Ornette Coleman (Prime Time)

Si un niño prueba el güisqui por primera vez lo más normal es que no le guste, aunque sea un malta de la mejor calidad. Si eres un cómodo consumidor de música de "entertainment" es normal que no te guste Ornette Coleman la primera vez que lo escuchas. Estuve en el anterior concierto del saxofonista en 1987 en el velódromo de Anoeta, cuando la gente abandonó sus asientos para ir a mear en cuanto empezó a sonar el jazz difícil, (árido pero no chabacano), del maestro del free-jazz que aparecía con su hijo y otros músicos jóvenes bastante "heavys" para seguir rompiendo barreras, como había hecho toda su vida.
Dice El País del 22 de julio que ahora sí se quedó al bis más gente que los 17 que nos quedamos en aquella, ya lejana, ocasión. Me alegro que así sea. Aquel verano de 1987 disfrutamos de todo el festival de Donosti y aprovechamos el viaje para conocer el País Vasco. Nos gustó mucho, sinceramente, y la gente nos pareció buena y sabia. Pero desde entonces apenas he vuelto a pisarlo, (salvo alguna escala técnica en Donosti camino de Francia), porque me propuse no hacerlo en tanto no se solucione lo que Otegui llama "el conflicto". No es por miedo, es por asco.

Ornette Coleman es un músico de verdad. En épocas en que culturalmente se tiene tanto aprecio por la innovación, pero en las que hay tan pocos innovadores de verdad, es reconfortante la música de artistas como éste, que no solo se ganó un sitio en la historia del jazz junto a los más renovadores, sino que a sus 77 años sigue llevando sus nuevas formas de entender la música por todo el mundo y dándolas a conocer a nuevos públicos.
Felicidades a Ornette Coleman y felicidades al festival de Victoria por entender que también el jazz se puede programar en un festival de jazz, cosa que últimamente parece difícil de encontrar, desde que Montreux empezara a programar tanta música pop como jazz... Y lo dice uno que presume de ecléctico.

El album de fotos. Parc Nacional de Aigüestortes i Estany de Sant Maurici

Barça campeon de ligaaaa!!!!

La Dharma. Ya digo.

Richard Bona - Bass Solo w/ Mike Stern

Richard Bona solo tiene tres discos: Scenes from my live, Reverence y Munia. Para los "fans" del bajista camerunés son pocos. Pero afortunadamente aparece en muchos discos como acompañante, por ejemplo lo he encontrado con Mike Stern en Voices (2001) y en These Times (2004). Aquí aparece con el guitarrista en un solo.

Ya sabes, Billy, la hemos jodido

Frase que le dice Peter Fonda a Dennis Hopper en Easy Rider.

En la entrevista de El Pais dice Peter Fonda sobre la música: "Me gusta toda: rock, negra, clásica. Y fíjese. También voy a la Ópera". Un amante de "todas las músicas".

Acabo de darme cuenta viendo la foto que he insertado que en la película aparece Phil Spector, el famoso productor de éxitos pop.

... Y consultando la wikipedia que está pendiente de juicio por asesinato.

¡Vaya tipo!

Barcelona, años 70

No me gusta regodearme en la nostalgia pero el libro de Pep Ribas sobre el @joblanco me trae recuerdos de aquellas músicas. Desde Madrid admirábamos a los músicos catalanes sin ningún tipo de chauvinismo centralista. Por ejemplo, Jaume Sisa era un ídolo, un especie de Bob Dylan para nosotros y cantábamos con convicción: "A casa meva és casa vostra si que hi ha cases d'algú". El disco Qualsevol nit pot sortir el sol lo escuchábamos con emoción y su título era el enunciado de una auténtica esperanza. También estaba Pau Riba, del que era muy escuchado el disco Dioptría y canciones como Noia de porcelana. Pau Riba había querido ser el Frank Zappa español, propósito en el que se quedó un poco corto, pero estaba muy bien su música. En cuanto a grupos, tras los primeros escarceos de Máquina (Why), Tapiman, Música Urbana y Musica Dispersa, el grupo que nos sorprendió fue Iceberg, con Max Suñer a la guirarra y Kitflus en los teclados . El primer disco era más pop, (Tutankhamon), pero el que en mi circulo de aficionados gustaba era el Coses Nostres. Después formaron Pegasus, con Santi Arisa a la batería, grupo con el que triunfaron en los primeros años de la fusión jazz-rock. La Orquesta Mirasol tocaba muy bien y nos gustaba mucho el disco D´oca a oca i tira que et toca. Pero el mejor grupo de entonces fue la Companyia Elèctrica Dharma, la Dharma. El primer LP que se llamaba Diumenge era mejor que los intentos hispanos de Chick Corea. L'Oucomballa también estaba muy bien y Tramuntana. La actuación del grupo en Madrid en aquellos años fue un auténtico acontecimiento para los iniciados, pero las cosas acabaron mal. Primero ocurrió la muerte prematura del guitarrista (uno de los hermanos Fortuny), luego el teclista se largó y fue sustituido por una nueva hermana Fortuny (familia musical inagotable), al final el saxo soprano de Joan Fortuny se hizo con la banda y todo su sonido era el "Tiro riro " inacabable de la fiesta popular catalanista. No volvieron a pisar España y se quedaron en eso para los restos, para las celebraciones del barça y cosas muy catalanas todas. Después de celebrar los 20 años con la Dharma han celebrado los 30 y seguirán así. Una pena.

Llevamos un mundo nuevo en nuestros corazones

Una vez hecha la autocrítica a mi generación, a determinados escritores y a personas que contribuyeron a mover la sociedad en los años setenta es hora de contar la verdad sobre lo sucedido: la modélica transición española fue un fiasco, estuvo dirigida por los poderes reales de la sociedad y acabó con magníficas potencialidades que existían en aquellos años.

La frase que encabeza este post, de Buenaventura Durruti, me ha recordado que había dos tipos de antifranquistas, los que militaban en partidos de izquierdas, que pese a su supuesto radicalismo, sólo se preocupaban de controlar al personal en los mítines, asambleas, manifestaciones, etc, encumbrándose a la vanguardia de la nueva sociedad socialista, en base a méritos que se atribuían ellos mismos y que sólo ellos conocían, vanguardia que ha terminado en los partidos oficiales, especialmente el PSOE pero también en el P.P., (lo que demuestra que lo único que en realidad les importaba era mandar); y por otro lado los ácratas que pretendían la revolución cambiando la vida cotidiana.

El desencanto producido en los años ochenta estuvo más que justificado con todo lo que sucedió por entonces. ¿Cuál es el panorama actual de la democracia española?.
LA DERECHA. Treinta años después de la muerte de "El Caudillo" la gente de a pie con pensamiento de derechas (casi la mitad del país) todavía cuestiona la democracia como algo impuesto por las circunstancias, aceptado a regañadientes y que aún no ha demostrado ser mejor que el "régimen" con el que dormían tan "calentitos". En esto es muy importante la actitud que el Nacional-Catolicismo, nunca extinguido, ha tenido en estos años.
EL CENTRO. Entendido como la derecha civilizada y europea, ha desaparecido del mapa, salvo entre los nacionalistas periféricos donde siempre estuvo presente, poniendo de manifiesto que la derecha española como decimos (en su gran mayoría) aceptó la democracia a regañadientes y que hubiera seguido mejor con lo que había.
LA IZQUIERDA. Aquí la situación es más compleja por estar más dividida, como es costumbre:
- Los socialistas son unos señores y unas señoras que no existían en la época de la lucha contra el franquismo, que mantienen un lenguaje de izquierdas pero que actúan como demócratas liberales en la línea del partido demócrata americano. Siendo los Norteamericanos quienes impusieron las normas de funcionamiento de las democracias europeas, España no ha sido una excepción. Los socialistas nos han metido en la OTAN, han amansado los sindicatos, han acabado con la sociedad civil y han hecho muy buenos negocios inmobiliarios, (que son los que todo el mundo hace en España).
- Izquierda Unida y demás elementos a la izquierda del PSOE son un residuo de lo que fue el principal partido de la oposición en la transición. Cuando Carrillo se pasó al PSOE quedó claro que se había acabado el tiempo de los partidos de izquierda y que el bi-partidismo que propugnaba la derecha, (con un Partido Comunista ilegal) se había, por fin, cumplido. Una coalición que se ha quedado anclada en la Segunda República (haciendo ondear la bandera republicana en sus sedes) es una organización muy bonita pero muerta políticamente, no tienen nada que decir en la actual confrontación política. Los cuadros de Izquierda Unida son un vestigio insignificante de lo que fue el Partido Comunista cuando dominaba todos los ámbitos de la vida ciudadana. Desgraciadamente, los ecologistas y afines que ligaron su futuro a I.U., (como si la coalición pudiera ser algo diferente al Partido Comunista), han acabado donde aquél.
LOS NUEVOS GRUPOS SOCIALES. Hay nuevos grupos sociales (que no sólo se nutren de las generaciones jóvenes pues muchos mayores se han unido abandonando sus antiguas militancias) que forman la base real de la España actual, más allá de derechas e izquierdas:
- LOS CONSUMISTAS. Son la inmensa mayoría del país. Alcanzado determinado nivel de vida, lo importante no es producir, (de eso se ocupan agentes desconocidos que controlan el mundo), sino consumir. Paradójicamente no quiere esto decir que estemos ante expertos consumidores sino de consumidores compulsivos que han hecho del consumir el único objeto de sus vidas. Son consumidores tan sometidos que aceptan las "tecnologías inestables" sin la más mínima queja. Si hace treinta años uno se hubiera comprado un aparato electrónico y tuviera los problemas que tiene un moderno ordenador portátil, un iPod, o un teléfono móvil, lo hubiera devuelto a la tienda el primer día de uso y se lo habría tirado al dependiente exigiendo el reembolso de su dinero. El consumidor actual se desespera intentado configurar aparatos cada vez más estúpidamente complejos que pueden fallar en cualquier momento sin que nadie responda por los daños.
- LOS DESPISTADOS BIENINTENCIONADOS. Son gente que sospecha que algo no va bien si para poder disfrutar de un juguete, como pueda serlo un coche moderno, se precisa cargarse el funcionamiento del propio planeta en que vivimos. Esta gente se encuentra en un estado de desconcierto bastante importante, por cuanto que la educación que han recibido no les permite analizar la situación que están viviendo en la realidad. Les han dicho que el mundo es así (y que solo puede ser así) y por eso no saben a qué atenerse. Ante cualquier intento de crítica se les acusa de querer llevar a su país a la situación en que se pudrieron los países del este de Europa o a la situación actual de la Cuba de Castro, con lo que quedan inmediatamente desarmados ideológicamente y vitalmente desconcertados. Mientras, se entretienen contemplando los avatares de los participantes en el concurso "Gran Hermano", que adopta distintos formas y diferentes nombres pero que en el fondo es una forma narcisista de autocontemplarse mientras se van haciendo mayores, sin decir esta boca es mía. ¿Alguien cree que a los jóvenes de los años setenta se les podría dirigir sus gustos musicales diciéndoles qué música pop debían escuchar, y hacerles competir cantando los éxitos de sus mayores que ahora tienen que asumir como suyos sin la más mínima crítica?. ¡Qué rebaño más cándido de corderitos con piercing!.
¿Es esto inevitable?. Para contestar a esto pondré un ejemplo muy sencillo. Este país cuyas calles están cubiertas de una alfombra de papeles, plásticos y envoltorios, que se amalgaman con las cagaditas de los numerosos perros que deambulan libremente por la calle (hasta que algún coche acaba con sus andanzas), este país donde el ruido se ha hecho tan cotidiano que la gente no sabe comprar, divertirse o sentirse a gusto sin una cantidad enorme de decibelios atronándoles los oídos, este país es una excepción pues sus vecinos no se comportan de esa manera. Luego, si otros pueden, nosotros también podemos. Las cosas no son como son de forma inevitable, que es la máxima que la reacción ha impuesto a las sociedades europeas. La gran mentira que, al creerla todo el mundo se ha convertido en verdad, es que las cosas son así y no pueden ser de otra manera. Las cosas son así porque algunos lo han querido y el resto lo hemos consentido, no porque tengan que ser así, necesariamente.
Ahora sabemos por qué en Chile fracasó la democracia y se impuso el régimen "franquista" de Augusto Pinochet. No porque fuera inevitable, sino porque algunas personas poderosas como Henry Kissinger y la Coca-cola (la chispa de la vida), movieron sus hilos junto con los ejecutivos de las corporaciones americanas que estaban interesados en evitar que un gobierno de izquierdas les nacionalizara sus beneficios. De la misma manera se evitó a toda costa que en Europa (Italia) hubiera un gobierno de izquierdas no controlable por la CIA (P.C.I.). A raíz de todos esos movimientos maquiavélicos hemos llegado a ver cosas increíbles, como un personaje de la calaña de Berlusconi gobernar un país como ése. Todos estos hechos son constatables porque se han descalificado papeles de la C.I.A. en los que se demuestra que la agencia era quien promovía todos estos movimientos en el tablero de ajedrez que tan bien controlaba el Premio Nobel de la Paz, Mr. Kissinger.

Mahler

La cantidad de cosas que suceden en una sinfonía de Mahler. Alguien dijo que la sinfonía en música era como la novela en literatura. La tercera sinfonía tiene movimientos que son auténticas sinfonías en sí, y si no qué decir de un primer movimiento que dura más de media hora y tras el cual, en muchas ocasiones, se hace un pequeño descanso. Los dos temas de este movimiento no pueden ser más contrastantes. Después, un minueto y un scherzo que son cada uno un mundo llevan hasta los tres temas finales que son lentos: sehr langsam minsterioso, un pieza para contralto, lustig in tempo, con un coro infantil y langsam, un larguísimo adagio de más de veinte minutos que se desarrolla de forma parecida a una fuga hasta que llega a unos extremos de gran tensión y que resuelve en una especie de cadencia de más siete minutos.

My generation

Pertenezco a la generación posterior al mayo del 68, la que tuvo que hacer la transición en España. No la de los "Padres de la Constitución" sino la de los jóvenes que nos las teníamos que ver todos los días en la calle con el franquismo. Fuimos el punto de ruptura con los "progres" marxistas pues nuestro ideario estaba ya en otros referentes. Nosotros no jugamos a la "revolución cultural" china, lo nuestro era un cierto tipo de anarquismo pacifista y algo descafeinado. Como en España había bastante atraso respecto al resto de Europa el 68 llegó aquí a mediados de los setenta y tuvo mucho que ver en ese amanecer libertario la publicación Ajoblanco que apareció por entonces en Barcelona. José Ribas, que fue el impulsor de la revista, ha publicado ahora un libro sobre todo aquello que se titula "Los setenta a destajo". En realidad la revista tenía por objeto decirnos que literatura debíamos leer, que películas había que ver y que música había que oír, pero fue la primera que tuvo una línea política similar a la que seguíamos entonces y, con sus muchos defectos, nos ayudó a conocer muchas cosas que no estaban en el ambiente cultural creado por los "progres" marxistas, ni desde el luego por la oficialidad franquista.
Resulta curioso observar como asimilábamos los defectos de la educación imperante en aquellos años a pesar de estar en las antípodas del régimen. Por ejemplo el dogmatismo que se desprende de lo que acabo de comentar: Ajoblanco daba a conocer la música que hacían entonces Pau Riba, Sisa y la Companyia Eléctrica Dharma, pero apenas ninguna otra más. No parece que la música experimental, el jazz o el flamenco, por poner tres ejemplos, tuvieran el más mínimo interés para José Ribas y por lo tanto desaparecieron de la Biblia libertaria del post-hippismo ibérico. Pero no era José Ribas el único que creaba mitos de forma tan arbitraria y no era España el único sitio donde las cosas eran así. El rock internacional se había cimentado sobre músicos como Eric Clapton, músicos que eran considerados los líderes de una nueva música tan innovadora como jamás se hubiera conocido, en una época en la que en Londres ponían en las pintadas de los muros: "Clapton is God". Esa forma de interpretar los blues creó músicas muy interesantes (oígase el LP Fresh Cream), pero no era más que una evolución muy parecida a la que entonces estaban llevando a cabo músicos como B.B. King, una nueva generación de bluesman a los que nadie hubiera comparado con Dios y que, por cierto, hacían un blues más auténtico pues formaba parte de una tradición que, al tiempo, se renovaba no menos que la música de aquellos guitarristas ingleses, y seguro que Clapton se quitaba el gorro cuando los escuchaba. De manera que, además de dogmáticos, éramos arbitrarios. Dice en su libro José Ribas que las bases americanas habían permitido la difusión de la nueva música rock mediante las emisoras FM que utilizaban los militares, llegando a calificar a los soldados allí destinados para defender el imperio, (en aquella época del ataque comunista, al igual que ahora nos defienden del ataque sarraceno), llega a denominarlos, digo, como adelantados de la contracultura, o algo así. No creo que Ribas y Ajoblanco estuvieran en la nómina de la CIA, como lo estaba gran parte de la elite cultural no marxista de entonces, pero esa forma de analizar los hechos culturales (y a veces también los políticos) era de lo más infantil. Recuerdo que los hippies de mi barrio sentían cierta admiración por un legionario por el mero hecho de que, siguiendo la tradición de ese cuerpo, era un gran fumador de cannabis, y más que fumador, realmente camello de la zona: ¡un individuo que se había alistado voluntario en los cuerpos de elite del ejercito franquista y que no dudaría en dispararnos si el ejercito salía a la calle para acabar con la rebelión permanente que manteníamos contra el régimen!.

Izquierda, derecha, son conceptos ambiguos, lo sé, pero aún así siempre me he considerado de izquierdas, no entiendo un movimiento libertario del tipo que sea, en la derecha, sino más bien en la verdadera vanguardia no dogmática de la izquierda. Pero esto que a mí me parece obvio no siempre se ha entendido así, fundamentalmente porque hay ciertas personas que se acercan al movimiento libertario porque por provenir familiarmente de lo más alto de la burguesía tienen reparos en hacer el camino con la izquierda marxista. Así lo reconoce José Ribas en su libro. No sé cual será la situación actual del autor, aún no he terminado las 600 páginas de su libro, pero sí sé que hay muchos que desde el movimiento libertario han terminado en la derecha, empezando por aquellos sindicalistas de la CNT que se adhirieron al sindicato vertical franquista en los años 50. También están Luis Racionero, intelectual en nómina de aquel Ajoblanco que acabó de director de la Biblioteca Nacional con el gobierno de Aznar, Fernando Savater que con valentía se puso al frente de ¡Basta Ya! pero al que veo muy cerca de las tesis de Rajoy últimamente, me refiero incluso a personajes como Fernando Sanchez Dragó, que se ha definido a menudo como libertario, aunque eso sí, católico y conservador, todos ellos números uno de los mejores colegios de pago de España.

Africa

"Africa is also the joy of livings, optimism, beauty, elegance, grace, poetry, softness, the sun and nature. Let's be happy to be its sons and fight to build our happiness." Salif Keita.

Si tuviera que elegir un disco de la nueva música africana eligiría Moffou, de Salif Keita, del 2002, porque combina la mejor música popular de África con la mejor de Europa: los arreglos están lejos de esas monsergas electrónicas de Peter Gabriel y compañía para Youssou N’Dour. Junto a instrumentos electrónicos, se pueden escuchar muchos de los tradicionales instrumentos mandinga de Malí y las voces femeninas que contestan antifonalmente los cantes de Keita. Las producciones de Keita han contado con asesores de la categoría de Joseph Zawinull (Weather Report) y suelen ser de las mejores que se pueden encontrar en la nueva música africana. En Moffou, producido por Jean Lamoot, cuenta con colaboraciones como la de Cesaria Évora, la voz estrella de Cavo Verde, el guitarrista de Guinea Djelly Moussa Kouyaté, la guitarra acústica de Kanté Manfila, Benoît Urbain en la harmónica, la percusión de Arnaud Devos y Mino Cinelu y las flautas de David Aubaile. En los instrumentos tradicionales están Mamadou Kone, Adama Kouyate, Souleyman Doumbia y Drissa Bakayokothe, los laúdes de Jean-Louis Solans y Mehdi Haddad (Ekova) y el n’goni de Sayon Sissoko y Harouna Samake.

La historia personal de Salif Keita también es interesante. Descendiente del rey que fundó el reino de Malí en el siglo XIII, fue rechazado por su padre por haber nacido albino. En la cultura malinesa los albinos dan mala suerte y pertenecen a una casta inferior. Por otra parte, puesto que los músicos son sirvientes de las castas nobles y los hijos de éstas no pueden tocar música, la rebeldía del joven Salif Keita le llevó a interesarse por este arte y vengar la maldición que se le impuso, triunfando primero en Malí, después en Francia, EE. UU. y todo el mundo.

Africa

Por fin ayer estuve en África. Bueno, en realidad África estuvo aquí. El pasado día 2 de julio me quejaba de la poca conjunción existente entre músicos inmigrados y locales, pues, afortunadamente, he vuelto a equivocarme. Ayer pude disfrutar de un concierto de música africana en una terraza veraniega junto al río de un músico de Guinea Conakry que tocaba la kora acompañado por dos percusionistas españoles que tocaban el balafón (marimba). Muy buenos.

Leo en una entrevista a Youssou N’Dour en El Pais Semanal que José Saramago y Juan Goytisolo han propuesto la creación de un G-8 entre los países más pobres de la Tierra. Espero que lo lleven a cabo y que la prensa occidental haga el mismo seguimiento que hace al G-8 de los empresarios. Menos mal que aún quedan jóvenes rebeldes como estos dos grandes novelistas.

En cuanto al propio N’Dour, diré que nunca ha sido de los músicos africanos que más me han interesado, creo que su música está muy mediatizada por los productores occidentales. En cuanto a sus posturas políticas me parecen razonables. Lo que no sé es si no se estará postulando para presidir Senegal, aunque él lo niegue. Por cierto, N’Dour también habla de que en África, además de mucha pobreza y muchos problemas, hay un enorme potencial de alegría, como referíamos aquí al hablar de Richard Bona. Propondremos a N’Dour que cree una ONG en su país destinada a llevar un poco de alegría de Senegal a Europa, a la vieja y seria Europa.

Aquí una dirección para iniciarse en la música africana:

http://www.ikuska.com/Africa/Etnologia/musica.htm

Mahler - Abbado

La música de Gustav Mahler tiene unas cualidades que van más allá de lo que a simple vista parece ofrecer. En apariencia se trata de una música romántica, un continuador de la tradición basada en el sistema armónico y en la variación temática y motívica. Pero esto no es así. Ya lo entendió en su día T.W. Adorno que dedicó un libro al compositor. En primer lugar, la música romántica en Mahler es traída como el clasicismo en Stravinsky, como algo que se parodia, que se utiliza, pero fuera de su contexto armónico. No se trata de crear resoluciones de tensiones armónicas, Mahler juega con la forma sin proponerse el eterno juego de tónica y dominante. Además era un gran orquestador, al tiempo que un gran director, por lo que en su música es importante el sonido, el timbre, como no lo había sido en ningún músico alemán de los que se suele considerar continuador. A pesar de que su música pueda considerarse antigua, a poco que escuchemos nos damos cuenta de que nunca transita por "lugares comunes". Eso es lo que uno, de forma muy personal y sin ánimo de ofender, detesta de Bruckner e incluso de Brahms. Mahler es siempre imprevisible, nunca está haciendo lo que se debe de hacer, sino lo que quiere hacer en cada momento. A mí me parece un antecedente de Stravinsky (y de Frank Zapppa). Mahler se reinventa a sí mismo constantemente. Cuando se termina de escuchar una de sus sinfonías uno puede pensar que tiene una cierta idea de lo que es Mahler como compositor, pero en la siguiente obra las expectativas se transforman y se llega a la conclusión de que el lenguaje que utiliza es nuevo.
Estoy escuchando versiones de las sinfonías de Mahler por Abbado. Es difícil "leer" las intenciones del autor en las partituras de Mahler. Por eso las versiones que escuchamos llegan a ser tan diferentes. Uno tiene su referente de la Primera en Giorg Solti. Un director brillante y atento al sonido de la orquesta y a los diferentes matices que se van sucediendo, con detalle minucioso. Claudio Abbado parece que se dejara cosas en el tintero cuando uno escucha su versión con la de Solti en la cabeza, aunque es capaz de sacar mucha belleza de su Primera, quizás una lectura más de conjunto.
En la Segunda Sinfonía (Resurrección) hay que huir de las interpretaciones hermenéuticas, (del programa) y escuchar la música y los cantantes en esta maravillosa sinfonía coral.

La alegría que vino de África

Cuenta Richard Bona, que cuando era niño solía permanecer llorando durante horas sin un motivo aparente y que solo paraba de llorar cuando los músicos llegaban a su aldea y empezaban a tocar sus instrumentos. Richard Bona es un excelente músico camerunés, un auténtico descubrimiento en el bajo eléctrico. Dicen que es capaz de tocar cualquier instrumento a poco que observe la forma en que funciona. También cuentan que decidió ser bajista la primera vez que escuchó a Jaco Pastorius.
No sé si todo esto es verdad o si serán de esas cosas que los publicistas aconsejan decir a los músicos en promoción, pero lo que sí puedo asegurar es que a mí me pasa lo mismo: a veces no paro de llorar hasta que escucho a Richard Bona. También dicen los publicistas que es "el Sting negro", aunque igual podría decirse que Sting es "el Richard Bona blanco"
Richard Bona es probablemente el mejor bajista del mundo en los ámbitos del jazz y aledaños. Así lo piensan también músicos como Joe Zawinul, Larry Corryel, Pat Meheny, Mike Stern y muchos otros, que han contado con él como bajista.
En sus discos Richard Bona logra una fusión (no demasiado estridente) entre el jazz, la música pop-rock y la música africana. Fundamentalmente transmite una sensación de profunda alegría. La alegría que vino de un país tan destrozado como el Camerún. Es paradójico que un continente con tantas dificultades nos devuelva la alegría de la música.

Las secuencias de Luciano Berio

Las piezas de Luciano Berio (1925-2003) denominadas Sequenza son catorce piezas dedicadas, cada una de ellas, a un instrumento solista. En una época tan dada al análisis y la teoría como fue la segunda mitad del siglo XX, la obra de Berio se presenta como una forma de analizar la música mediante la composición y las distintas formas en collage, sin embargo estas sequenzas son obras en las que el autor se centra en explorar al máximo las cualidades propias de cada instrumento. Este enfoque ha sido propio de músicas basadas en la interpretación, como por ejemplo en el jazz. Los músicos de jazz, como los de flamenco, lo que hicieron, (en síntesis), fue interpretar la música propia de sus ambientes pero con una visión personal. En estas músicas la importancia está en la interpretación, no en la composición: lo importante no es lo que toques, sino como lo toques. Lo novedoso en Berio es que este autor lo hace desde la composición, no como intérprete. Para ello exige que los músicos que lo interpretan sean auténticos virtuosos del instrumento y ejecutantes inteligentes.
La primera sequenza para flauta nos trae recuerdos de la música a solo de un Eric Dolphy, el músico de jazz desaparecido en 1964 a los 36 años que había sido el primero en superar los esquemas del bop en la flauta mediante un free-jazz basado en una interpretación desligada de la tonalidad y centrada en la propia interpretación y el sonido. La segunda, sequenza, para arpa, requiere el uso de todos los recursos del instrumento, utilizando diversas formas de rasgueo y pizzicatos. La sequenza para voz es una investigación de la voz humana, del timbre, el ritmo, etc, más allá de lo que ha popularizado recientemente el cantante americano Boby McFerrin.
Estas obras de Berio son una indagación sobre el lenguaje musical, un tema, (el del lenguaje), que, junto a su amigo Umberto Eco ha sido un punto fundamental de su investigación.

Vuelve Keith Jarrett

Keith Jarrett nunca debió grabar cosas como el "Wohltemperierte Klavier" de Bach o los 24 preludios y fugas op. 87 de Schostakovich. La gran carrera de este pianista de Jazz y los muchos triunfos que había obtenido con ella, así como la completa formación como pianista que había recibido en sus años de estudio, le hicieron creer que podía ser capaz de hacer unas versiones interesantes de estas obras del canon clásico de los pianistas, pero no fue así. Creo que lo peor no fue que le criticasen este o aquel aspecto de su interpretación, lo peor fue que pasaron desapercibidos para el mundo de las grabaciones de la música clásica y eso debió ser un golpe terrible para su ego. Zapatero a tus zapatos (y no hablo de política). La técnica del pianista clásico está hecha de horas y horas de entrenamiento en la ejecución de las piezas para que cuando ya estén aprendidas (después de muchos años) empiece a salir la creación del intérprete, una espontaneidad que viene del estudio. La técnica del Jazz está hecha de horas de interpretación pero centradas fundamentalmente en la improvisación, y eso es lo que no debería haber dejado Keith Jarrett, no porque no esté bien salirse de los caminos de cada uno, sino porque en eso no podía competir con los interpretes que venían trabajando en ese campo de toda la vida. Y lo digo porque creo que las consecuencias personales fueron terribles. He leído noticias sobre una extraña enfermedad que ha padecido el pianista posterior a estos fracasos que le sumieron en una profunda depresión y es por esto por lo que digo que no debía haberse embarcado en esa experiencia. Afortunadamente, parece que las enfermedades del músico están superadas y ha reaparecido con nuevos discos y giras de conciertos. Me alegro que así sea. Habrá que volver a escucharle en estos nuevos trabajos y disfrutar de sus improvisaciones en piano solo o con el trío que forma con Jack DeJohnette y Gary Peacock.

El Riff

Hey, hey, mama, said the way you move

Gonna make you sweat, gonna make you groove.

El riff que sigue a estos versos de Led Zeppelin es uno de los más impactantes que se han tocado en una guitarra. De hecho Jimmi Page era un guitarrista que venía de los Yardbirds, el grupo mítico del blues inglés de los sesenta. Eric Clapton, Jeff Beck, todos esos jóvenes músicos ingleses crearon un estilo a partir de la música de los negros sureños de los EE.UU., por lo tanto una música que nada tenía que ver con su tradición, un origen importado de un suelo extraño al suyo. A partir de ahí evolucionó el rock, al tiempo que lo hacía en América de manos de los Buffalo Springfield y grupos parecidos. Curioso episodio de transculturación éste. Porque incluso para los norteamericanos estas músicas de negros eran algo muy extraño a sus tradiciones. Una generación antes, a los negros que cantaban blues en el sur del país los colgaban de los árboles en cuanto se descuidaban. Así que aquella mezcolanza tan enriquecedora de los años sesenta fue algo muy distinto al panorama actual donde tan pocas relaciones se establecen, por ejemplo, entre la inmigración y los músicos europeos, salvo honrosas excepciones.

El Fary

Cuando yo era joven, que ya ha llovido, en España triunfaba el casticismo garbancero y nuestra generación se levantó contra esa imposición de la sociedad cutre en que vivíamos. Por eso, mi "memoria sentimental" está más cerca de Bob Dylan que de "la Faraona". Luego las cosas dieron muchas vueltas y pasé a creer en la música como obra de arte "absoluta", desconfiando de las creaciones fáciles y rutinarias y de toda la música popular, pop y ligera. Recientemente he dejado de creer en las mistificacines del positivismo antiguo sobre lo que es bueno y lo que es malo. A fecha de hoy no sé lo que es bueno y lo que es malo, lo que sí se es que la música es algo que va de uno que la crea a un público que la escucha y que la recepción de la música es una parte fundamental del hecho musical. Todo esto viene a cuento porque se ha muerto el Fary que le gustaba a mucha gente. Personalmente soy un tío tan aburrido que me molesta la diversión, los bailes populares, las ferias y fiestas, las tómbolas, los casinos y casi todos los sitios destinados a que la gente se divierta. Debe ser por eso que no me he divertido nunca con el Fary, pero la mayoría de los mortales sí, así que algo tendrá el agua cuando la bendicen. No creo que uno sea un snob solamente por esto, hay cosas muy "horteras" que me gustan.
Aparte de su música, lo que nadie duda es que el Fary era un buen tipo, (ver los comentarios personales de la página definitiva):
http://www.lapaginadefinitiva.com/dbactualidad/actualidades/84

Steve Reich

Escribimos sobre todas las músicas por un principio metodológico que es en realidad una forma de entender el mundo.
Steve Reich refiere, para indicar que había recibido una educación clásica, que había "crecido con los favoritos de la clase media". Quería decir que la música europea de 1780 a 1900 no era sino el reflejo de una clase social, de un tiempo, de un lugar, según una interpretación etnomusicológica que él estaba interesado en superar. En su fase formativa, Steve Reich, además de una formación clásica de pianista y universitaria de filósofo, estudió en la Julliard School of Music coincidiendo con Philip Glass y después en San Francisco (Mills Collage de Oakland) porque enseñaban allí Darius Millaud y Luciano Berio. Por entonces se relacionaba más con artistas plásticos minimalistas que con los músicos con los que se había educado, con la excepción de Philip Glass que seguía un camino parecido. Trabajó con varios músicos de los que formarían la mítica banda de rock Grateful Death, así como con músicos de jazz, era admirador de Miles Davis (que también estudió en la Julliard), Charlie Parker y Kenny Clark. Empezó en el grupo del músico minimalista de Terry Realy y fundó una banda de jazz con un amigo pianista, razón por la que eligió trabajar con la percusión. Estudió percusión en Ghana, con un maestro local y en EE.UU. las músicas balinesas gracias al experto etnomusicólogo canadiense Colin Mcphee, así como la música de otros paises de oriente. Posteriormente ha grabado con intérpretes como el guitarrista de jazz Pat Metheny en Trains o ha realizado experimentos sonoros más propios del grupo Fluxus. Finalmente se ha movido en busca de una identidad mediante experiencias musicales con los textos de la tradición hebrea.
Si los autores europeos como Zimmermann o Maxwell Davies son capaces de relacionarse con otras músicas, la forma en que lo hacen los americanos está más lejos de los prejuicios que distinguen música popular de música seria en Europa.

Bern Alois Zimmermann

He escuchado el concierto para trompeta y orquesta de Bern Alois Zimmermann “Nobody knows the trouble I see”. A continuación he buscado más información en Internet y me he encontrado con que este señor se suicidó al cumplir los cincuenta y dos años, que es una edad como para estar de vuelta de todo. (La casualidad ha hecho que mañana cumpla yo esa edad, pero quiero tranquiizar desde aquí a los miles de lectores de este blog de que no voy a seguir a Zimmermann por ese camino). Me ha recordado al Art Ensemble de Chicago y sobre todo a la trompeta de Lester Bowie, con su sonido tan original. Creo que éstos llegaron más lejos que el maestro alemán, aunque también hay que decir que le sobrevivieron. Es una opinión. NO. (No es que llegaran más lejos, es que venían de un territorio más alejado de la tradición europea).

Ahora voy a escuchar Di Soldaten. Ya veremos.

Batallas del abuelo

Aún adolescente acababa de ingresar en una universidad, la politécnica de Madrid, que más bien parecía un campo de batalla. Los numerosos policías patrullaban por las desiertas avenidas montados a caballo, con unas porras muy largas y todos los edificios del campus estaban repletos de soflamas que llamaban a la revuelta contra la vieja dictadura que se había vuelto más insoportable precisamente porque había agotado todas las posibilidades de sobrevivir y su cansancio nos caía encima como una losa.

Una mañana de primavera nos enteramos de que todas las emisoras del vecino país se habían confabulado contra su dictador llamando a la rebelión al pueblo y al ejercito mediante la contraseña de una canción popular que un tal Xosé Alfonso había compuesto para la ocasión: Grandola vila morena, terra do fraternidade…

Hace poco pude satisfacer una vieja aspiración y, por fin, conocer la hermosa ciudad de Coimbra. Admirando las piedras veteranas de la Sé Velha, subí la escalinata que da a la portada Oeste y me encontré súbitamente con un retrato conocido en una pared de una casa frente a la catedral.

Abejarucos

Este blog de todas las músicas, sigue la senda marcada por Oliver Messiaen y promueve la escucha del canto de las aves tanto o más que promueve la escucha de los cantos de Anne Sofie von Otter o Estrella Morente.

Por eso nos indignamos con noticias como la que apareció el verano pasado en La Mañana de Lleida, http://www.lamanyana.es/web/html/lanoticia.html?id=57774&seccio=Comarcas&fecha=2006-03-08&sortida=03:00:00 en la que los apicultores pedían "disminuir" las poblaciones de abejarucos para impedir que estos se coman las abejas (como vienen haciendo desde hace millones de años) y evitar así la disminución que se aprecia en el número de individuos de las colmenas.
Los abejarucos se van en otoño a Africa y vuelven por primavera a España. Esta temporada, cuando han vuelto, hemos sabido que el problema de las abejas reside en la interferencia que produce en sus sistemas naturales de navegación las ondas electromagnéticas de las antenas de telefonía móvil que han llenado nuestros espacios naturales. No he oído a los apicultores pedir el desmontaje de las antenas.
Desde "todas las músicas" proponemos salir al campo, apagar los teléfonos móviles y disfrutar con el vuelo y el canto de las aves.
(Los abejarucos se encuentran en toda la Península Ibérica, en zonas próximas a ríos, donde excavan sus nidos en unas pequeñas cuevas que construyen en las paredes verticales de sus cauces. Son posiblemente los pájaros con colores más hermosos de entre los que podemos disfrutar por estos lares).

Arnold Schoenberg

Soy un viajero trotamundos. Viajo así porque soy pobre, si no, tal vez viajaría como esos viajeros ingleses de finales del siglo XIX y principios del XX que se iban a pasar medio año a Florencia para conocerla bien, como en la novela de E.M. Foster "Una habitación con vistas". También porque odio volar en avión, así que mi forma de viajar consiste en coger una caravana y salir a recorrer Europa siempre que tengo ocasión. En estos viajes lo que más me han gustado ha sido posiblemente Alemania, sus ciudades tan ordenadas y cuidadas, su patrimonio arquitectónico tan pulcramente restaurado, su sentido "ciudadano" que le ha llevado a peatonalizar los centros de las ciudades, su respeto por el medio ambiente, ya de vuelta de la época de la industrialización salvaje, su aprecio por la cultura y su forma serena de disfrutar de la música. Quiero decir con toda esta perorata que no soy de ninguna manera germanófobo, sino que por el contrario más bien podría definirme como germanófilo y, desde luego, no soy de los que piensan que todos los alemanes son nazis, (aunque la mayoría de sus abuelos lo fueran), pues no creo que la culpa sea hereditaria.
Pues bien, a pesar de ese aprecio por lo germánico (excluido el extremismo nacionalista que llegaron a desarrollar), tengo una cierta animadversión por la música alemana del romanticismo que no soy capaz de superar. Me gusta Beethoven, aún en épocas en que no está de moda como ahora, me gusta Schubert y algo de Schumann, pero a partir de ahí, esa insistencia en el trabajo temático y el desarrollo de las progresiones armónicas me resulta cansado en Brahms y sobre todo en Bruckner. Para mí la música alemana recibe un soplo de aire nuevo primero de Wagener y después de Arnold Schoenberg (precisamente un judío, ¡qué paradoja!).
De Arnold Schoenberg existe una página en internet que es una auténtica maravilla, se trata de www.schoenberg.at . Con una entrada en inglés, se puede decir que tiene todo sobre el autor. Se puede escuchar directamente toda su obra, que está perfectamente catalogada por número de opus y por fechas. Además cada pieza ofrece entradas entre las que suele encontrarse comentarios del propio autor, análisis, referencias sobre su composición, etc. Una auténtica maravilla.

POBRE BLOG

¡Qué abandono, el que sufre este blog!. ¿Para qué empezarlo si luego se deja de la mano de Dios?. Esto es como tener niños, cuando los tienes adquieres responsabilidades, tienes que ocuparte de mantenerlos todos los días. Es una obligación. El problema es que con tantas obligaciones ya no sabe uno hacia donde mirar.

Lieder y Melodies

Si la música de los lieder puede ser un descubrimiento para el oyente actual, ya que se trata (no lo olvidemos) de géneros que tuvieron su época y que ahora están fuera de la moda, ya que existe una ingente cantidad de música popular que ha venido a sustituirlos, este género fuera de las culturas germánicas es más extraño aún. Eso es lo que pasa con los que escribió el francés Berlioz en la primera mitad del siglo XIX y que el llamaba “melodies”, tal vez por la similitud fonética con lied. Una buena forma de descubrir estas canciones es a través de la grabación que hizo para la Deutsche Grammophon la soprano Anne Sofie von Otter con el pianista Cord Garben y el respaldo magnífico de la Berliner Philharmoniker dirigida por el norteamericano James Levine, el famoso director musical del MET.

Rito y Geografía del Cante

a mi me gusta saborear la hierba la hierba buena un cante por soleá y una voz quebrá y serena.

Para sobreponernos a las desdichas no hay nada como una voz quebrá y serena que nos cante por soleá. Para eso hay un gran "invento" que está en el mercado en forma de una colección de libritos con DVD y que es la colección de "Rito y Geografía del Cante" que dirige Jose María Velazquez-Gaztelu, poeta y flamencólogo, basada en los programas que TVE emitió nada menos que al principio de los años setenta. Por cierto, uno tiene recuerdos de la infancia de magníficos programas de televisión. Recuerdo haber visto en la tele un concierto de cierto grupo de jazz que hacía una música extraña y que con el paso de los años descubrí que había sido la big band de Charles Mingus. También recuerdo los programas didácticos de Leonard Bernstein, toda una maravilla. El maestro explicando los pasajes de alguna pieza con una orquesta que hacía sonar de cuando en cuando para ilustrar algún elemento de su exposición. Una maravilla. El otro día pusieron (debió ser en la 2) una cosa de ese tipo: era el Buenavista Social Club, la película reportaje de Win Wenders, con Ry Cooder y toda la marcha de La Habana. Por cierto, no sé que demonios pintaba el Ry Cooder en medio de todo aquello. Bueno, pintaba que puso los dólares para hacer la película.

Desgraciadamente el oficio de redactor de necrológicas (¿se dirá necorólogo?) no acaba con el año nuevo. Si en Navidad murió James Brown, ayer desapareció Alice Coltrane, la que fuera mujer del genial saxofonista hasta su muerte, y el sábado el saxofonista Michael Brecker. El trabajo de necrólogo me tiene abrumado. No tiene fin: es un trabajo infinito.

Say it loud: I’m black and I’m proud.
James Brown fue el más famoso de los tres y el que más ha influido en las generaciones posteriores de músicos pop, especialmente en el rap y el hip-hop. Para algunos pasará a la historia por haber cometido atracos en su juventud, haber sido detenido por posesión de drogas y cosas de ese estilo. Mientras haya personas tan interesadas en la defensa de la moralidad seguirá habiendo delincuentes como James Brown que no tuvo ni la oportunidad de ir al colegio en su infancia. (Cosa que no preocupó demasiado a esos moralistas en su momento).

A love supreme
Alice Coltrane no pasó de ser una música discreta si la comparamos con Mcoy Tyner, (el que fuera eterno pianista del grupo), aunque tal vez influyó en el sonido del último John Coltrane, haciéndolo más experimental, abierto a múltiples influencias incluida la espiritualidad budista.

Michael Brecker
Más próximo a mi generación, he conocido su carrera casi desde los comienzos. Sus primeras grabaciones (con su hermano Randy en los Brecker Brothers) las conocí después, pero los discos de los Steps Ahead, al principio de los ochenta los compraba según se iban editando. Le recuerdo en esta banda de "treintañeros" junto con Mike Manieri al vibráfono, Peter Erskine a la batería, el contrabajo de Eddie Gomez y la encantadora pianista brasileña Elliane Elias, todos ellos tan discretamente glamurosos como su música. Después fue el saxofonista oficial de tantas grabaciones en el jazz o en el pop. Le he visto en actuaciones (en DVD) con Joni Mitchel, con Pat Metheny, con Chick Corea y tantos otros, que era ya como de la familia. Una pérdida.

TCHAIKOVSKY SINFONICO.

La música rap es interesante por cuanto que se propone explorar los argumentos rítmicos que existen en la base de percusión de un tema pop. El problema está en que para centrarse en esa exploración rítmica se olvida de asuntos como la melodía y la armonía y se convierte en una música, hasta cierto punto, aburrida. Algo así me parece que ocurre con los grandes sinfonistas de la segunda mitad del XIX, a fuerza de explorar la armonía y las posibilidades expresivas de la modulación se olvidan de los demás aspectos de la música. (Pero qué está diciendo este tío…). Si uno escucha a papá Brahms, al abuelo Bruckner y otros autores de la época (fundamentalmente del área germánica, aunque también se puede hablar del belga Cesar Frank), uno tiene la impresión de que se ha quedado como estaba, de que no se enterado de lo que pasa, o de que, realmente, es que no pasa nada.
Basta escuchar a Tchaikovsky para salir del aburrimiento que estas músicas producen. En Tchaikovsky existe la misma estructura formal, la sacrosanta forma sonata, su complejidad armónica y estructural es similar a la de sus coetáneos, pero a diferencia de éstos en el ruso hay otras muchas cosas. Hay una melodía “cantábile” y hay una expresión romántica de sensaciones dramáticas o placenteras, sensaciones humanas, más allá del placer que los Dioses encuentran en jugar con las tonalidades. Sin embargo no corren buenos tiempos para el Señor Piotr Illich, la crítica actual considera a su música autocomplaciente. ¿Por qué? Se pregunta uno. Muy sencillo, porque al Señor Piotr Illich le gustaban los muchachos en lugar de las señoras de Moscú que tanto aplaudían sus obras y parece ser que los sesudos estudiosos de la música de esta época han decidido que la música de este “mariquita” no está a la altura de los grandes maestros, porque es autocomplaciente. ¿Y que es esto de autocomplaciente?. Según la Real Academia de la Lengua: autocomplaciente. 1. adj. Satisfecho, indulgente y poco crítico consigo mismo. Supongo que se refiere al tópico que establece que los homosexuales no tienen el carácter que le es propio al varón. Que los homosexuales trabajen en liquidar los prejuicios que los maltratan, que yo solamente daré mi opinión sobre la cuestión de la música de Tchaikovsky.
Si uno escucha la sexta sinfonía del ruso, la mal llamada “patética”, encontrará momentos de una fuerza expresiva propios del héroe que fuera el maestro de todos los maestros sinfonistas, del genio de Bohn. La entrada de la sección de desarrollo del primer tema, que te deja pegado a la silla, la culminación dramática de la reexposición de ese mismo tema, son momento de una hondura y un carácter sobrecogedores, contrastados con el lirismo del segundo tema. ¿Por qué se menosprecia esta música como carente de energía?.

Gustav Klimt y Beethoven

La fundación Juan March ofrece en Madrid una interesante exposición sobre Gustav Klimt, el famoso pintor vienés de principios del siglo XX. El plato fuerte de la exposición es el llamado "Friso Beethoven", donde el pintor pretende representar simbólicamente el cuarto movimiento de la Novena Sinfonía basado en el Himno a la Alegría de Schiller. La visita es aconsejable por dos motivos. En primer lugar porque se puede ver el famoso friso a la altura de los ojos y no elevado, que es como está colocado en Viena. En segundo lugar, porque las acertadas explicaciones con que se presenta desentrañan los muchos simbolismos de la pintura. Es pues una ocasión que no hay que dejar pasar si se está en Madrid y que muestra de forma muy evidente las múltiples relaciones entre las artes que el concepto de "obra de arte total" (Gesamtkunstwerk), propugnaba en la época.

Cuentamé

¿Qué es la música?. Personalmente no tengo ni idea, (ahora mismo no tengo fuerzas para intentar una definición coherente). Lo que sí sé es que la música son muchas cosas y además, es portadora de otras muchas. Hay por ahí una recopilación de música popular de los "setenta" que se llama "cuéntame" que son unos 30 CDs de canciones populares de aquellos años que incluyen las canciones del verano de los Diablos, de Fórmula V y cosas de ese tipo. Entre todo ello hay algunas canciones buenas, pero la mayoría no lo son, son las canciones que eran populares en su época, como esa de "saca el güisqui Chely" y cosas de esa índole. Sin embargo uno encuentra cierta satisfacción en escucharlas. Es el "sentiment inhòspit de l'enyor" que decía Jaume Sisa. La nostalgia es un sentimiento muy traicionero que las personas fuertes deben evitar a toda costa, pero no cabe duda de que, en ocasiones, nos dejamos llevar por estas cosas, porque estas músicas que, de por sí, no aportan grandes valores "musicales", nos transportan a situaciones vividas y casi olvidadas: "son aquellas pequeñas cosas, que nos dejó un tiempo de rosas...".

NEUJAHRSKONZERT

Esto de la televisión digital terrestre está muy bien. Conectando el sonido del aparato al equipo de música he podido escuchar el concierto de año nuevo con calidad de CD y me ha gustado. También me ha gustado la versión tan vienesa que ha hecho Zubin Mehta. No sé por qué ha de ser pecado tocar estas cosas con mucho rubatto si es así como se hacía en su época. Estas reducciones del tipo de: "soy historicista y por eso toco sin rubatto" no las entiendo. Está bien para tocar obras del barroco pero para tocar valses y polkas me parece una contradicción con el historicismo reivindicado. ¿Se pueden tocar tangos sin rubatto?.

Chick Corea (Spain)
Que uno sea un ecléctico no quiere decir que apruebe todo tipo de entreverado musical sin ningún juicio crítico. En la música que de forma tan extendida vino en llamarse de "fusión" es muy difícil determinar cuando estamos ante una experiencia sonora interesante o ante un bodrio o un pastiche. Chick Corea es un pianista extraordinario, con una técnica depurada, un improvisador nato y un músico creativo. Sus experiencias sonoras abarcan una multitud de formaciones, ya míticas, tanto en grupos "eléctricos" como "acústicos", pero una de las bases de su estilo musical es la fusión del jazz con la música española, o mejor debería decir hispana. Chick Corea tiene, como la mayoría de los norteamericanos, una visión "difusa" de lo que es España, visión que mezcla lo español con lo mejicano, con lo argentino o con lo peruano. Corea se siente ligado a la música española por ser californiano. Dado el pasado histórico de ese estado, que perteneció a Méjico, presupone que hay una cierta relación entre el Sunset Boulevard y el barrio de Santiago en Jerez de la Frontera. No tengo ni idea que raíces latinas (que no españolas) pudo haber habido en California, pero tengo la impresión de que Chick Corea tampoco. Tal vez Paco de Lucía sepa algo más sobre este tema y algún día nos lo cuente.

RONDÓ A LA TURCA
(O en su defecto A LA RUMANA).

Postal de Navidad para felicitar las fiestas.

No soy patriota. No lo he sido nunca, en realidad soy apátrida convencido (ciudadano del mundo se dice) y veo el sentimiento nacionalista como una peligrosa forma de disgregar las sociedades. Pero estoy rodeado de españoles por todas partes. A estos españoles que me rodean y que tanto les preocupa el buen nombre de la patria cuando esa panda de inútiles millonarios que forman la selección nacional de fútbol tienen que defenderla frente a las agresiones (deportivas) de las potencias mundiales, les pregunto si no les da vergüenza noticias como la que aparece en la prensa local y que habla de un número importante de extranjeros que viven en condiciones de abandono a pocos kilómetros de mi casa alojados en campamentos, con los niños sin escolarizar y sin medicinas.

No soy cristiano. Lo fui de niño pero dejé de serlo gracias a que mis padres me llevaron (al final ya de mis estudios) a un colegio religioso. No tengo creencia trascendente alguna y veo el sentimiento religioso como una peligrosa forma de disgregar las sociedades. Pero estoy rodeado de católicos por todas partes. De estos católicos que van a manifestaciones porque dicen que el gobierno les ataca la libertad religiosa, (es verdad que hace meses que debieron llegar a acuerdos de financiación y ya no dicen esta boca es mía). A estos católicos que se manifiestan contra las negociaciones con los terroristas les pregunto si no les da vergüenza noticias como la que aparece en la prensa local y que habla de un número importante de extranjeros que viven en condiciones de abandono a pocos kilómetros de mi casa alojados en campamentos, con los niños sin escolarizar y sin medicinas.

No soy activista. Siempre he sido un pelín pequeño-burgués como decían mis amigos de izquierdas hace siglos. A parte de por comodidad, no soy activista porque no creo ni en esas disciplinas salvadoras que casi nos condenan al infierno de la historia, (peligrosa forma de disgregar las sociedades), ni en los visionarios de turno, que de eso nunca falta. Además me da pereza desembarazarme de tanto oportunista que se asoma a estas cosas. Pero a los activistas (y de paso a los oportunistas) les preguntaría si no les da vergüenza noticias como la que aparece en la prensa local y que habla de un número importante de extranjeros que viven en condiciones de abandono a pocos kilómetros de mi casa alojados en campamentos, con los niños sin escolarizar y sin medicinas.

El siglo XIX y la música de concierto.

Con la música del siglo XIX es difícil no caer en eurocentrismos, porque la importancia de la música culta europea en esa época es muy grande. ¿Por qué todavía nos influye tanto esa música que aún forma parte del repertorio habitual?. Es difícil decir lo que debe ser la música, pero en cualquier caso, la música responde a la sociedad que la crea y que la recibe y, en ese sentido, nuestra sociedad no debe ser muy diferente de la decimonónica si aún esta música está tan presente en nuestra vida. El carácter de música de la "burguesía ilustrada" que tiene ésta aún pervive en el entorno social del concierto y el mundo de la edición discográfica. Las formas de pensar la música que están ligadas a la del periodo, van siendo paulatinamente superadas pero aún presentan muchas resistencias, en especial en entornos conservadores. Personalmente pienso que la música del siglo XIX se debería dejar de considerar clásica y pasar a ser simplemente histórica, como lo es la música de Josquin, de Victoria, o de Hándel.
Evidentemente, el influjo que aún tienen los creadores de la ciencia musicológica, (la generación de Guido Adler y Hugo Riemann), influye en la pervivencia de esa forma de recepción de la música del periodo.
Parece que la música actual debe elegir entre tres caminos: - El rigor de la música "bien hecha" la de los grandes maestros como Beethoven, la que se estudia en los conservatorios. - La música "radicalmente nueva", la de las vanguardias que han tirado por los suelos todo vestigio de tradición y no solo se dedican a crear música sino que pretenden crear hasta los presupuestos sobre los que la música opera cada vez que componen una pieza. - La música popular, la que en realidad escucha todo el mundo, la que cualquiera puede entender, que está hecha con desechos de las otras músicas y cuya comercialización era tan buen negocio como construir apartamentos en la playa hasta que esto de Internet acabó con la gallina de los huevos de oro. En el futuro habrá que buscar una música que esté bien hecha, construida con rigor, que investigue en la creación de nuevas sonoridades y que pueda ser compartida por los destinatarios, sin descuidar ninguno de los tres aspectos y que se base en cierto grado de eclecticismo. Hay algunos ejemplos de músicas que van en esa dirección, seguro que cada uno conoce unos pocos.
El concepto de obra permanece aún anclado en los criterios decimonónicos, de forma parecida a lo que venimos comentando sobre el canon y la música de concierto. En la tradición culta europea que arranca a finales del XVIII y se consolida en el XIX, el concepto de obra se concreta en un texto que es la partitura. Lo que nos parece la forma habitual de hacer la música: compositor – intérprete – receptor; no es más que una creación un tanto "especial" de nuestra tradición. La música contemporánea, salvo algunas excepciones como John Cage y otros múisicos interesados en superar esta dinámica, han seguido trabajando con la misma concepción sobre la creación musical. De nuevo observamos una pervivencia en las formas de actuar que se vienen reproduciendo desde la época de la revolución francesa. La respuesta a todo esto es muy clara, (a mi entender), pues cada época y cada cultura tiene su música, y lo que aquí tenemos es una tradición musical que pertenece a una clase social que no es otra que la burguesía. La mentalidad burguesa ha promovido, por ejemplo, la división del trabajo y de ahí deriva la clara distinción que hacemos entre compositor, interprete, musicólogo, oyente, etc; distinciones que en otras culturas musicales (en casi todas) no existen, o al menos de forma tan contundente como existe en la nuestra. No estoy usando el concepto de burguesía en un sentido peyorativo, aunque el mero hecho de las clases (como de las castas en la India) es algo que no puede resultar simpático, pero hay que reconocer que los logros sociales de la burguesía ilustrada han sido de tal calibre que aún hoy conforman el mundo actual, tanto en la vida política como en la musical. Por eso el periodo tiene aún tanta vigencia en nuestro mundo musical.
Ningún arte debe ser para iniciados, eso es una barbaridad, aunque es una característica muy burguesa imitar a la aristocracia en pretender la exclusividad de las cosas selectas, cuando, en realidad, los objetos burgueses no tienen nada de selectos, pese a la apariencia con que se nos presentan, (un coche Mercedes no es un objeto selecto, es solo derroche, cualquiera puede ahorrar unos euros y comprárselo). Los postulados de la camerata Bardi fueron asumidos por la sociedad en pocos años, los de las vanguardias del siglo XX han cumplido casi cien años sin que el público mayoritario haya abandonado aún el siglo XIX, por tanto no es cuestión de tiempo. Me parece que la apreciación que tenemos por las grandes obras de la historia de la música no es objetiva, sino que es una apreciación subjetiva que se ha venido estableciendo por las opiniones (y estudios supuestamente objetivos) de los grandes maestros de la musicología que casualmente eran predominantemente alemanes justo hasta que ese país perdió la guerra y el mundo pasó a estar dominado por una superpotencia, siendo los musicólogos a partir de 1945 mayoritariamente norteamericanos. ¿Casualidades de la vida?. Más bien creo que la historia la escriben siempre los vencedores y por lo que se ve esto alcanza, no solo a la historia política, sino incluso a la de la música. Esta manipulación de quien hace la historia la podemos apreciar en muchos detalles, como por ejemplo la poca importancia que se le daba a los maestros anteriores a J.S. Bach cuando la musicología era principalmente alemana (pues antes de Bach Alemania no dominaba el mundo musical y a ellos esa época les interesaba menos), y como se fue revalorizado la apreciación por Monteverdi, Palestrina, Josquin o Machaut después de la II Guerra Mundial cuando se produce el triunfo popular de las llamadas "músicas antiguas". Según esta tesis y habida cuenta del escaso trabajo histórico que se ha realizado sobre la música española, es posible que esta música española no tenga mucha incidencia en la historia no solo por falta de méritos propios, sino quizás más por falta de trabajo musicológico. El olvido de la música realizada en España desde 1600 hasta 1850 no está motivado por la falta de músicos competentes en el periodo sino por carencias en su estudio y divulgación. Personalmente, cuando he tenido ocasión de escuchar esa música me he encontrado con sorpresas muy agradables.
La autonomía de la música está relacionada con la autonomía del artista que se alcanza en el siglo XIX. Hay que tener en cuenta que anteriormente el artista era más bien un artesano, alguien que manejaba una serie de herramientas (los instrumentos musicales) que producían unos sonidos agradables para acompañar el canto y dar lustre a la liturgia, a las ceremonias del Palacio, etc. Todavía el gran Mozart era un sirviente del Arzobispo de Salzburgo y parece que por eso siempre quiso trasladarse a Viena pese a la oposición de su padre. En definitiva la música del antiguo régimen tenía siempre un carácter utilitario, (cosa que, por cierto, sucedía igual en las demás artes). A partir de Beethoven se empieza a considerar al músico como un artista capaz de expresar emociones individuales, más allá de la simple práctica de una técnica artesanal basada
en la tradición, como se había considerada hasta entonces. En este ambiente cultural relacionar la creación del músico con fines utilitarios como el acompañamiento de un texto, etc, no era la mayor aspiración de unos autores que se sentían con orgullo poseedores de una libertad creadora hasta entonces desconocida.

Por otra parte, esta libertad creadora y la reivindicación de su genio individual se ponían de manifiesto en la música con más evidencia que en otras artes que no habían dado ese paso de forma tan drástica. Pienso que por ese motivo decían Hoffmann y otros que la música era la más romántica de las artes, ya que en los primeros momentos el romanticismo estaba ligado a un sentimiento revolucionario (revolución francesa), que a lo largo del siglo fue neutralizándose.

En otro orden de cosas la música era un arte romántico por cuanto que no estaba ligada a la realidad, ni a un pensamiento, ni a una narración (literatura), ni a una imagen de la existencia (pintura, escultura), sino que estaba directamente relacionada con los sentimientos. De hecho el pensamiento ilustrado anterior había puesto su atención en asuntos que podían mejorar la condición humana como la ciencia, la didáctica, la filosofía y aceptaba con recelo el resto de manifestaciones culturales que, como la música, no tuvieran una utilidad práctica evidente. La reacción romántica, por el contrario, vendría a cambiar este estado de cosas en oposición a los excesos de la Ilustración.

Antes del flamenco.

La sociedad filarmónica de Badajoz ha empezado la temporada con un concierto en la Sala de Columnas de la Diputación interpretado por César Carazo (canto) y Felipe Mascuñano (toque), concierto que tenía el nombre de "antes del flamenco". El recital resultó interesante por dos cosas, principalmente, porque se trataba de música antigua y de la música antigua la más interesante es, paradójicamente, la menos antigua, la cual ayer estaba bien representada. Quiero decir que la música de la Edad Media (cantigas de Alfonso X el Sabio en el concierto), como la renacentista (Luis de Milán y Diego Pisador), está bien documentada en los archivos musicales, lo que hay es bien conocido por los expertos y se escucha con cierta asiduidad. Sin embargo en lo que respecta a la música de los siglos XVII, XVIII y primera mitad del XIX, hay que decir que en su mayor parte no está bien catalogada, ni editada, ni la gran cantidad de música buena que se hizo en España durante ese periodo se ha dado a conocer debidamente. Así que ayer pudimos saborear las canciones de José Marín, Mateo Romero o Fernando Sor, lo cual no es un disfrute frecuente y solo por eso es merecedor de abandonar las pantuflas en casa y acudir a la sala. Pero es que además el título del concierto no deja de ser interesante. El conocimiento del origen del flamenco es una asunto harto difícil. De hecho, no parece que proceda de unas formas musicales determinadas, ni siquiera del uso de determinados modos, escalas, ritmos, etc. Más bien es una forma popular de interpretar que se basa en mucha de la música que estos interpretes populares tenían a mano y que eran los materiales con que creaban su estilo, ya que el estilo sí es definitorio para el flamenco. Así que podemos encontrar "materiales" flamencos en multitud de ejemplos musicales. Por otra parte, en aquellos tiempos, la distinción entre música culta, popular y flamenco no estaba bien delimitada como lo pretende estar hoy, así que, dado que los primeros cantantes e instrumentistas que podemos llamar flamencos no han dejado huella documental alguna por vivir en el entorno social de una España que no estaba entonces en sus mejores momentos, me parece que la única forma de buscar ecos, raíces y coincidencias con el flamenco es a través de la música que ha perdurado gracias a haber sido escrita en una partitura, es decir la llamada música culta, aunque dada la mencionada falta de documentación del periodo, fundamentar posibles orígenes del flamenco en las partituras conservadas es un trabajo más que dificultoso.
En cuanto a Felipe Mascuñano hay que destacar que ofreció un interesante recorrido por la cuerda pulsada (desde el laúd medieval, pasando por la vihuela renacentista, la guitarra barroca y la guitarra romántica), que demuestra su dominio de todos estos instrumentos, los cuales maneja con igual técnica que gracia. Además sus comentarios acertados vinieron a poner en claro los aspectos históricos del concierto con precisión, aunque sin cansar al público con disquisiciones.
César Carazo con una voz clara y precisa supo "leer" bien los adornos que en la música antigua eran tan frecuentes aunque no se escribieran en la partitura y supo incidir en los aspectos estilísticos que pudieran tener relación con el tema del flamenco, especialmente el uso de intervalos melódicos menores del semitono, propio de las músicas de origen oriental y que en España se han utilizado desde que los árabes conquistaran Al-Andalus y nos influyeran con sus músicas y por otra parte los melismas, más propios de la tradición cristiana de canto. Es cierto que estos elementos musicales no escritos son especulaciones sin documentar, pero es lo que hay y tal vez no tengamos posibilidad de determinar con absoluta certeza como se interpretaban algunas músicas. En todo caso la especulación de César Carazo me parece comedida y fundamentada.

Idomeneo vs. Mahoma.

La verdad que lo que ha hecho la directora de la Ópera de Berlín es algo un poco absurdo. Tenerle miedo al terrorismo islámico después de que Occidente, liderados por la cúpula imperial, ha hecho una guerra contra todo el terrorismo, con resultado de victoria aplastante, no deja de ser una incoherencia. Es que esta señora no sabe que muchos valientes defensores de la ley y el orden han dado ya su vida para que este mundo sea una balsa de aceite sin la amenaza del terrorismo que nos tenía atenazados y aterrorizados no hace más de tres años, antes de que el Imperio Victorioso aplastara a esos miserables en tierras del Eufrates y el Tigris, dando lugar a la fundación de una nueva cultura (militar, por supuesto). Es que no sabe que si el terrorismo había actuado de forma infame contra la cristiana civilización, ésta había encontrado en su seno la redención salvadora de manos del Rey de los Cruzados, conocido por todos como Jorge Uve doble. Es que no sabe que detrás del Imperio hay una cohorte de sabios que habían determinado desde el año 2002 que el origen de estas penalidades estaba en un país donde se escondían cobardemente estos miserables y que ese país no era otro que el Iraq y que mientras que los cobardes se escudaban en los inspectores de la caduca O.N.U. para no agarrar al toro por sus cuernos, un reducido grupo de valientes habían tomado ya la decisión de defendernos de nuestros crueles enemigos, bendecidos, según dijo Jorge doble V, por la divina mano, (With God in our side).

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Pero claro, estos fanáticos están en la Edad Media y no se han enterado de lo civilizados y eficientes que somos los occidentales. Y si no mira como luchan contra los judíos, (contra los que han dirigido su fanatismo sólo por que los echaron de sus casas y de su país), con coches-bomba y suicidas cargados con explosivos. Que lejos de la eficacia desplegada por occidente en Buchenwald, Mauthausen o Dachau, Trabajos limpios, eficaces y silenciosos, (mientras Furtwangler, Knappertswusch y Karajan competían por acariciar los oídos del Reichsführer). Pero claro, ellos están en la Edad Media, por eso utilizan aún el terrorismo, algo que ni se nos puede pasar por la cabeza a un civilizado europeo, da igual que sea vasco, irlandés, maoista alemán o izquierdista italiano.

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Qué equivocado estaba yo cuando me ponía en manos de mi peluquero marroquí que me reclinaba la cabeza hacia atrás al tiempo que me pasaba su afilada cuchilla por mi garganta. Y yo sin saber de sus aviesas intenciones, sin percatarme de que el susodicho estaba en la Edad Media y apuntito de degollarme. O ese médico palestino al que no sólo acudía yo sino que, además, llevaba a toda mi familia. Pensar que les estaba poniendo en manos de un hombre medieval y fanático aunque regalara bolígrafos de propaganda a los niños con la intención de engañarnos. O ese frutero argelino que, sabe Dios qué sustancias venenosas nos habrá inoculado en los melocotones, a pesar de ese aspecto tan suculento con que nos los presentaba. Ojalá (que manía de hablar en sarraceno) que no vuelva a caer en manos tan siniestras. Porque nosotros no somos así y todo eso de la Mezquita de Córdoba, la Alhambra de Granada y demás restos del pasado con que cubrieron casi toda la península (hasta Cataluña), todas sus bárbaras construcciones, no fue más que una cosa de ocho siglos. Nosotros no tenemos nada que ver con estos mediterráneos del sur, con esos moros del Magreb. Nosotros somos arios de pura raza y pertenecemos a una raza superior, aunque me esté mal el decirlo.
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Heil !

No hagan caso a Chávez lean a Chomsky

Ya sé que Chávez ha recomendado la lectura (política) del famoso lingüista, como aparece en la contrapartada de El Pais, pero precisamente por eso, pienso que muchas personas medianamente inteligentes e informadas pensarán que no merecerá la pena dicha lectura si viene recomendada por un patán como el presidente de Venezuela, que se pasa horas en la televisión de su país contándole a la gente todo lo que se le ocurre, llegando incluso a maltratar al respetable con sus cánticos.
Este blog recomendó leer a Chomsky en una entrada del pasado 14 de agosto y ahora queremos aprovechar estos momentos difíciles para reiterar nuestra recomendación: no hagan caso a Chávez, lean a Chomsky.

Ligeti 3

Cada uno tiene sus manías que, como tales, no hace falta explicarlas, las manías son arbitrarias. A mí, de todas las texturas musicales, la que más me gusta es la propia de la música de cámara. En un grupo de cámara pueden estar todas las voces y los timbres de una orquesta pero a menor escala, sin duplicación de instrumentos, sin la magnificencia propia de la gran orquesta, que es una forma pretenciosa de abrumar al público, de subyugarle para anular su capacidad de raciocinio, de imponerle la música de forma autoritaria. La gran orquesta es como el estado totalitario. Será por eso que de todos los discos de la Ligeti Edition el que más me gusta es el que tiene el número 7 de la colección: (Trio for Violin, Horn & Piano; Ten Pieces; Six Bagatelles for Wind Quintet; Sonata for Solo Viola) - Saschko Gawriloff / Marie-Luise Neunecker / Pierre-Laurent Aimard / London Winds / Tabea Zimmermann.

Bienal de Flamenco de Sevilla.

Ha empezado la bienal de flamenco de Sevilla 2006, dedicada este año, de manera especial, al baile. El plato fuerte para el gran público es la actuación el día 30 de septiembre de Diego el Cigala y Salif Keita en el Auditorio de la Cartuja. Se me abren las carnes eclécticas solo de pensarlo, ¡ Madre mía ¡.

Carta a Teddy Bautista

Estimado Eduardo,
(get on your knees baby and pray, pray, pray...)
Hace tiempo que no compro un CD, es verdad, pero la última vez que lo hice costaban cerca de 20 euros. Dices que somos unos criminales porque robamos a los autores. De los 20 euros que he tenido que soltar en la tienda, cuánto le dan al autor, a los interpretes y técnicos que han trabajado en el disco. Cuánto se han gastado en el soporte CD. Sabiendo que a mí me cuesta un CD unos 0,24 € (6 € una caja de 25), cuánto le costará a Sony Corporation. Si calculáramos los gastos de hacer un CD llegaríamos a la conclusión de que hacer un disco y venderlo a 20 € es el mayor negocio del mundo, más incluso que traficar con drogas, armas, o recalificar terrenos en España para construir pisos.
Entonces quién defiende los derechos de un joven (desgraciadamente no es mi caso) que quiera escuchar música, que quiera escuchar mucha música porque le gusta y quiera tener una gran cultura musical.
¿Por qué no hacen anuncios mostrándonos cómo las grandes corporaciones discográficas se forran a nuestra costa y nos roban el dinero?. Que los hagan y obliguen a los accionistas de Sony a ver esos anuncios antes de pasar a retirar los dividendos obtenidos en su inversión como hacen con nosotros cuando queremos ver una película y nos tenemos que tragar su perorata.
Ningún gobierno ha pagado una campaña publicitaria sobre lo malas que son las políticas empresariales para la cultura, explicándonos los manejos de las discográficas con los medios de comunicación para hacerle tragar al público esas piltrafas de cultura que son los discos más vendidos del año, ya sean de la operación triunfo o de esas encantadoras modelos americanas que ahora triunfan en el mercado.
Por qué se consiente que el mercado sea el amo y señor de la política cultural y yo no pueda comprar un CD de un autor "extraño" como por ejemplo Arvo Pärt o Ornette Coleman en mi pequeña ciudad, porque todos los estantes de la tienda están a disposición de Bisbal y demás maravillas de la mercadotecnia y lo que yo quiero no es rentable empresarialmente.
Si el estado interviene para defender el derecho constitucional a la libertad de empresa, por qué no interviene para defender el derecho constitucional a la cultura y, por el contrario, deja todo (en el terreno musical) en manos del mercado.
Cuando las empresas consiguieron la tecnología suficiente para hacer CDs se dedicaron a explotarnos infamemente, ahora que parte de esa tecnología la tenemos nosotros pues que se apliquen el mismo criterio y que se aguanten. El mercado no es Dios.