Biblioteca: Félix de Azúa, autobiografía sin vida.

 Se puede escribir un texto de casi doscientas páginas de prosa poética de la mejor y no ser capaz de ponerle un título al asunto. Así es el libro de Félix de Azúa: Autobiografía sin vida. Un título feo, poco descriptivo, inadecuado para lo que trata el libro. Él sabrá.

Personalmente conocí a Félix de Azúa en el blog de El boomeran(g), donde coloca los artículos que escribe en prensa para varios periódicos. Es doctor en Filosofía, poeta (uno de los nueve novísimos de Castellet junto con Gimferrer, Panero, Molina Foix), melómano, como este último, catedrático, periodista y narrador. Es uno de los impulsores, junto con Boadella, de Ciutadans de Catalunya, una plataforma cívica antiseparatista.

Me gustó porque iba a su aíre. Azúa, profesor de estética en la facultad de Arquitectura de Barcelona, escribió un famoso artículo sobre la música de Schoenberg y su recepción, (o no recepción, mejor dicho), que debatimos mucho cuando estudiaba musicología (a cierta distancia). Este artículo hay que imprimirlo y ponerlo en la cabecera de la cama para leerlo todos los días la levantarse. A partir de entonces empecé a leer sus artículos en el Boomeran(g).

Compré el libro pensando que se trataba de un ensayo sobre algún tema relativo a la historia del arte, y algo de eso tiene el libro, pero en realidad no sabría definirlo. Habla de lo que a él le ha gustado en lo referente a la plástica, los símbolos, los mensajes transmitidos por el arte. En ese sentido es en el único en el que podemos hablar de una autobiografía. Habla de la muerte del arte, del vacío. Pero lo hace utilizando un lenguaje poético. Sin embargo escribe en una prosa muy precisa. Así que no sé si es una narración, un ensayo, una obra lírica o qué.

Al final, establecida la muerte del arte y certificada su defunción, Azúa dice con Blas de Otero que lo que nos queda es la palabra. No la palabra analítica del experto, del teórico, sino la palabra viva que sale de la boca con un placer físico y que revienta en la mente al escucharla:

Si he perdido la vida, el tiempo, todo

lo que tiré, como un anillo, al agua,

si he perdido la voz en la maleza,

me queda la palabra.

(En el principio, Blas de Otero).

Poema Función Superestructural de Félix de Azúa
Literatura es la forma de historia
como si hacer poesía fuera la leyenda de una sola palabra
monasterios helados la tinta fue sacada con pólvora
desde el puente de mando o ante las ruinas
nadando para cruzar el río o unidos a naciones extrañas
meditativos -la aristocracia es la esencia de la literatura-
al borde del río y del sepulcro.
Una forma de historia muy sutil
no por eso menos unida a la guerra y los dioses
enamorada de lo imperecedero -soberbia, sí-
( oh Señor Dios de los ejércitos )
fragantes y coquetas cuando los nobles cortesanos
unían ambos polos largas colas y puños esmaltados
buenos tiempos para volver a Anfriso y Galatea.
La gran forma de historia Tod ist Freude madre
atlantes rubios antropófagos.
Al disfraz de método y sistema
medio ciegos mezclados hacia dentro hacia fuera
descubiertos en sucios barrios conocidos cuartos
detenidos junto a bacantes y corruptos senadores
subidos en el veloz camión hacia la cárcel
tan arrepentidos como inocentes. Literatura es la historia
letra de historia donde la lupa puede ver los sistemas
en frases que se muerden la cola
rastrear entre palabras victoriosos términos
capítulo final antes de abrir epílogos de la materia.

Meredith Monk

Meredith Monk es un ejemplo de dedicación interdisciplinar al arte en general: compositora, intérprete, directora, vocalista, directora de películas y coreógrafa. Ha estado relacionada con los entornos de la música contemporánea y otros, como el minimalista, siendo fichada para ECM por Manfred Eicher en 1981. También ha hecho música para películas de los hermanos Coen o de Godard. Está en todos “los fregados” y siempre experimentando con el sonido de la voz y sus posibilidades expresivas.

Personajes.

El personaje de Conlon Nancarrow es tan extravagante que parece inventado. Os prometo que es real, lo podéis ver en la Wikipedia. No obstante, para saber sobre su vida es mejor consultarlo en inglés, porque trae más información.


Además, tengo que reconocer que a veces me invento alguna cosa pero siempre es en el blog de “todas las cosas”. En éste de “todas las músicas” procuro poner sólo verdades como puños.

Conlon Nancarrow

Últimamente publico poco en este blog. No es porque tenga dejada la música, al contrario, lo que pasa es que llevo una temporada enfrascado en la lectura de la monografía de Ulrich Dibelius sobre “La música contemporánea a partir de 1945”. Lectura que voy alternando con la documentación y escucha de autores que no había oído o de los que había oído poco.

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En esta tarea de cuando en cuando se encuentra uno con compositores curiosos como CONLON NANCARROW. El caso de este compositor de Texarkana (Arkansas) es doblemente interesante, en primer lugar por su biografía y en segundo lugar por las consecuencias que ésta tuvo en su vida.

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Músico de jazz en sus inicios, decidió estudiar música en Cincinnati primero y en Boston después, donde fue alumno de maestros como Walter Piston, famoso en estos lares por su tratado sobre armonía, (edit. Labor). En Boston conoció a Arnold Schoenberg, que venía huyendo de los nazis y buscaba refugio en el Nuevo Mundo. Por aquel entonces Conlon Nancarrow se afilió al partido comunista. Eran tiempos en los que había que tomar partido por un bando o por el otro, (a menudo de forma radical), y muchos famosos músicos americanos lo hicieron por las ideas de izquierda, incluso asumiendo la ideología marxista. Nancarrow, como muchos otros, había visto en las carnes de Schoenberg y otros músicos europeos las consecuencias que podía traer el triunfo del fascismo en toda Europa y cuando conoció el golpe de estado de los militares contra la República Española decidió embarcarse y venir con la Brigada Lincoln a incorporarse a las Brigadas Internacionales que luchaban para detener el avance inminente del fascismo y a defender nuestra República. Estos brigadistas no hicieron más que poner freno al fascismo anticipándose a lo que al final tendría que hacer su país: unirse a los aliados para acabar con las agresiones del Eje. Sin embargo, en 1939 cuando volvió a EE.UU. después de abandonar España, vio como los “brigadistas” eran molestados por su Gobierno que les negaba el pasaporte y les sometía a continuos interrogatorios por su alistamiento con los comunistas. Debido a esta presión, decidió finalmente exiliarse en México. En el año 1981, con motivo de la vuelta a su país para el Festival Americano de la Nueva Música en San Francisco, solicita información sobre las condiciones para su regreso, ya que la ciudad de México, donde vive, soporta una contaminación elevadísima que le perjudica su enfisema pulmonar. Su gobierno le contesta diciendo que tiene que firmar una declaración en la que reconozca que su actuación se debió a que era joven e insensato, (young and foolish). Como quiera que se negara a firmar tal declaración, acabó sus días en Las Águilas (México D.F.), muriendo en 1997 a la edad de 84 años.

En México vivió bastante aislado del mundo musical con apenas unos pocos amigos músicos y sin contacto con la infraestructura necesaria para poder estrenar sus obras y encontrar músicos capaces de interpretarla.

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Hasta aquí su biografía, ahora veamos como influyeron todos estos acontecimientos en su música. Debido al aislamiento que encontró en México y a la falta de músicos y organizaciones capaces de estrenar sus composiciones, Nancarrow se vio en la imposibilidad de que su obra fuera escuchada. En el libro de Henry Cowell “New Musical Resources”, encontró la solución a su problema. Sugería Cowell la utilización de medios automáticos de la época, como la pianola o piano mecánico, capaces de reproducir ritmos complicados de difícil ejecución por la mano humana. Se compró un piano reproductor mecánico (piano roll), con el que realizó sus primeras obras que tenían mucho de los motivos del jazz primitivo de Art Tatum complicado con sofisticados esquemas métricos. Conoció también los pianos preparados de John Cage e hizo algún intento de hacer música con ellos, si bien se vio frenado por problemas prácticos a la hora de preparar los pianos.

En cualquier caso, su música para pianola le llevó a componer complicados cánones en los que la relación del tempo entre las partes podía ser del tipo de e:pi, en lugar de los habituales 2:1 o similares. También podía hacer sonar con este sistema rapidísimas series de semifusas a velocidades imposibles de ejecutar por la mano del hombre. Para Gyorgy Ligeti su música era: el mayor descubrimiento habido desde Webern y Ives… algo grande e importante para toda la Historia de la música. Su música es tan extrañamente original, tan lúdica, perfectamente construida, pero al mismo tiempo tan emocional… para mí es el mejor de los compositores vivos”.

Este es un documento que ofrece una presentación de Nancarrow por el músico mexicano Julio Estrada y una de sus piezas para pianola.

Estrella.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (II).

En su monografía sobre “la música contemporánea a partir de 1945”, Ulrich Dibelius, parte de la situación existente en Alemania y el mundo el día de la liberación, es decir, al finalizar la cruenta II Guerra Mundial, para señalar a continuación los orígenes culturales que se habían dado durante la primera mitad del Siglo XX y, después de desgranar los maestros y mediadores entre la generación anterior a la guerra y los primeros años de la posguerra y la joven generación que entonces surge, principalmente en Europa, hace mención a los centros en los que se desarrolló la nueva música en el periodo comprendido entre 1945 y 1965 y destaca entre éstos:

- Los cursos internacionales de verano de Darmstadt

- Las jornadas musicales de Donaueschingen.

- La Sociedad Internacional de Música Contemporánea.

- Los estudios de música electrónica de Colonia y Munich.

- Los conciertos del “Domaine Musical” de París.

- El conjunto instrumental “Die Reihe” de Viena.

- El estudio experimental Gravesano, cerca de Lugano, donde Hermann Scherchen instaló tres talleres electrónicos en su propia casa y propició encuentros de nueva música.

Con cierta pretensión exhaustiva y una clara estructura en su discurso, tras relacionar los distintos grupos de nueva música que se formaron en los países de Europa y en el resto del mundo, pasa a establecer los términos utilizados en la definición de esta música que más éxito tuvieron en su momento. La propia enumeración de estos términos nos da una idea aproximada de los problemas que inquietaban a los compositores del periodo.

Estos términos, que va desarrollando uno a uno son los siguientes:

- Acontecimiento sonoro, (Klangereignis)

- Aleatoriedad.

- Atonalidad.

- Cluster.

- Composición fonética, (Spachtkomposition).

- Espectro.

- Estadístico.

- Estructura.

- Formante.

- Melodía de timbres, (Klangfarbenmelodie).

- Música serial.

- Notación

- Notación gráfica.

- Nueva Música.

- El ordenador.

- Organización temporal.

- Parámetros.

- Prohibición de la periodicidad.

- Permeabilidad.

- Ruido.

- Serie.

- Teoría de la información (de la comunicación).

- Tono sinusoidal.

Posteriormente, la monografía sería continuada en ediciones posteriores con la referencia a los años que van de 1965 a 1985. Pero esa es ya otra historia.

Renee Rosnes

Hemos hablado de Renee Rosnes con motivo del próximo festival de Estoril. Se trata de una pianista que ha acompañado a J.J. Johnson y al recien desaparecido Freddie Hubbard, entre otros. Está casada con el batería Billy Drummond.

El tema que ponemos aquí da idea de la categoría musical de esta mujer.

De All about jazz

Renee Rosnes, (24 de marzo de 1962).

Pianista y compositora canadiense, Renee Rosnes ha tenido un magnífica carrera que le ha supuesto un significativo reconocimiento internacional. Inició sus estudios de piano clásico a la edad de tres años y se interesó por el jazz durante sus estudios de secundaria. Coincidiendo con su traslado desde Vancouver a Nueva York en 1986, estableció una rápida reputación motivada por su formidable talento. A finales de 1986 se unió al cuarteto del saxofonista Joe Henderson. En 1988, pasó un año en el quinteto de Wayne Shorter, y en 1989, el legendario trombonista JJ Johnson la invitó para incorporarse a su grupo como su pianista. Ms. Rosnes ha tocado también con el la Carnegie Hall Jazz Band con Jon Faddis, la Dizzy Gillespie All-Star Tribute Band, la orquesta de Gerald Wilson y la Big Band de la radio danesa. Habiendo realizado giras y grabaciones con muchos de los mayores maestros, su presencia es parte de la historia del jazz.

Desde 1990 Ms. Rosnes ha realizado una serie de nueve discos en el sello Bue Note que han sido muy alabados por la crítica, habiendo ganado los premios Juno y varios premios del Canadian National Jazz Awards. Además de dirigir sus propios grupos Ms Rosnes es también miembro del cuarteto de James Moody, toca a menudo con el vibrafonista Bobby Hutcherson, y es miembro fundador del San Francisco Jazz Collective: un octeto formado por estrellas que ha contado con artistas como Joshua Redman, Nicholas Payton y Joe Lovano.

Raynald Colom.

A uno le gusta tanto Miles Davis que no entiende como los jóvenes de ahora, en lugar de fijarse en ese pasado endeble que pretende ser exquisito y se queda en un jazz mórbido y fláccido, no escuchan más el Bitches Brew o el Sorcerer.

Entre los discos que nos recomendó emiles me está sorprendiendo, (en sucesivas audiciones), el de Raynald Colom. Este trompetista catalán y francés que estudió en el Berklee College con Wynton Marsallis hace una lectura de la tradición mucho más interesante que aquella a la que nos tiene acostumbrados su maestro.

Por otra parte su forma de fusionar el flamenco y el jazz es muy auténtica. Deja a cada músico que haga lo que sabe y todo encaja a la perfección. La versión de Sanctuary del Bitches Brew, con una instrumentación más sencilla que el original, está muy bien conseguida y el martinete final lo hubiera firmado el mismísimo Miles.

Jazz en Estoril.

Cuando llegan “las calores” al suroeste español no hay mejor paliativo que un viaje de fin de semana a las costas portuguesas. El viento atlántico trae otros frescores que contrastan con la canícula mesetaria. Por la noche se puede dormir y un poco antes, comerse unos peixes en cualquier sitio de la playa mientras vemos en su terraza romper las olas a los pies de nuestra mesa. En estos lugares, la cena puede acabar con una buena “bica” de café y unas magníficas caipiriñas que aquí preparan de lujo.

Digo todo esto porque hombre prevenido vale por dos. A primeros de Julio hay un festival de jazz organizado en el Casino de Estoril. El programa es magnífico y destaca la presencia de muchas féminas:

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Viernes 2 de Julio.

Cuarteto de Renee Rosnes

Renee Rosnes - piano

Steve Nelson - vibráfono

Peter Washington - contrabajo

Lewis Nash - batería

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Sábado 3 de Julio. Doble sesión.

Quinteto de Grace Kelly.

Grace Kelly - saxo alto, tenor

Jason Palmer - trompeta

Doug Johnson - piano

Evan Gregor - contrabajo

Jordan Perlson – batería
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Quinteto de Wallace Roney

Wallace Roney – trompeta

Antoine Roney - saxo alto, soprano, clarinete bajo

Aruan Ortiz - piano

Rashaan Carter - contrabajo

Kush Abadey - batería

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Domingo 4 de Julio.

Cuarteto de Charles Lloyd

Charles Lloyd - saxo tenor, soprano

Jason Moran - piano

Reuben Rogers - contrabajo

Eric Harland- batería

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La siguiente semana vuelve a haber actuaciones durante todo el fin de semana.

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Viernes 9 de Julio.

Quinteto de Dee Dee Bridgewater

Dee Dee Bridgewater - voz

Edsel Gomez - piano

Kenny Davis - contrabajo

Lewis Nash - batería

Craig Handy - saxo tenor

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Sábado 10 de Julio.

Trío 3.

Oliver Lake - saxofones

Reggie Workman - contrabajo

Andrew Cyrille - batería

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Domingo 11 de Julio

Cuarteto de Esperanza Spalding

Esperanza Spalding - contrabajo, voz

Leo Genovese - piano

Ricardo Vogt - guitarra

Dana Hawkins – batería

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Festival Ibérico 2010

Pinchando en la imagen se verá a mayor tamaño.

AQUÍ se puede descargar el programa de mano completo del festival.

Esperanza Spalding, menú degustación.

Portugal

Buscando información sobre Julio Resende hemos dado con un blog de jazz del país de al lado, se llama jazz no pais do improviso. Recomendado.

Julio Resende

De Julio Resende, el pianista portugués que nos recomendó el blog de emiles, hemos encontrado en YouTube algunas grabaciones. Perico Sambeat se ha ido a su cuarteto y están haciendo muy buena música.

Lo mejor del jazz actual (II).

Una sorpresa el disco de Enrico Rava "New York Days". A través de él conozco a este trompetista italiano (Trieste 1939), que empezó a ser conocido tocando con el Gato Barbieri y que grabó, a su llegada a N.Y., con Steve Lacy y Lee Konitz. Un músico extraordinario y una maravilla de disco. Con fuerza, con sensibilidad: una música sugestiva. Recomendado.

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Dave Douglas Brass Ecstasy en "Spirit Moves" rescata lo mejor de la tradición de las bandas callejeras de jazz a base de metales. Es tradición pero al tiempo es algo fresco, que suena a nuevo y a dinámico, sólo hay que situarlo en el cuarteto Masada de John Zorn para saber de qué hablamos. Brass Ectasy está formado, además, por Vincent Chancey, trompa; Luis Bonilla, trombón; Marcus Rojas, tuba y Nasheet Waits, batería. Otro grandísimo disco.

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No puedo decir lo mismo de Allen Toussaint. A pesar de ser un músico que ha tocado hasta con Paul McCartney, su música pertenece a una vieja tradición de Nueva Orleans, es un músico de R&B, pero no podemos decir que su música sea creativa. Al menos yo no lo he captado. Sus instrumentistas parecen sacados del túnel del tiempo, tocando el clarinete con un vibrato que a muchos traerá recuerdos de épocas mejores, pero nada más. Agradable de escuchar y fácil de asimilar.
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Joe Lovano es un músico que está en todos los fregados pero al que no había escuchado mucho. Merece la pena hacerlo en este “Folk Art”. Tengo la impresión de que es un músico “mainstream”, que está en la corriente principal de lo que viene gustando en el jazz en los últimos veinte o treinta años. Es un magnífico tenor (y soprano) que siempre merece ser escuchado. Aquí está muy bien, como se puede apreciar en el tema que cierra el disco, Etternro. Soplando sin miedo.

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En la mainstream está también Christian McBride, un magnífico bajista que ha tocado con lo mejor del jazz y del pop, un músico de acompañamiento que ahora liderando su grupo se acompaña de Steve Wilson, saxo soprano y alto; Warren Wolf, Jr. vibráfono, Eric Reed piano y Carl Allen batería.

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No me termina de convencer este Ben Allison. Tal vez sea un buen bajista pero este disco, a mí, no me dice nada. Demasiadas sintonías, ¿no?

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Raynald Colom (Evocación) es un trompetista de Barcelona de origen francés que recientemente se ha trasladado a Nueva York con este disco bajo el brazo en el que mezcla flamenco y jazz. Tiene ecos de intentos anteriores en los que recuerda a Miles Davis, aunque también a Jorge Pardo, pero sobre todo tiene una línea personal. A mí me parece que va por buen camino y espero que le resulte bien.

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El trío formado por Colina, Miralta y Sambeat son de lo mejor que hay en España. Me parece muy bien que estén incluidos en esta lista.

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Del portugués Julio Resende no he encontrado aún ningún disco pero seguiré buscando y si no lo pediré a Portugal. Lo que he visto en YouTube me ha parecido sensacional.

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Tampoco he encontrada nada de los gallegos Paco Charlín y Monkillos.

Fly

Lo mejor del jazz actual (I).

Nuestro compañero (en blogspot) emiles (seguramente Emilio), ofrece en su blog un resumen de lo que él considera lo mejor del jazz durante el pasado año. Como me parece que eso supone enfrentarse con valor a una difícil tarea traemos aquí la lista que ha elaborado.

- Kurt Rosenwinkel Standards Trio "Reflections"

- Steve Kuhn Trio With Joe Lovano "Mostly Coltrane"

- Dave Douglas Brass Ecstasy "Spirit Moves"

- Enrico Rava "New York Days"

- Fly "Sky & Country"

- Allen Touissant "Bright Mississipi"

- Joe Lovano Us Five "Folk Art"

- Christian McBride Inside Straight "Kind of Brown"

- OAM Trio + Mark Turner "Now & Here"

- Roy Hargrove Big Band "Emergence"

- Seamus Blake Quartet "Live in Italy"

- Ben Allison "Think Free"

- Raynald Colom "Evocación"

- CMS Trio "Andando"

- Paco Charlín "Organic Motion Philosophy"

- Paco Charlín "The Game"

- Julio Resende "Assim Falava Jazzatustra"

- Seamus Blake "Bellwether"

- Monkillos "In Monk We Trust"

Personalmente tengo que reconocer que, a día de hoy, no sé de qué va el jazz y no puedo decir quien anda por ahí haciendo cosas, tan sólo podría hablar de los que conozco. Parece ser que a nuestro colega le pasa algo parecido pues presenta varios músicos que coinciden con los que he oído por ahí, son algunos de los que han tocado por España últimamente, otros son españoles y otros son incluso de la tierra de nuestro bloguero que me suena como galaico.

Bueno, la lista de nuestro amigo es un punto de partida para interesarnos en algunos músicos que no conocemos y en el trabajo elaborado durante el 2009 por los conocidos.

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Kurt Rosenwinkel en este disco (Reflections) es un guitarrista de estilo conservador, como muchos de los músicos de su generación, obsesionado por sonar como los clásicos del jazz moderno de los años cincuenta y sesenta, en su caso Kenny Burrell, Joe Pass y el eterno Wes Montgomery. Sin embargo en ocasiones sorprende su originalidad como en el tema “East Cost love affair” de este álbum.

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Entre estas visitas al pasado, la realizada en “Mostly Coltrane” por el trío del pianista Steve Kuhn (David Finck contrabajo y Joey Baron a la batería) con el saxo de Joe Lovano, realmente emociona. Es que Coltrane dejó mucho por hacer y aquí lo intentan recuperar con éxito, sin dejar de revisitar los temas más complejos de su etapa final.

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Fly, es el grupo de Mark Turner, al saxo, Larry Grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería. Grabado para ECM presenta el típico sonido frío y de calidad que Manfred Eicher imprime a todas las grabaciones. Mark Turner es un buen saxofonista post-bop y creo que también un músico honrado. En ocasiones su música suena en la “tercera vía”, es decir a caballo entre el jazz y la música clásica del siglo XX. Sus influencias son muy serias y ha tocado con los grandes de entre sus mayores. Lo vimos aquí hace un par de años y nos gustó.

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OAM es el trío que ha acompañado en ocasiones a Mark Turner y está formado por el contrabajista Omer Vital, el pianista Aaron Goldberg y el batería Marc Miralta. Cuando los escuché en directo me sorprendió sobre todo Marc Miralta, una enciclopedia de la percusión y la batería, una auténtica maravilla. No he econtrado aún el disco recomendado “Now and Here”.

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En “Emergence” de Roy hargrove, podemos comprobar que Hargrove es un buen trompetista. Ya lo sabíamos. Aquí nos muestra una faceta desconocida liderando una big band. No hay duda de que es un sonido contundente y que satisface las expectativas del oyente. Un buen funk a lo “Cannonball” Adderley, un buen sonido clásico de orquesta a lo Ellington, buena música latina, incluso. Sin embargo se queda en aquel jazz anterior al “Birth of the Cool” del Miles Davis del final de los años cuarenta. Demasiado lejos. En el jazz siempre se han interpretado standards, pero cada vez de una forma diferente. Miles Davis en los años sesenta no hubiera tocado My Fanny Valentine con la ortodoxia con que se hace hoy.

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Seamus Blake en “Bellwether” es otra cosa. Este saxofonista es capaz de crear músicas más originales, menos sujetas a un canon establecido hace muchos años en el jazz y al que todos se quieren agarrar como si fuera la gallina de los huevos de oro, aunque también hay que decir que nos ha gustado más con el magnífico batería catalán Marc Miralta y el bajista israelí Avishai Cohen. De todas formas el grupo en este disco, con el guitarrista noruego Lage Lund, también es sensacional. Un buen disco.

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CONTINUARÁ...

Fripp y Eno.

Al hilo del comentario de AlejanDrone sobre Robert Fripp traemos aquí esta curiosa grabación. Nadie hablaba aún de música “ambient” en 1973, cuando Robert Fripp y Brian Eno sacaron el disco No Pussyfooting, en el que la guitarra de aquél entraba a formar parte de la textura electrónica creada por Eno, colocando las habituales melodías con notas legato de valores largos que creaban una atmósfera tan especial. Melodía que en esta entrada de YouTube solo escuchamos al final y que puede oírse en una segunda parte del tema Swastika Girls.

Biblioteca: La música contemporánea a partir de 1945, (I).

Es difícil escribir la Historia de las cosas recientes. Concretamente, en la Historia del Arte y en la de la música es difícil porque hay que señalar qué tiene importancia y qué no y eso, en una actividad que está marcada por las polémicas de los que están a favor y de los que están en contra de cada propuesta artística, es una situación que requiere del valor de un héroe. Además, se han de tomar posturas donde nadie lo ha hecho antes, hay que trabajar sin brújula y sin mapa, sólo guiado por el conocimiento y la intuición. Pues bien, esa es la tarea que ha venido asumiendo Ulrich Dibelius (1924-2008) en “La música contemporánea desde 1945”. Este músico, (violonchelo), escritor y pedagogo musical, estudió Historia, Literatura y Sociología en Heidelberg y Frankfurt con Horkheimer y Adorno. En 1965 empezó a contar la Historia de la nueva música desde el final de la guerra, el periodo de los últimos veinte años. El paso del tiempo le obligó a modificar el texto actualizándolo a los veinte años siguientes en la edición de 1998. Afortunadamente, Akal publicó la traducción de Isabel García Adánez en 2004 y desde entonces es un tratado de referencia para conocer las diversas corrientes musicales que se vienen produciendo en la música culta desde el ya lejano día en que terminó la guerra en Europa.

XXVII Festival Ibérico de Música.

Aviso para todos los melómanos de Extremadura y el Alentejo: los últimos días de mayo vuelve el FESTIVAL IBÉRICO DE MUSICA, (del 19 al 30 de mayo).

En su vigésimo séptima edición, el festival no defraudará porque presenta una oferta importante de músicos con unos programas muy adecuados. Hay que destacar la apuesta decidida del festival por la música del siglo XX y actual. Entre los conciertos previstos la organización destaca los siguientes:

- DOMINGO 23. La banda de metales de la Orquesta Metropolitana de Lisboa, que ofrecerá la Sinfonía para Metales de Eric Ewanzen (n. 1954) y la de Jan Koetsier, (1911-2006); así como la Sinfonía para Metales y Percusión de Alfred Reed (1921-2005) y la de Gunther Schuller (n. 1925).

- MARTES 25. El trío de clarinete, violín y piano, formado por los alemanes Erik Schumann (v.), Ralph Manno (cl.) y el austríaco Gottlieb Wallisch (p.), interpretan obras de Ives, Bartok, Poulenc, Stravinsky y Khatschaturian.

- MIERCOLES 26. Otra Utrera, flamenco contemporáneo, con Rafael de Utrera al cante y los músicos: Antonio Moreno, percusines; Juan Jiménez Alba, saxofones y “Bobote” al baile y compás. Utrera es uno de los focos más activos del flamenco de última generación. En Badajoz ya vimos en su día a Perrate haciendo Seguirillas con batería.

- JUEVES 27. Luis Fernando Pérez interpretará al piano nada menos que la Suite Iberia de Isaac Albeniz. Es uno de los grandes jóvenes pianistas españoles.

- VIERNES 28. La Orquesta de Cámara Oxalys, dará un concierto con obras de Joseph Strauss y Gustav Mahler. Este grupo, relacionado con el Conservatorio de Bruselas, vienen de tocar el día antes en Sevilla y el anterior en Madrid.

Sin embargo no acaban ahí los sucesos interesantes del festival. Desde el día 19 hasta el 30 se pueden disfrutar distintos conciertos en el Salón de Plenos de la Diputación, la Iglesia de San Agustín, Sala Azul del Palacio de Congresos, la Biblioteca de Extremadura en la Alcazaba o el Auditorio del Círculo Pacense, con grupos tan interesantes como el Ensemble Contemporaneus de Évora, a quien pudimos oír en Badajoz, no hace mucho, en una notable interpretación del Cuarteto para el Fin de los Tiempos de Messiaen.

Robert Fripp y Theo Travis

El otro día ha tocado en Madrid Robert Fripp acompañado, (a la flauta y saxo), por Theo Travis, que fue integrante del grupo Soft Machine. Esto ya no tiene remedio, pero, quien esté cerca, puede oirlos hoy en Málaga, el domingo en Alicante y el lunes en Barcelona, en el festival de la guitarra en la Sala Apolo.

Robert Fripp y el que fuera su grupo King Crimson vienen haciendo músicas maravillosas desde finales de los años sesenta. No puedo decir que sea la mejor música que he escuchado, pero tal vez es la música con la que más he disfrutado.

Es una ocasión que no hay que perderse.

Festivales flamencos

Este año hay dos citas flamencas, dos festivales, que parece que están muy bien. De esos que no hay que perderse.

El primero es en Madrid en Junio, exactamente del 4 de Junio al 2 de julio y se celebrará en varios auditorios: Teatros del Canal, La Música de los Espejos (Complejo El Águila), Centro Cultural Pilar Miró, Institut Français, Centro Cultural Paco Rabal y en varios municipios de la Comunidad. Se puede ver la programación AQUÍ.

El segundo es en Sevilla y se trata de la XVI Bienal de Flamenco, el mejor escaparate para contemplar las novedades que presentan las grandes estrellas del flamenco. Será del 15 de septiembre al 9 de agosto.

Se puede descargar la programación en pdf o consultarla AQUÍ.

Biblioteca: Albeniz, edición conmemorativa, Ministerio de Cultura

El Ministerio de Cultura ha venido defendiendo las tesis de la SGAE sobre la piratería cultural y demás delitos contra los derechos de autor y está en su derecho. Pero el Ministerio no dice nada sobre el hecho de que un CD de música cueste 20 euros y nadie pueda hacer nada por abaratar los costes. Todo el mundo sabe que eso es un robo. Ni los derechos de los artistas, ni el soporte CD ni los proceso de fabricación y distribución llegan a unos costes ni siquiera próximos a esa cifra. Eso es un robo. Y si no, véase la propia edición que acaba de sacar el Ministerio para la conmemoración del centenario de Albeniz. Se trata de una edición que ofrece por 22 €:

- 1. DVD: Isaac Albéniz, el color de la música (52 minutos) dirigido por José Luis López-Linares.

- 2. DVD: Iberia (2005) de Carlos Saura junto con Apuntes para una película, el facsímil del guión del filme ilustrado con dibujos del cineasta.

- 3. Albéniz, soñar España. Una biografía del fundador de la música española moderna escrita por Andrés Ruiz Tarazona.

- 4. Impresiones y diarios de viaje, de Isaac Albéniz.

Solamente el DVD de Saura cuesta 25 euros. Lo que quiere decir que las cuentas no salen. Si el ministerio puede hacerlo también podrá la industria.  
¿No debería de intervenir también el Ministerio para defender a los consumidores y no sólo a la industria cultural?

Etnografía de las sociedades modernas.

La antropología nació como una ciencia dedicada al estudio de las civilizaciones menores, de las culturas atrasadas, antiguas y de los países del tercer mundo, en un entorno de colonialismo europeo. La paradoja es que, superadas estas condiciones, la etnografía, (que es la ciencia que realiza el trabajod e campo para los antropólogos), se ha girado y al darse la vuelta ha empezado a mirar la propia cultura a la que pertenece y, bajo una óptica post-moderna, se ha decidido a mirar a la cultura occidental como una más, observándola de la forma más objetiva posible sin juicios previos. ¿Cómo vería alguien de una cultura diferente a la nuestra cualquier acontecimiento, por ejemplo un concierto musical con una orquesta sinfónica? Este comentario ya lo hizo un etnomusicólogo inglés que acudió a un concierto acompañado de un músico hindú, pero en su caso se centró más en los aspectos musicales. Imaginemos como vería nuestros conciertos una persona ajena a nuestras costumbres, teniendo en cuenta que, por ejemplo, en muchas culturas la música no existe como actividad profesional y es practicada por toda la comunidad o que no tienen sentido del espectáculo con carácter exclusivamente lúdico sino solamente como ceremonial:

“En el edificio hay dos espacios. En el espacio mayor se sienta una gran cantidad de personas. En el otro espacio un grupo notablemente menor. El grupo mayoritario va entrando por una puerta, al fondo de la sala, enseñando una acreditación a unas señoritas altas y muy bien arregladas. Esto lo hacen para demostrar que han pagado para entrar porque esta gente debe ser muy desconfiada, por lo que se observa. Una vez llena la sala apagan las luces y la gente, que había llenado el espacio mayor, se calla al instante. Al poco empiezan a aparecer los que ocupan el otro espacio, el espacio menor de la sala. Mientras que el primero tiene una cierta pendiente, el segundo es un espacio horizontal. Según empiezan a entrar éstos, los otros aplauden. En el espacio menor la gente entra sin enseñar acreditación alguna porque en este espacio no se paga, incluso me han dicho que reciben dinero por estar ahí y hacer música. Una vez que se han sentado todos entra otra persona y la gente que llena el espacio mayor vuelve a aplaudir de nuevo. Esta persona dirige su instrumento hacia el resto y lo hace sonar. Al momento se produce una especie de ruido infernal controlado cuando todos sus compañeros hacen sonar sus instrumentos. Afortunadamente al poco se callan. De repente no pasa nada y todo el mundo está quieto hasta que aparece en la sala otra persona y se reanudan los aplausos. Llegados a este punto podemos decir que ha trascurrido un buen rato sin que haya pasado nada interesante, esta gente se debe de aburrir mucho con estas ceremonias.”

Biblioteca: La música arábigo-andaluza (Christian Poché).

El libro de Poché, editado por Akal, sobre la música andalusí, (que el autor denomina arábigo-andaluza), es más una introducción que una monografía sobre el tema, sin embargo hay que destacar que se trata de uno de los estudios más serios e informados que se han hecho sobre este tipo de música. Por fin se pretende cerrar la mitología para entrar en el terreno de la musicología y empezar así a estudiar esta música que, teniendo sus orígenes en la España musulmana, se desarrolla hoy día en el Magreb, adoptando distintas formas según las ciudades de Marruecos, Túnez y Argelia, e incluso de Libia en que aún se interpreta.

 Poché desmonta el mito de Ziryab, tan extendido, que pretende que este autor del siglo IX es el único creador de la música andalusí, llegándose a decir, (Félix Grande, Memoria del flamenco), que el músico de Bagdad fue el fundador del arte flamenco. Por el contrario, destaca Poché la obra del filósofo, poeta y músico zaragozano Avempace (Ibn Bayyah), que según algunos estudiosos, (Emilio García Gómez), fue el primer poeta y cantor en utilizar el zéjel y que habría tenido una gran influencia, como músico y como teórico, en el desarrollo de la música andalusí en el Medioevo peninsular.

El texto hace además una breve descripción de la nuba, de las estructuras musicales empleadas y de los instrumentos con que se tocan.

Alcantara

Haydn

Podrá parecerle al sufrido lector de este blog que aquí no hacemos más que escuchar música de John Cage por lo que venimos comentando estos días. Nada más lejos de la realidad. La verdad es que desde finales de enero estamos dedicando nuestro tiempo de escucha a los cuartetos de cuerda de Haydn, albor del clasicismo musical, desde que leímos la monografía que aquí recomendamos de Miguel Ángel Marín sobre ese tema.

Para la escucha de los cuartetos hemos conseguido una versión integral de los mismos a cargo de The Angeles String Quartet.

También nos hemos hecho de las partituras de casi todos ellos que se pueden conseguir en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP según sus siglas en inglés)

Con todo ello estamos haciendo una esucha realmente interesante de este corpus tan importante en el desarrollo del que fuera el periodo clásico por excelencia de la música europea.

Biblioteca: Entrevista a John Cage

En 1973 se publicó en Cuadernos Anagrama esta entrevista a John Cage realizada por Richard Kostelanetz en 1966 en la que el músico defendía sus tesis de aquel momento.

Parece ser que se ha reeditado por la Facultad de Bellas Artes de Cuenca en "Ediciones Radio Fontana Mix, Cuenca" en el año 1994. No obstante el libro es dífícil de encontrar. Hay un libro titulado "Escritos al oído", curiosamente editado por el Colegio Oficial de Aparejadores y Arquitectos Técnicos de Murcia.

Biblioteca: Silencio, de John Cage

La traducción del libro de John Cage, Silence, es una de esas buenas noticias de las que tan necesitada está la musicología en español. Es un libro fundamental para conocer la figura del experimentalista, (como a él le gustaba llamarse). La clave de sus propuestas reside en una clara voluntad anti-romántica, por eso sus maestros son Saite y Varèse. Pero no se queda ahí, en el libro Cage acusa a sus maestros, especialmente al segundo, de no haberse liberado totalmente del subjetivismo, de la transmisión de emociones, de la sicología particular del compositor reflejada en su obra, por eso, el americano propone una música objetiva que se base en la escucha del sonido no en su creación. La solución la encuentra en la aleatoriedad, pero no en un coqueteo superficial como hacen los europeos, (Boulez o Stockhausen), sino en una aleatoriedad total que hace desaparecer al compositor de la obra. El compositor es el músico que crea las condiciones para conseguir que el sonido salga por sí mismo, sin intervención humana. John Cage utiliza para ello el I Ching, que establece todos los parámetros de la música. Podríamos decir que el trabajo del compositor se reduce a tirar los dados. De la misma manera que los europeos tienen en la serie el generador de todos los parámetros musicales, los americanos utilizan la aleatoriedad.

Por otra parte el libro está bien traducido y editado. El uso de tipografías especiales y el propio carácter de escritura experimental que en ocasiones adopta el autor está bien tratado en la traducción que ha hecho Ediciones Ardora.

El libro está hecho a base de artículos y conferencias del músico por lo que su lectura puede dilatarse o alternarse con otros escritos, contiene además una buena información sobre bibliografía, discografía, etc.

Algunas claves sobre la obra de John Cage

El experimentalismo de John Cage tiene unas bases firmes, (con las que podremos estar de acuerdo o no), pero, en todo caso, no es nunca un ejercicio histriónico.

Entenderlo supone conocer los temas que interesaban al compositor y cómo estaba articulado su pensamiento.

- Hay que tener en cuenta la influencia del budismo zen para comprender mucha de la obra de la vanguardia americana, tanto de los experimentalistas como de los minimalistas. Al menos habría que conocer la literatura de los divulgadores del Zen en EE. UU., como Alan Watts (El camino del Zen) y D.T. Suzuki, (Ensayos sobre Budismo Zen), trabajos a los que se refiere el compositor en sus escritos.

La meditación supone una escucha atenta y abierta. Cuando John Cage escribe en 1952 su famosa obra 4’33’’, una partitura para piano de 4 minutos y 33 segundos, (como su título nos indica), de absoluto silencio, acaba de experimentar una cámara de silencio en Harvard en la que ha descubierto que el silencio absoluto no existe, que en última instancia se oye el sonido agudo de nuestro sistema nervioso y el sonido grave de nuestro corazón latiendo. Nuestra vida está, pues, llena de sonidos. Lo que esa obra exige del oyente es que escuche los sonidos que le rodean durante ese tiempo en que el pianista permanece sin tocar.

- El pensamiento político de John Cage está encuadrado en el anarquismo americano que tiene su antecedente en Henry David Thoreau, (Walden o la vida en los bosques, y La desobediencia civil) y que tiene su referente próximo en Norman O. Brown (El cuerpo del amor). También tuvo una gran influencia en su pensamiento el estudio sobre los medios que se deriva de la obra de Marshall McLuhan (La Galaxia Gutenberg). Para Cage no existe ya el papel subjetivo del autor como detentador de un poder sobre el oyente estableciendo lo que hay que oír. Por el contrario el receptor tiene que adoptar una postura activa, la recepción es parte de la creación, porque renuncia al papel, en cierto modo, autoritario del artista.

- Su interrelación con el ballet fue constante a lo largo de su vida. Desde su divorcio en 1945 mantuvo una relación, (profesional y afectiva), con el bailarín Merce Cunningham hasta su muerte. Pero ya anteriormente había trabajado con coreógrafos y el intercambio de ideas había sido constante.

- En música, tuvo como primer maestro a Arnold Schoenberg de quien admiraba su esfuerzo por establecer las bases en las que fundar la nueva música. Posteriormente tuvo un intercambio frecuente de ideas con Pierre Boulez, con quien se carteó durante mucho tiempo, y participó en los encuentros de Darmstadt, aunque terminaría denunciando el eurocentrismo musical y buscando sus raíces en Eric Satie y Edgar Varèse. Finalmente creó una escuela experimentalista americana en la Escuela de Compositores de Nueva York en la que estaban Morton Feldman, Christian Wolff, Earle Brown, David Tudor, (pianista y compositor), Merce Cunningham (coreógrafo), etc.

“Utilicé ruidos. Estos no habían sido intelectualizados; el oído podía escucharlos directamente y no tenía que recurrir a ninguna abstracción. Descubrí que me gustaban los ruidos incluso más de lo que me gustaban los intervalos” (Cage 1933:32).

- Una de las obsesiones particulares de John Cage era el libro Finnegans Wake de James Joyce, un libro desde luego obsesivo. El era un hombre que gustaba de proponerse retos y que buscaba siempre más allá de las cosas evidentes. Entra en el grupo Fluxus tras conocer a Yoko Ono y se convierte en el impulsor del grupo en EE.UU. El trabajo de Cage se centra en los happenings y se manifiesta en sus actuaciones interdisciplinares en distintas artes que incluyen la plástica, la literatura, ópera, etc. Como compositor Cage abandona el sentido romántico que propone el sentimiento como base del arte y la comunicación como obligación del artista.

“Esta constumbre de preguntar por qué es lo mismo que lo de preguntar qué es lo mejor o lo más importante. Son preguntas estrechamente relacionadas que le permiten a uno desconectarse de su propia experiencia, en vez de identificarse con ella”.

Te recuerdo Chile.

Naturalmente que nos acordamos de Chile. En estos días se han escuchado algunos comentarios insidiosos sobre el comportamiento de los chilenos, los asaltos a los supermercados y demás. Es siempre lo mismo. Una minoría de desaprensivos insolidarios aprovecha las circunstancias en su beneficio y la prensa lo destaca por encima de otras noticias más importantes que nos hablan del dolor de un pueblo.

Para el que no lo sepa, Chile es un país que siempre tuvo un gran sentido cívico, no es un país atrasado ni nada parecido, es quizás la democracia más asentada en el continente, a pesar de que en los años setenta los experimentos primerizos de los neoconservadores americanos propiciaron el triunfo del criminal Pinochet. Pero eso está ya superado.

Aquí queremos reivindicar el buen nombre de Chile y recordar a los chilenos que lo están pasando mal y lo hacemos con el poeta de nuestros años juveniles, con Víctor Jara, el cantautor que fue torturado y asesinado con 44 disparos en el Estadio de Chile (hoy Estadio Victor Jara) de Santiago.

La canción “Te recuerdo Amanda” ha sido versionada en numerosas ocasiones por muchos cantantes, como Joan Baez, Silvio Rodriguez, Raimón en catalán, José Mercé en flamenco y muchos otros.

Bricolage musical.

El piano preparado de John Cage tiene su origen en un asunto eminentemente práctico. Como sabemos, el compositor estuvo dedicado a lo largo de su carrera, entre otras, a hacer música para ballets. En los años cuarenta se le plantea el problema de representar ballets en espacios muy reducidos, en salas para música de cámara, donde no caben los instrumentistas necesarios para hacer la música de percusión que entonces le interesaba. Para solucionar este problema se le ocurrió que podía interpretar las partituras con pianos preparados en los que impedía la completa vibración de las cuerdas mediante la colocación de tornillos, pasadores y otros accesorios, en los que obtenía el sonido percurtido que buscaba con un solo instrumento que él mismo podía interpretar. No olvidemos que el padre de John Cage se había ganado la vida como inventor, de modo que el hijo siguió sus pasos ahora en el campo de la organología, y que el piano es fundamentalmente un instrumento de percusión, antes que un instrumento de cuerda. El piano preparado de John Cage es otro instrumento, uno distinto de un piano. Su sonoridad, a medio camino entre la percusión y las notas formadas por armónicos, tiene un carácter muy particular que consigue una música sencilla y, al tiempo, que despierta nuestra curiosidad y nos induce a la escucha.
Estas partituras indican con detalle la manera en que hay que preparar el piano, dónde hay que poner un tornillo, dónde hay que hacer un puente entre las cuerdas y demás.

En el primero de los videos de YouTube que ofrecemos aquí, vemos a Tim Ovens preparando el piano para interpretar una pieza de John Cage. En el segundo, Bobby Mitchel ofrece una interpretación de la Sonata V. Existen varios videos sobre música de piano preparado a los que se puede acceder desde éstos.

Biblioteca: John Cage por David Nicholls.

La editorial Taurus junto con Alianza son de las pocas grandes que, de vez en cuando, publican algún libro interesante de música.

El libro que David Nicholls ha escrito sobre el compositor de vanguardia norteamericano John Cage es una buena muestra de ello. El autor pretende acabar con las muchas mitificaciones (y mistificaciones) que ha sufrido el personaje de John Cage. En su día publicamos un video en el que aparecía el compositor en un programa de éxito de la televisión americana haciendo un “happening” musical. Recomendamos ese video porque, pienso, que nos da muchas de las claves de su personalidad. John Cage era un hombre de una inocencia radical. Cualquier cualidad humana llevada a su extremo produce en las personas que las detentan un halo especial. La inocencia radical de John Cage no es fruto de la inexperiencia, de una falta de observación de la realidad, de una inteligencia corta o poco observadora. Radica, precisamente, en todo lo contrario. De modo que no es difícil encontrar las claves del artista: el anarquismo, el budismo zen, (tan extendido entre la vanguardia americana especialmente en la costa oeste), y el afán experimental, son algunas de las más importantes.

El libro hace un repaso por la obra del compositor y por los acontecimientos de su vida que pudieron marcarle artísticamente.

John Cage es un músico fundamental para conocer la vanguardia transatlántica y este libro ayuda mucho en esa tarea.