Lo mejor del jazz actual (II).

Una sorpresa el disco de Enrico Rava "New York Days". A través de él conozco a este trompetista italiano (Trieste 1939), que empezó a ser conocido tocando con el Gato Barbieri y que grabó, a su llegada a N.Y., con Steve Lacy y Lee Konitz. Un músico extraordinario y una maravilla de disco. Con fuerza, con sensibilidad: una música sugestiva. Recomendado.

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Dave Douglas Brass Ecstasy en "Spirit Moves" rescata lo mejor de la tradición de las bandas callejeras de jazz a base de metales. Es tradición pero al tiempo es algo fresco, que suena a nuevo y a dinámico, sólo hay que situarlo en el cuarteto Masada de John Zorn para saber de qué hablamos. Brass Ectasy está formado, además, por Vincent Chancey, trompa; Luis Bonilla, trombón; Marcus Rojas, tuba y Nasheet Waits, batería. Otro grandísimo disco.

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No puedo decir lo mismo de Allen Toussaint. A pesar de ser un músico que ha tocado hasta con Paul McCartney, su música pertenece a una vieja tradición de Nueva Orleans, es un músico de R&B, pero no podemos decir que su música sea creativa. Al menos yo no lo he captado. Sus instrumentistas parecen sacados del túnel del tiempo, tocando el clarinete con un vibrato que a muchos traerá recuerdos de épocas mejores, pero nada más. Agradable de escuchar y fácil de asimilar.
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Joe Lovano es un músico que está en todos los fregados pero al que no había escuchado mucho. Merece la pena hacerlo en este “Folk Art”. Tengo la impresión de que es un músico “mainstream”, que está en la corriente principal de lo que viene gustando en el jazz en los últimos veinte o treinta años. Es un magnífico tenor (y soprano) que siempre merece ser escuchado. Aquí está muy bien, como se puede apreciar en el tema que cierra el disco, Etternro. Soplando sin miedo.

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En la mainstream está también Christian McBride, un magnífico bajista que ha tocado con lo mejor del jazz y del pop, un músico de acompañamiento que ahora liderando su grupo se acompaña de Steve Wilson, saxo soprano y alto; Warren Wolf, Jr. vibráfono, Eric Reed piano y Carl Allen batería.

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No me termina de convencer este Ben Allison. Tal vez sea un buen bajista pero este disco, a mí, no me dice nada. Demasiadas sintonías, ¿no?

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Raynald Colom (Evocación) es un trompetista de Barcelona de origen francés que recientemente se ha trasladado a Nueva York con este disco bajo el brazo en el que mezcla flamenco y jazz. Tiene ecos de intentos anteriores en los que recuerda a Miles Davis, aunque también a Jorge Pardo, pero sobre todo tiene una línea personal. A mí me parece que va por buen camino y espero que le resulte bien.

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El trío formado por Colina, Miralta y Sambeat son de lo mejor que hay en España. Me parece muy bien que estén incluidos en esta lista.

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Del portugués Julio Resende no he encontrado aún ningún disco pero seguiré buscando y si no lo pediré a Portugal. Lo que he visto en YouTube me ha parecido sensacional.

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Tampoco he encontrada nada de los gallegos Paco Charlín y Monkillos.

Fly

Lo mejor del jazz actual (I).

Nuestro compañero (en blogspot) emiles (seguramente Emilio), ofrece en su blog un resumen de lo que él considera lo mejor del jazz durante el pasado año. Como me parece que eso supone enfrentarse con valor a una difícil tarea traemos aquí la lista que ha elaborado.

- Kurt Rosenwinkel Standards Trio "Reflections"

- Steve Kuhn Trio With Joe Lovano "Mostly Coltrane"

- Dave Douglas Brass Ecstasy "Spirit Moves"

- Enrico Rava "New York Days"

- Fly "Sky & Country"

- Allen Touissant "Bright Mississipi"

- Joe Lovano Us Five "Folk Art"

- Christian McBride Inside Straight "Kind of Brown"

- OAM Trio + Mark Turner "Now & Here"

- Roy Hargrove Big Band "Emergence"

- Seamus Blake Quartet "Live in Italy"

- Ben Allison "Think Free"

- Raynald Colom "Evocación"

- CMS Trio "Andando"

- Paco Charlín "Organic Motion Philosophy"

- Paco Charlín "The Game"

- Julio Resende "Assim Falava Jazzatustra"

- Seamus Blake "Bellwether"

- Monkillos "In Monk We Trust"

Personalmente tengo que reconocer que, a día de hoy, no sé de qué va el jazz y no puedo decir quien anda por ahí haciendo cosas, tan sólo podría hablar de los que conozco. Parece ser que a nuestro colega le pasa algo parecido pues presenta varios músicos que coinciden con los que he oído por ahí, son algunos de los que han tocado por España últimamente, otros son españoles y otros son incluso de la tierra de nuestro bloguero que me suena como galaico.

Bueno, la lista de nuestro amigo es un punto de partida para interesarnos en algunos músicos que no conocemos y en el trabajo elaborado durante el 2009 por los conocidos.

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Kurt Rosenwinkel en este disco (Reflections) es un guitarrista de estilo conservador, como muchos de los músicos de su generación, obsesionado por sonar como los clásicos del jazz moderno de los años cincuenta y sesenta, en su caso Kenny Burrell, Joe Pass y el eterno Wes Montgomery. Sin embargo en ocasiones sorprende su originalidad como en el tema “East Cost love affair” de este álbum.

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Entre estas visitas al pasado, la realizada en “Mostly Coltrane” por el trío del pianista Steve Kuhn (David Finck contrabajo y Joey Baron a la batería) con el saxo de Joe Lovano, realmente emociona. Es que Coltrane dejó mucho por hacer y aquí lo intentan recuperar con éxito, sin dejar de revisitar los temas más complejos de su etapa final.

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Fly, es el grupo de Mark Turner, al saxo, Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería. Grabado para ECM presenta el típico sonido frío y de calidad que Manfred Eicher imprime a todas las grabaciones. Mark Turner es un buen saxofonista post-bop y creo que también un músico honrado. En ocasiones su música suena en la “tercera vía”, es decir a caballo entre el jazz y la música clásica del siglo XX. Sus influencias son muy serias y ha tocado con los grandes de entre sus mayores. Lo vimos aquí hace un par de años y nos gustó.

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OAM es el trío que ha acompañado en ocasiones a Mark Turner y está formado por el contrabajista Omer Vital, el pianista Aaron Goldberg y el batería Marc Miralta. Cuando los escuché en directo me sorprendió sobre todo Marc Miralta, una enciclopedia de la percusión y la batería, una auténtica maravilla. No he econtrado aún el disco recomendado “Now and Here”.

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En “Emergence” de Roy hargrove, podemos comprobar que Hargrove es un buen trompetista. Ya lo sabíamos. Aquí nos muestra una faceta desconocida liderando una big band. No hay duda de que es un sonido contundente y que satisface las expectativas del oyente. Un buen funk a lo “Cannonball” Adderley, un buen sonido clásico de orquesta a lo Ellington, buena música latina, incluso. Sin embargo se queda en aquel jazz anterior al “Birth of the Cool” del Miles Davis del final de los años cuarenta. Demasiado lejos. En el jazz siempre se han interpretado standards, pero cada vez de una forma diferente. Miles Davis en los años sesenta no hubiera tocado My Fanny Valentine con la ortodoxia con que se hace hoy.

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Seamus Blake en “Bellwether” es otra cosa. Este saxofonista es capaz de crear músicas más originales, menos sujetas a un canon establecido hace muchos años en el jazz y al que todos se quieren agarrar como si fuera la gallina de los huevos de oro, aunque también hay que decir que nos ha gustado más con el magnífico batería catalán Marc Miralta y el bajista israelí Avishai Cohen. De todas formas el grupo en este disco, con el guitarrista noruego Lage Lund, también es sensacional. Un buen disco.

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CONTINUARÁ...

Fripp y Eno.

Al hilo del comentario de AlejanDrone sobre Robert Fripp traemos aquí esta curiosa grabación. Nadie hablaba aún de música “ambient” en 1973, cuando Robert Fripp y Brian Eno sacaron el disco No Pussyfooting, en el que la guitarra de aquél entraba a formar parte de la textura electrónica creada por Eno, colocando las habituales melodías con notas legato de valores largos que creaban una atmósfera tan especial. Melodía que en esta entrada de YouTube solo escuchamos al final y que puede oírse en una segunda parte del tema Swastika Girls.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (I).

Es difícil escribir la Historia de las cosas recientes. Concretamente, en la Historia del Arte y en la de la música es difícil porque hay que señalar qué tiene importancia y qué no y eso, en una actividad que está marcada por las polémicas de los que están a favor y de los que están en contra de cada propuesta artística, es una situación que requiere del valor de un héroe. Además, se han de tomar posturas donde nadie lo ha hecho antes, hay que trabajar sin brújula y sin mapa, sólo guiado por el conocimiento y la intuición. Pues bien, esa es la tarea que ha venido asumiendo Ulrich Dibelius (1924-2008) en “La música contemporánea desde 1945”. Este músico, (violonchelo), escritor y pedagogo musical, estudió Historia, Literatura y Sociología en Heidelberg y Frankfurt con Horkheimer y Adorno. En 1965 empezó a contar la Historia de la nueva música desde el final de la guerra, el periodo de los últimos veinte años. El paso del tiempo le obligó a modificar el texto actualizándolo a los veinte años siguientes en la edición de 1998. Afortunadamente, Akal publicó la traducción de Isabel García Adánez en 2004 y desde entonces es un tratado de referencia para conocer las diversas corrientes musicales que se vienen produciendo en la música culta desde el ya lejano día en que terminó la guerra en Europa.

XXVII Festival Ibérico de Música.

Aviso para todos los melómanos de Extremadura y el Alentejo: los últimos días de mayo vuelve el FESTIVAL IBÉRICO DE MUSICA, (del 19 al 30 de mayo).

En su vigésimo séptima edición, el festival no defraudará porque presenta una oferta importante de músicos con unos programas muy adecuados. Hay que destacar la apuesta decidida del festival por la música del siglo XX y actual. Entre los conciertos previstos la organización destaca los siguientes:

- DOMINGO 23. La banda de metales de la Orquesta Metropolitana de Lisboa, que ofrecerá la Sinfonía para Metales de Eric Ewanzen (n. 1954) y la de Jan Koetsier, (1911-2006); así como la Sinfonía para Metales y Percusión de Alfred Reed (1921-2005) y la de Gunther Schuller (n. 1925).

- MARTES 25. El trío de clarinete, violín y piano, formado por los alemanes Erik Schumann (v.), Ralph Manno (cl.) y el austríaco Gottlieb Wallisch (p.), interpretan obras de Ives, Bartok, Poulenc, Stravinsky y Khatschaturian.

- MIERCOLES 26. Otra Utrera, flamenco contemporáneo, con Rafael de Utrera al cante y los músicos: Antonio Moreno, percusines; Juan Jiménez Alba, saxofones y “Bobote” al baile y compás. Utrera es uno de los focos más activos del flamenco de última generación. En Badajoz ya vimos en su día a Perrate haciendo Seguirillas con batería.

- JUEVES 27. Luis Fernando Pérez interpretará al piano nada menos que la Suite Iberia de Isaac Albeniz. Es uno de los grandes jóvenes pianistas españoles.

- VIERNES 28. La Orquesta de Cámara Oxalys, dará un concierto con obras de Joseph Strauss y Gustav Mahler. Este grupo, relacionado con el Conservatorio de Bruselas, vienen de tocar el día antes en Sevilla y el anterior en Madrid.

Sin embargo no acaban ahí los sucesos interesantes del festival. Desde el día 19 hasta el 30 se pueden disfrutar distintos conciertos en el Salón de Plenos de la Diputación, la Iglesia de San Agustín, Sala Azul del Palacio de Congresos, la Biblioteca de Extremadura en la Alcazaba o el Auditorio del Círculo Pacense, con grupos tan interesantes como el Ensemble Contemporaneus de Évora, a quien pudimos oír en Badajoz, no hace mucho, en una notable interpretación del Cuarteto para el Fin de los Tiempos de Messiaen.

Robert Fripp y Theo Travis

El otro día ha tocado en Madrid Robert Fripp acompañado, (a la flauta y saxo), por Theo Travis, que fue integrante del grupo Soft Machine. Esto ya no tiene remedio, pero, quien esté cerca, puede oirlos hoy en Málaga, el domingo en Alicante y el lunes en Barcelona, en el festival de la guitarra en la Sala Apolo.

Robert Fripp y el que fuera su grupo King Crimson vienen haciendo músicas maravillosas desde finales de los años sesenta. No puedo decir que sea la mejor música que he escuchado, pero tal vez es la música con la que más he disfrutado.

Es una ocasión que no hay que perderse.

Festivales flamencos

Este año hay dos citas flamencas, dos festivales, que parece que están muy bien. De esos que no hay que perderse.

El primero es en Madrid en Junio, exactamente del 4 de Junio al 2 de julio y se celebrará en varios auditorios: Teatros del Canal, La Música de los Espejos (Complejo El Águila), Centro Cultural Pilar Miró, Institut Français, Centro Cultural Paco Rabal y en varios municipios de la Comunidad. Se puede ver la programación AQUÍ.

El segundo es en Sevilla y se trata de la XVI Bienal de Flamenco, el mejor escaparate para contemplar las novedades que presentan las grandes estrellas del flamenco. Será del 15 de septiembre al 9 de agosto.

Se puede descargar la programación en pdf o consultarla AQUÍ.

Biblioteca: Albeniz, edición conmemorativa, Ministerio de Cultura

El Ministerio de Cultura ha venido defendiendo las tesis de la SGAE sobre la piratería cultural y demás delitos contra los derechos de autor y está en su derecho. Pero el Ministerio no dice nada sobre el hecho de que un CD de música cueste 20 euros y nadie pueda hacer nada por abaratar los costes. Todo el mundo sabe que eso es un robo. Ni los derechos de los artistas, ni el soporte CD ni los proceso de fabricación y distribución llegan a unos costes ni siquiera próximos a esa cifra. Eso es un robo. Y si no, véase la propia edición que acaba de sacar el Ministerio para la conmemoración del centenario de Albeniz. Se trata de una edición que ofrece por 22 €:

- 1. DVD: Isaac Albéniz, el color de la música (52 minutos) dirigido por José Luis López-Linares.

- 2. DVD: Iberia (2005) de Carlos Saura junto con Apuntes para una película, el facsímil del guión del filme ilustrado con dibujos del cineasta.

- 3. Albéniz, soñar España. Una biografía del fundador de la música española moderna escrita por Andrés Ruiz Tarazona.

- 4. Impresiones y diarios de viaje, de Isaac Albéniz.

Solamente el DVD de Saura cuesta 25 euros. Lo que quiere decir que las cuentas no salen. Si el ministerio puede hacerlo también podrá la industria.  
¿No debería de intervenir también el Ministerio para defender a los consumidores y no sólo a la industria cultural?

Etnografía de las sociedades modernas.

La antropología nació como una ciencia dedicada al estudio de las civilizaciones menores, de las culturas atrasadas, antiguas y de los países del tercer mundo, en un entorno de colonialismo europeo. La paradoja es que, superadas estas condiciones, la etnografía, (que es la ciencia que realiza el trabajod e campo para los antropólogos), se ha girado y al darse la vuelta ha empezado a mirar la propia cultura a la que pertenece y, bajo una óptica post-moderna, se ha decidido a mirar a la cultura occidental como una más, observándola de la forma más objetiva posible sin juicios previos. ¿Cómo vería alguien de una cultura diferente a la nuestra cualquier acontecimiento, por ejemplo un concierto musical con una orquesta sinfónica? Este comentario ya lo hizo un etnomusicólogo inglés que acudió a un concierto acompañado de un músico hindú, pero en su caso se centró más en los aspectos musicales. Imaginemos como vería nuestros conciertos una persona ajena a nuestras costumbres, teniendo en cuenta que, por ejemplo, en muchas culturas la música no existe como actividad profesional y es practicada por toda la comunidad o que no tienen sentido del espectáculo con carácter exclusivamente lúdico sino solamente como ceremonial:

“En el edificio hay dos espacios. En el espacio mayor se sienta una gran cantidad de personas. En el otro espacio un grupo notablemente menor. El grupo mayoritario va entrando por una puerta, al fondo de la sala, enseñando una acreditación a unas señoritas altas y muy bien arregladas. Esto lo hacen para demostrar que han pagado para entrar porque esta gente debe ser muy desconfiada, por lo que se observa. Una vez llena la sala apagan las luces y la gente, que había llenado el espacio mayor, se calla al instante. Al poco empiezan a aparecer los que ocupan el otro espacio, el espacio menor de la sala. Mientras que el primero tiene una cierta pendiente, el segundo es un espacio horizontal. Según empiezan a entrar éstos, los otros aplauden. En el espacio menor la gente entra sin enseñar acreditación alguna porque en este espacio no se paga, incluso me han dicho que reciben dinero por estar ahí y hacer música. Una vez que se han sentado todos entra otra persona y la gente que llena el espacio mayor vuelve a aplaudir de nuevo. Esta persona dirige su instrumento hacia el resto y lo hace sonar. Al momento se produce una especie de ruido infernal controlado cuando todos sus compañeros hacen sonar sus instrumentos. Afortunadamente al poco se callan. De repente no pasa nada y todo el mundo está quieto hasta que aparece en la sala otra persona y se reanudan los aplausos. Llegados a este punto podemos decir que ha trascurrido un buen rato sin que haya pasado nada interesante, esta gente se debe de aburrir mucho con estas ceremonias.”

Biblioteca: La música arábigo-andaluza (Christian Poché).

El libro de Poché, editado por Akal, sobre la música andalusí, (que el autor denomina arábigo-andaluza), es más una introducción que una monografía sobre el tema, sin embargo hay que destacar que se trata de uno de los estudios más serios e informados que se han hecho sobre este tipo de música. Por fin se pretende cerrar la mitología para entrar en el terreno de la musicología y empezar así a estudiar esta música que, teniendo sus orígenes en la España musulmana, se desarrolla hoy día en el Magreb, adoptando distintas formas según las ciudades de Marruecos, Túnez y Argelia, e incluso de Libia en que aún se interpreta.

 Poché desmonta el mito de Ziryab, tan extendido, que pretende que este autor del siglo IX es el único creador de la música andalusí, llegándose a decir, (Félix Grande, Memoria del flamenco), que el músico de Bagdad fue el fundador del arte flamenco. Por el contrario, destaca Poché la obra del filósofo, poeta y músico zaragozano Avempace (Ibn Bayyah), que según algunos estudiosos, (Emilio García Gómez), fue el primer poeta y cantor en utilizar el zéjel y que habría tenido una gran influencia, como músico y como teórico, en el desarrollo de la música andalusí en el Medioevo peninsular.

El texto hace además una breve descripción de la nuba, de las estructuras musicales empleadas y de los instrumentos con que se tocan.

Alcantara

Haydn

Podrá parecerle al sufrido lector de este blog que aquí no hacemos más que escuchar música de John Cage por lo que venimos comentando estos días. Nada más lejos de la realidad. La verdad es que desde finales de enero estamos dedicando nuestro tiempo de escucha a los cuartetos de cuerda de Haydn, albor del clasicismo musical, desde que leímos la monografía que aquí recomendamos de Miguel Ángel Marín sobre ese tema.

Para la escucha de los cuartetos hemos conseguido una versión integral de los mismos a cargo de The Angeles String Quartet.

También nos hemos hecho de las partituras de casi todos ellos que se pueden conseguir en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP según sus siglas en inglés)

Con todo ello estamos haciendo una esucha realmente interesante de este corpus tan importante en el desarrollo del que fuera el periodo clásico por excelencia de la música europea.

Biblioteca: Entrevista a John Cage

En 1973 se publicó en Cuadernos Anagrama esta entrevista a John Cage realizada por Richard Kostelanetz en 1966 en la que el músico defendía sus tesis de aquel momento.

Parece ser que se ha reeditado por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca en "Ediciones Radio Fontana Mix, Cuenca" en el año 1994. No obstante el libro es dífícil de encontrar. Hay un libro titulado "Escritos al oído", curiosamente editado por el Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Murcia.

Biblioteca: Silencio, de John Cage

La traducción del libro de John Cage, Silence, es una de esas buenas noticias de las que tan necesitada está la musicología en español. Es un libro fundamental para conocer la figura del experimentalista, (como a él le gustaba llamarse). La clave de sus propuestas reside en una clara voluntad anti-romántica, por eso sus maestros son Saite y Varèse. Pero no se queda ahí, en el libro Cage acusa a sus maestros, especialmente al segundo, de no haberse liberado totalmente del subjetivismo, de la transmisión de emociones, de la sicología particular del compositor reflejada en su obra, por eso, el americano propone una música objetiva que se base en la escucha del sonido no en su creación. La solución la encuentra en la aleatoriedad, pero no en un coqueteo superficial como hacen los europeos, (Boulez o Stockhausen), sino en una aleatoriedad total que hace desaparecer al compositor de la obra. El compositor es el músico que crea las condiciones para conseguir que el sonido salga por sí mismo, sin intervención humana. John Cage utiliza para ello el I Ching, que establece todos los parámetros de la música. Podríamos decir que el trabajo del compositor se reduce a tirar los dados. De la misma manera que los europeos tienen en la serie el generador de todos los parámetros musicales, los americanos utilizan la aleatoriedad.

Por otra parte el libro está bien traducido y editado. El uso de tipografías especiales y el propio carácter de escritura experimental que en ocasiones adopta el autor está bien tratado en la traducción que ha hecho Ediciones Ardora.

El libro está hecho a base de artículos y conferencias del músico por lo que su lectura puede dilatarse o alternarse con otros escritos, contiene además una buena información sobre bibliografía, discografía, etc.

Algunas claves sobre la obra de John Cage

El experimentalismo de John Cage tiene unas bases firmes, (con las que podremos estar de acuerdo o no), pero, en todo caso, no es nunca un ejercicio histriónico.

Entenderlo supone conocer los temas que interesaban al compositor y cómo estaba articulado su pensamiento.

- Hay que tener en cuenta la influencia del budismo zen para comprender mucha de la obra de la vanguardia americana, tanto de los experimentalistas como de los minimalistas. Al menos habría que conocer la literatura de los divulgadores del Zen en EE. UU., como Alan Watts (El camino del Zen) y D.T. Suzuki, (Ensayos sobre Budismo Zen), trabajos a los que se refiere el compositor en sus escritos.

La meditación supone una escucha atenta y abierta. Cuando John Cage escribe en 1952 su famosa obra 4’33’’, una partitura para piano de 4 minutos y 33 segundos, (como su título nos indica), de absoluto silencio, acaba de experimentar una cámara de silencio en Harvard en la que ha descubierto que el silencio absoluto no existe, que en última instancia se oye el sonido agudo de nuestro sistema nervioso y el sonido grave de nuestro corazón latiendo. Nuestra vida está, pues, llena de sonidos. Lo que esa obra exige del oyente es que escuche los sonidos que le rodean durante ese tiempo en que el pianista permanece sin tocar.

- El pensamiento político de John Cage está encuadrado en el anarquismo americano que tiene su antecedente en Henry David Thoreau, (Walden o la vida en los bosques, y La desobediencia civil) y que tiene su referente próximo en Norman O. Brown (El cuerpo del amor). También tuvo una gran influencia en su pensamiento el estudio sobre los medios que se deriva de la obra de Marshall McLuhan (La Galaxia Gutenberg). Para Cage no existe ya el papel subjetivo del autor como detentador de un poder sobre el oyente estableciendo lo que hay que oír. Por el contrario el receptor tiene que adoptar una postura activa, la recepción es parte de la creación, porque renuncia al papel, en cierto modo, autoritario del artista.

- Su interrelación con el ballet fue constante a lo largo de su vida. Desde su divorcio en 1945 mantuvo una relación, (profesional y afectiva), con el bailarín Merce Cunningham hasta su muerte. Pero ya anteriormente había trabajado con coreógrafos y el intercambio de ideas había sido constante.

- En música, tuvo como primer maestro a Arnold Schoenberg de quien admiraba su esfuerzo por establecer las bases en las que fundar la nueva música. Posteriormente tuvo un intercambio frecuente de ideas con Pierre Boulez, con quien se carteó durante mucho tiempo, y participó en los encuentros de Darmstadt, aunque terminaría denunciando el eurocentrismo musical y buscando sus raíces en Eric Satie y Edgar Varèse. Finalmente creó una escuela experimentalista americana en la Escuela de Compositores de Nueva York en la que estaban Morton Feldman, Christian Wolff, Earle Brown, David Tudor, (pianista y compositor), Merce Cunningham (coreógrafo), etc.

“Utilicé ruidos. Estos no habían sido intelectualizados; el oído podía escucharlos directamente y no tenía que recurrir a ninguna abstracción. Descubrí que me gustaban los ruidos incluso más de lo que me gustaban los intervalos” (Cage 1933:32).

- Una de las obsesiones particulares de John Cage era el libro Finnegans Wake de James Joyce, un libro desde luego obsesivo. El era un hombre que gustaba de proponerse retos y que buscaba siempre más allá de las cosas evidentes. Entra en el grupo Fluxus tras conocer a Yoko Ono y se convierte en el impulsor del grupo en EE.UU. El trabajo de Cage se centra en los happenings y se manifiesta en sus actuaciones interdisciplinares en distintas artes que incluyen la plástica, la literatura, ópera, etc. Como compositor Cage abandona el sentido romántico que propone el sentimiento como base del arte y la comunicación como obligación del artista.

“Esta constumbre de preguntar por qué es lo mismo que lo de preguntar qué es lo mejor o lo más importante. Son preguntas estrechamente relacionadas que le permiten a uno desconectarse de su propia experiencia, en vez de identificarse con ella”.

Te recuerdo Chile.

Naturalmente que nos acordamos de Chile. En estos días se han escuchado algunos comentarios insidiosos sobre el comportamiento de los chilenos, los asaltos a los supermercados y demás. Es siempre lo mismo. Una minoría de desaprensivos insolidarios aprovecha las circunstancias en su beneficio y la prensa lo destaca por encima de otras noticias más importantes que nos hablan del dolor de un pueblo.

Para el que no lo sepa, Chile es un país que siempre tuvo un gran sentido cívico, no es un país atrasado ni nada parecido, es quizás la democracia más asentada en el continente, a pesar de que en los años setenta los experimentos primerizos de los neoconservadores americanos propiciaron el triunfo del criminal Pinochet. Pero eso está ya superado.

Aquí queremos reivindicar el buen nombre de Chile y recordar a los chilenos que lo están pasando mal y lo hacemos con el poeta de nuestros años juveniles, con Víctor Jara, el cantautor que fue torturado y asesinado con 44 disparos en el Estadio de Chile (hoy Estadio Victor Jara) de Santiago.

La canción “Te recuerdo Amanda” ha sido versionada en numerosas ocasiones por muchos cantantes, como Joan Baez, Silvio Rodriguez, Raimón en catalán, José Mercé en flamenco y muchos otros.

Bricolage musical.

El piano preparado de John Cage tiene su origen en un asunto eminentemente práctico. Como sabemos, el compositor estuvo dedicado a lo largo de su carrera, entre otras, a hacer música para ballets. En los años cuarenta se le plantea el problema de representar ballets en espacios muy reducidos, en salas para música de cámara, donde no caben los instrumentistas necesarios para hacer la música de percusión que entonces le interesaba. Para solucionar este problema se le ocurrió que podía interpretar las partituras con pianos preparados en los que impedía la completa vibración de las cuerdas mediante la colocación de tornillos, pasadores y otros accesorios, en los que obtenía el sonido percurtido que buscaba con un solo instrumento que él mismo podía interpretar. No olvidemos que el padre de John Cage se había ganado la vida como inventor, de modo que el hijo siguió sus pasos ahora en el campo de la organología, y que el piano es fundamentalmente un instrumento de percusión, antes que un instrumento de cuerda. El piano preparado de John Cage es otro instrumento, uno distinto de un piano. Su sonoridad, a medio camino entre la percusión y las notas formadas por armónicos, tiene un carácter muy particular que consigue una música sencilla y, al tiempo, que despierta nuestra curiosidad y nos induce a la escucha.
Estas partituras indican con detalle la manera en que hay que preparar el piano, dónde hay que poner un tornillo, dónde hay que hacer un puente entre las cuerdas y demás.

En el primero de los videos de YouTube que ofrecemos aquí, vemos a Tim Ovens preparando el piano para interpretar una pieza de John Cage. En el segundo, Bobby Mitchel ofrece una interpretación de la Sonata V. Existen varios videos sobre música de piano preparado a los que se puede acceder desde éstos.

Biblioteca: John Cage por David Nicholls.

La editorial Taurus junto con Alianza son de las pocas grandes que, de vez en cuando, publican algún libro interesante de música.

El libro que David Nicholls ha escrito sobre el compositor de vanguardia norteamericano John Cage es una buena muestra de ello. El autor pretende acabar con las muchas mitificaciones (y mistificaciones) que ha sufrido el personaje de John Cage. En su día publicamos un video en el que aparecía el compositor en un programa de éxito de la televisión americana haciendo un “happening” musical. Recomendamos ese video porque, pienso, que nos da muchas de las claves de su personalidad. John Cage era un hombre de una inocencia radical. Cualquier cualidad humana llevada a su extremo produce en las personas que las detentan un halo especial. La inocencia radical de John Cage no es fruto de la inexperiencia, de una falta de observación de la realidad, de una inteligencia corta o poco observadora. Radica, precisamente, en todo lo contrario. De modo que no es difícil encontrar las claves del artista: el anarquismo, el budismo zen, (tan extendido entre la vanguardia americana especialmente en la costa oeste), y el afán experimental, son algunas de las más importantes.

El libro hace un repaso por la obra del compositor y por los acontecimientos de su vida que pudieron marcarle artísticamente.

John Cage es un músico fundamental para conocer la vanguardia transatlántica y este libro ayuda mucho en esa tarea.