador del San Francisco Jazz Collective: un octeto formado por estrellas que ha contado con artistas como Joshua Redman, Nicholas Payton y Joe Lovano.

Raynald Colom.

A uno le gusta tanto Miles Davis que no entiende como los jóvenes de ahora, en lugar de fijarse en ese pasado endeble que pretende ser exquisito y se queda en un jazz mórbido y fláccido, no escuchan más el Bitches Brew o el Sorcerer.

Entre los discos que nos recomendó emiles me está sorprendiendo, (en sucesivas audiciones), el de Raynald Colom. Este trompetista catalán y francés que estudió en el Berklee College con Wynton Marsallis hace una lectura de la tradición mucho más interesante que aquella a la que nos tiene acostumbrados su maestro.

Por otra parte su forma de fusionar el flamenco y el jazz es muy auténtica. Deja a cada músico que haga lo que sabe y todo encaja a la perfección. La versión de Sanctuary del Bitches Brew, con una instrumentación más sencilla que el original, está muy bien conseguida y el martinete final lo hubiera firmado el mismísimo Miles.

Jazz en Estoril.

Cuando llegan “las calores” al suroeste español no hay mejor paliativo que un viaje de fin de semana a las costas portuguesas. El viento atlántico trae otros frescores que contrastan con la canícula mesetaria. Por la noche se puede dormir y un poco antes, comerse unos peixes en cualquier sitio de la playa mientras vemos en su terraza romper las olas a los pies de nuestra mesa. En estos lugares, la cena puede acabar con una buena “bica” de café y unas magníficas caipiriñas que aquí preparan de lujo.

Digo todo esto porque hombre prevenido vale por dos. A primeros de Julio hay un festival de jazz organizado en el Casino de Estoril. El programa es magnífico y destaca la presencia de muchas féminas:

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Viernes 2 de Julio.

Cuarteto de Renee Rosnes

Renee Rosnes - piano

Steve Nelson - vibráfono

Peter Washington - contrabajo

Lewis Nash - batería

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Sábado 3 de Julio. Doble sesión.

Quinteto de Grace Kelly.

Grace Kelly - saxo alto, tenor

Jason Palmer - trompeta

Doug Johnson - piano

Evan Gregor - contrabajo

Jordan Perlson – batería
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Quinteto de Wallace Roney

Wallace Roney – trompeta

Antoine Roney - saxo alto, soprano, clarinete bajo

Aruan Ortiz - piano

Rashaan Carter - contrabajo

Kush Abadey - batería

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Domingo 4 de Julio.

Cuarteto de Charles Lloyd

Charles Lloyd - saxo tenor, soprano

Jason Moran - piano

Reuben Rogers - contrabajo

Eric Harland- batería

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La siguiente semana vuelve a haber actuaciones durante todo el fin de semana.

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Viernes 9 de Julio.

Quinteto de Dee Dee Bridgewater

Dee Dee Bridgewater - voz

Edsel Gomez - piano

Kenny Davis - contrabajo

Lewis Nash - batería

Craig Handy - saxo tenor

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Sábado 10 de Julio.

Trío 3.

Oliver Lake - saxofones

Reggie Workman - contrabajo

Andrew Cyrille - batería

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Domingo 11 de Julio

Cuarteto de Esperanza Spalding

Esperanza Spalding - contrabajo, voz

Leo Genovese - piano

Ricardo Vogt - guitarra

Dana Hawkins – batería

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Festival Ibérico 2010

Pinchando en la imagen se verá a mayor tamaño.

AQUÍ se puede descargar el programa de mano completo del festival.

Esperanza Spalding, menú degustación.

Portugal

Buscando información sobre Julio Resende hemos dado con un blog de jazz del país de al lado, se llama jazz no pais do improviso. Recomendado.

Julio Resende

De Julio Resende, el pianista portugués que nos recomendó el blog de emiles, hemos encontrado en YouTube algunas grabaciones. Perico Sambeat se ha ido a su cuarteto y están haciendo muy buena música.

Lo mejor del jazz actual (II).

Una sorpresa el disco de Enrico Rava "New York Days". A través de él conozco a este trompetista italiano (Trieste 1939), que empezó a ser conocido tocando con el Gato Barbieri y que grabó, a su llegada a N.Y., con Steve Lacy y Lee Konitz. Un músico extraordinario y una maravilla de disco. Con fuerza, con sensibilidad: una música sugestiva. Recomendado.

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Dave Douglas Brass Ecstasy en "Spirit Moves" rescata lo mejor de la tradición de las bandas callejeras de jazz a base de metales. Es tradición pero al tiempo es algo fresco, que suena a nuevo y a dinámico, sólo hay que situarlo en el cuarteto Masada de John Zorn para saber de qué hablamos. Brass Ectasy está formado, además, por Vincent Chancey, trompa; Luis Bonilla, trombón; Marcus Rojas, tuba y Nasheet Waits, batería. Otro grandísimo disco.

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No puedo decir lo mismo de Allen Toussaint. A pesar de ser un músico que ha tocado hasta con Paul McCartney, su música pertenece a una vieja tradición de Nueva Orleans, es un músico de R&B, pero no podemos decir que su música sea creativa. Al menos yo no lo he captado. Sus instrumentistas parecen sacados del túnel del tiempo, tocando el clarinete con un vibrato que a muchos traerá recuerdos de épocas mejores, pero nada más. Agradable de escuchar y fácil de asimilar.
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Joe Lovano es un músico que está en todos los fregados pero al que no había escuchado mucho. Merece la pena hacerlo en este “Folk Art”. Tengo la impresión de que es un músico “mainstream”, que está en la corriente principal de lo que viene gustando en el jazz en los últimos veinte o treinta años. Es un magnífico tenor (y soprano) que siempre merece ser escuchado. Aquí está muy bien, como se puede apreciar en el tema que cierra el disco, Etternro. Soplando sin miedo.

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En la mainstream está también Christian McBride, un magnífico bajista que ha tocado con lo mejor del jazz y del pop, un músico de acompañamiento que ahora liderando su grupo se acompaña de Steve Wilson, saxo soprano y alto; Warren Wolf, Jr. vibráfono, Eric Reed piano y Carl Allen batería.

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No me termina de convencer este Ben Allison. Tal vez sea un buen bajista pero este disco, a mí, no me dice nada. Demasiadas sintonías, ¿no?

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Raynald Colom (Evocación) es un trompetista de Barcelona de origen francés que recientemente se ha trasladado a Nueva York con este disco bajo el brazo en el que mezcla flamenco y jazz. Tiene ecos de intentos anteriores en los que recuerda a Miles Davis, aunque también a Jorge Pardo, pero sobre todo tiene una línea personal. A mí me parece que va por buen camino y espero que le resulte bien.

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El trío formado por Colina, Miralta y Sambeat son de lo mejor que hay en España. Me parece muy bien que estén incluidos en esta lista.

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Del portugués Julio Resende no he encontrado aún ningún disco pero seguiré buscando y si no lo pediré a Portugal. Lo que he visto en YouTube me ha parecido sensacional.

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Tampoco he encontrada nada de los gallegos Paco Charlín y Monkillos.

Fly

Lo mejor del jazz actual (I).

Nuestro compañero (en blogspot) emiles (seguramente Emilio), ofrece en su blog un resumen de lo que él considera lo mejor del jazz durante el pasado año. Como me parece que eso supone enfrentarse con valor a una difícil tarea traemos aquí la lista que ha elaborado.

- Kurt Rosenwinkel Standards Trio "Reflections"

- Steve Kuhn Trio With Joe Lovano "Mostly Coltrane"

- Dave Douglas Brass Ecstasy "Spirit Moves"

- Enrico Rava "New York Days"

- Fly "Sky & Country"

- Allen Touissant "Bright Mississipi"

- Joe Lovano Us Five "Folk Art"

- Christian McBride Inside Straight "Kind of Brown"

- OAM Trio + Mark Turner "Now & Here"

- Roy Hargrove Big Band "Emergence"

- Seamus Blake Quartet "Live in Italy"

- Ben Allison "Think Free"

- Raynald Colom "Evocación"

- CMS Trio "Andando"

- Paco Charlín "Organic Motion Philosophy"

- Paco Charlín "The Game"

- Julio Resende "Assim Falava Jazzatustra"

- Seamus Blake "Bellwether"

- Monkillos "In Monk We Trust"

Personalmente tengo que reconocer que, a día de hoy, no sé de qué va el jazz y no puedo decir quien anda por ahí haciendo cosas, tan sólo podría hablar de los que conozco. Parece ser que a nuestro colega le pasa algo parecido pues presenta varios músicos que coinciden con los que he oído por ahí, son algunos de los que han tocado por España últimamente, otros son españoles y otros son incluso de la tierra de nuestro bloguero que me suena como galaico.

Bueno, la lista de nuestro amigo es un punto de partida para interesarnos en algunos músicos que no conocemos y en el trabajo elaborado durante el 2009 por los conocidos.

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Kurt Rosenwinkel en este disco (Reflections) es un guitarrista de estilo conservador, como muchos de los músicos de su generación, obsesionado por sonar como los clásicos del jazz moderno de los años cincuenta y sesenta, en su caso Kenny Burrell, Joe Pass y el eterno Wes Montgomery. Sin embargo en ocasiones sorprende su originalidad como en el tema “East Cost love affair” de este álbum.

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Entre estas visitas al pasado, la realizada en “Mostly Coltrane” por el trío del pianista Steve Kuhn (David Finck contrabajo y Joey Baron a la batería) con el saxo de Joe Lovano, realmente emociona. Es que Coltrane dejó mucho por hacer y aquí lo intentan recuperar con éxito, sin dejar de revisitar los temas más complejos de su etapa final.

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Fly, es el grupo de Mark Turner, al saxo, Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería. Grabado para ECM presenta el típico sonido frío y de calidad que Manfred Eicher imprime a todas las grabaciones. Mark Turner es un buen saxofonista post-bop y creo que también un músico honrado. En ocasiones su música suena en la “tercera vía”, es decir a caballo entre el jazz y la música clásica del siglo XX. Sus influencias son muy serias y ha tocado con los grandes de entre sus mayores. Lo vimos aquí hace un par de años y nos gustó.

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OAM es el trío que ha acompañado en ocasiones a Mark Turner y está formado por el contrabajista Omer Vital, el pianista Aaron Goldberg y el batería Marc Miralta. Cuando los escuché en directo me sorprendió sobre todo Marc Miralta, una enciclopedia de la percusión y la batería, una auténtica maravilla. No he econtrado aún el disco recomendado “Now and Here”.

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En “Emergence” de Roy hargrove, podemos comprobar que Hargrove es un buen trompetista. Ya lo sabíamos. Aquí nos muestra una faceta desconocida liderando una big band. No hay duda de que es un sonido contundente y que satisface las expectativas del oyente. Un buen funk a lo “Cannonball” Adderley, un buen sonido clásico de orquesta a lo Ellington, buena música latina, incluso. Sin embargo se queda en aquel jazz anterior al “Birth of the Cool” del Miles Davis del final de los años cuarenta. Demasiado lejos. En el jazz siempre se han interpretado standards, pero cada vez de una forma diferente. Miles Davis en los años sesenta no hubiera tocado My Fanny Valentine con la ortodoxia con que se hace hoy.

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Seamus Blake en “Bellwether” es otra cosa. Este saxofonista es capaz de crear músicas más originales, menos sujetas a un canon establecido hace muchos años en el jazz y al que todos se quieren agarrar como si fuera la gallina de los huevos de oro, aunque también hay que decir que nos ha gustado más con el magnífico batería catalán Marc Miralta y el bajista israelí Avishai Cohen. De todas formas el grupo en este disco, con el guitarrista noruego Lage Lund, también es sensacional. Un buen disco.

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CONTINUARÁ...

Fripp y Eno.

Al hilo del comentario de AlejanDrone sobre Robert Fripp traemos aquí esta curiosa grabación. Nadie hablaba aún de música “ambient” en 1973, cuando Robert Fripp y Brian Eno sacaron el disco No Pussyfooting, en el que la guitarra de aquél entraba a formar parte de la textura electrónica creada por Eno, colocando las habituales melodías con notas legato de valores largos que creaban una atmósfera tan especial. Melodía que en esta entrada de YouTube solo escuchamos al final y que puede oírse en una segunda parte del tema Swastika Girls.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (I).

Es difícil escribir la Historia de las cosas recientes. Concretamente, en la Historia del Arte y en la de la música es difícil porque hay que señalar qué tiene importancia y qué no y eso, en una actividad que está marcada por las polémicas de los que están a favor y de los que están en contra de cada propuesta artística, es una situación que requiere del valor de un héroe. Además, se han de tomar posturas donde nadie lo ha hecho antes, hay que trabajar sin brújula y sin mapa, sólo guiado por el conocimiento y la intuición. Pues bien, esa es la tarea que ha venido asumiendo Ulrich Dibelius (1924-2008) en “La música contemporánea desde 1945”. Este músico, (violonchelo), escritor y pedagogo musical, estudió Historia, Literatura y Sociología en Heidelberg y Frankfurt con Horkheimer y Adorno. En 1965 empezó a contar la Historia de la nueva música desde el final de la guerra, el periodo de los últimos veinte años. El paso del tiempo le obligó a modificar el texto actualizándolo a los veinte años siguientes en la edición de 1998. Afortunadamente, Akal publicó la traducción de Isabel García Adánez en 2004 y desde entonces es un tratado de referencia para conocer las diversas corrientes musicales que se vienen produciendo en la música culta desde el ya lejano día en que terminó la guerra en Europa.

XXVII Festival Ibérico de Música.

Aviso para todos los melómanos de Extremadura y el Alentejo: los últimos días de mayo vuelve el FESTIVAL IBÉRICO DE MUSICA, (del 19 al 30 de mayo).

En su vigésimo séptima edición, el festival no defraudará porque presenta una oferta importante de músicos con unos programas muy adecuados. Hay que destacar la apuesta decidida del festival por la música del siglo XX y actual. Entre los conciertos previstos la organización destaca los siguientes:

- DOMINGO 23. La banda de metales de la Orquesta Metropolitana de Lisboa, que ofrecerá la Sinfonía para Metales de Eric Ewanzen (n. 1954) y la de Jan Koetsier, (1911-2006); así como la Sinfonía para Metales y Percusión de Alfred Reed (1921-2005) y la de Gunther Schuller (n. 1925).

- MARTES 25. El trío de clarinete, violín y piano, formado por los alemanes Erik Schumann (v.), Ralph Manno (cl.) y el austríaco Gottlieb Wallisch (p.), interpretan obras de Ives, Bartok, Poulenc, Stravinsky y Khatschaturian.

- MIERCOLES 26. Otra Utrera, flamenco contemporáneo, con Rafael de Utrera al cante y los músicos: Antonio Moreno, percusines; Juan Jiménez Alba, saxofones y “Bobote” al baile y compás. Utrera es uno de los focos más activos del flamenco de última generación. En Badajoz ya vimos en su día a Perrate haciendo Seguirillas con batería.

- JUEVES 27. Luis Fernando Pérez interpretará al piano nada menos que la Suite Iberia de Isaac Albeniz. Es uno de los grandes jóvenes pianistas españoles.

- VIERNES 28. La Orquesta de Cámara Oxalys, dará un concierto con obras de Joseph Strauss y Gustav Mahler. Este grupo, relacionado con el Conservatorio de Bruselas, vienen de tocar el día antes en Sevilla y el anterior en Madrid.

Sin embargo no acaban ahí los sucesos interesantes del festival. Desde el día 19 hasta el 30 se pueden disfrutar distintos conciertos en el Salón de Plenos de la Diputación, la Iglesia de San Agustín, Sala Azul del Palacio de Congresos, la Biblioteca de Extremadura en la Alcazaba o el Auditorio del Círculo Pacense, con grupos tan interesantes como el Ensemble Contemporaneus de Évora, a quien pudimos oír en Badajoz, no hace mucho, en una notable interpretación del Cuarteto para el Fin de los Tiempos de Messiaen.

Robert Fripp y Theo Travis

El otro día ha tocado en Madrid Robert Fripp acompañado, (a la flauta y saxo), por Theo Travis, que fue integrante del grupo Soft Machine. Esto ya no tiene remedio, pero, quien esté cerca, puede oirlos hoy en Málaga, el domingo en Alicante y el lunes en Barcelona, en el festival de la guitarra en la Sala Apolo.

Robert Fripp y el que fuera su grupo King Crimson vienen haciendo músicas maravillosas desde finales de los años sesenta. No puedo decir que sea la mejor música que he escuchado, pero tal vez es la música con la que más he disfrutado.

Es una ocasión que no hay que perderse.

Festivales flamencos

Este año hay dos citas flamencas, dos festivales, que parece que están muy bien. De esos que no hay que perderse.

El primero es en Madrid en Junio, exactamente del 4 de Junio al 2 de julio y se celebrará en varios auditorios: Teatros del Canal, La Música de los Espejos (Complejo El Águila), Centro Cultural Pilar Miró, Institut Français, Centro Cultural Paco Rabal y en varios municipios de la Comunidad. Se puede ver la programación AQUÍ.

El segundo es en Sevilla y se trata de la XVI Bienal de Flamenco, el mejor escaparate para contemplar las novedades que presentan las grandes estrellas del flamenco. Será del 15 de septiembre al 9 de agosto.

Se puede descargar la programación en pdf o consultarla AQUÍ.